Odile Liger

Bienvenue dans mon atelier au Neudorf, le garage d’une ancienne entreprise, qui m’a séduite par sa lumière et son espace, où ma presse taille-douce a trouvé une place royale.
Pour la première fois j’y présenterai deux séries de dessins à l’encre réalisées dans ces moments incertains traversés dernièrement, à l’abri des bruits du monde, dans l’atelier :
Un ange passe, des gestes fugaces de l’un vers l’autre, des esquisses d’instants éphémères, des frôlements, des rencontres précaires, des tentatives de dialogue.
Les 20 de 2020, reprise des cartes postales représentant les œuvres ensorcelantes que l’on traîne, année après année dans l’atelier, une sorte de compagnonnage d’atelier revisité.
Plus souterrain, en gravure, je poursuis un travail plastique que j’entretiens avec le livre, de la bibliothèque familiale de mon enfance à mon atelier, en passant par les collaborations avec des auteurs et acteurs.
La présence sourde des livres en tant qu’objets mais aussi les correspondances entre l’écriture et le signe, le dessin ou le trait gravé, mixant des techniques de gravures à la pointe sèche, eau-forte et monotype en résonance avec des textes, des mots et de la poésie qui ont donné suite aux séries : Les vieux livres, Les singes et les livres, Ce que tu vois écris-le dans un livre, Simplement libre de s’écrire, Bonjour Mr Gutenberg, Le vent se lève …il faut tenter de vivre, Dis-moi à quoi tu rêves…

Julia Le Corre

J’interroge la surface du papier comme matériel support à un vaste champ d’exploration. Je poursuis mes recherches sur la couleur et la matière par le traitement des motifs. Je fais appel à la gomme à masquer, à la cire qui, réservant ainsi des blancs, protégeant la couleur, jouant sur la transparence, fait jaillir la lumière et éclater l’or. Les amoureuses en fleurs gravitent dans le champ de la figuration, dans un espace où nature morte, scènes intimistes, composition murale semblent les contempler. A cela s’ajoute le médium de la gravure où les teintes de noir viennent saturer et surcharger l’atmosphère, brouillant la perspective, perdant les contours de la figure humaine dans ce tissu végétal. Ainsi s’assimilant l’un à l’autre par la même manière picturale.

Lili Tarentule

L’atelier de Lili Tarentule se situe dans les locaux de l’association Art Créenvol. À l’entrée se trouve un espace galerie et lorsque l’on gravit quelques marches l’atelier de Lili Tarentule se trouve à droite. L’entrée est également possible directement par l’entrée de l’immeuble. L’atelier de Lili Tarentule est un laboratoire d’expérimentations : peinture, gravure et dessin se côtoient en douce harmonie.

Nahrae Lee

Diplômé d’un DNSEP Art à la HEAR de Strasbourg, Nahrae Lee née en Corée du sud, ayant grandieen Chine et aujourd’hui vivant et travaillant en France, explore les différences et les points communsqui, aujourd’hui, lient et définissent les êtres humains. En associant plastiquement et conceptuellement des éléments autobiographiques à d’autres plusuniversels, elle interroge la notion de norme et en propose une nouvelle définition à travers un monde qu’elle s’est créé au fil de sa vie et de ses expériences familiales, professionnelles et introspectives. Sa pratique s’étend de la vidéo à l’installation en passant par la gravure monotype

Yoshikazu Goulven Le Maître

Yoshikazu Goulven Le Maître est né en 1995 à Fukuoka au Japon. Il vit et travaille à Strasbourg. Il développe un travail autour de la récupération et de la réutilisation de matériaux usagés, qu’il sculpte pour donner naissance à un bestiaire aussi étrange que poétique. Il dépeint un écosystème contemporain façonné d’artefacts, sous la forme de représentation du vivant, mais aussi de nature morte. Sa pratique cherche à concilier la dichotomie entre « nature » et « culture », en cherchant l’illusion de vie dans les objets du quotidien et en exprimant leur altérité.

Marie Lagabbe

Marie Lagabbe est une photographe française vivant à Strasbourg et originaire
d’Aubervilliers (93). C’est dans le centre d’art plastique local, au cœur de la cité de la Maladrerie, qu’elle découvre le plaisir de la photographie argentique à l’âge de 17 ans. Depuis, elle ne cesse de produire des images où elle mêle divers médias et techniques, grâce aux nombreux appareils qu’elle déniche en brocantes et en vides greniers.
Bien plus qu’un simple moyen de faire apparaître ses photographies, le tirage à l’agrandisseur qu’elle réalise dans sa chambre noire est une étape indissociable de sa démarche artistique. Ses clichés en noir et blanc prennent tout leur sens en devenant des objets physiques, palpables, qu’elle pourra déchirer, coller, ou encore utiliser comme support d’écriture.
Par sa pratique, Marie cherche à maîtriser le hasard. Elle aime le défi calculé du facteur chance et la prise de risque systématique. Sa méthode de travail est donc empirique : essayer, observer, réessayer.
Elle envisage ses shootings comme des collaborations, dans une volonté d’enrichissement réciproque : le·a modèle n’est pas muse-objet, mais co-acteurice de cette phase de travail. En somme, Marie privilégie le processus au résultat, et ce qui lui importe avant tout ce sont les heures passées à shooter, ou dans le rouge, les doigts dans les bacs.

Polysème Magazine

Vladimir Lutz

Il commence sa pratique photographique dans les salles de concert. Il écume les scènes Alsaciennes en immortalisant les musiciens. Après avoir travaillé huit années dans l’éducation populaire, il décide de devenir photographe et commence à diversifier sa pratique et ses techniques photographiques. Ce sont deux rencontres fortes, Dominique Pichard, photographe bas-rhinois, et Marc Linnhoff, chef opérateur colmarien, qui vont, à travers des projets où il officie comme assistant, lui donner les bases de la maîtrise de la lumière artificielle. Ensemble, ils collaboreront sur quelques clips, courts métrages et films institutionnels. C’est la rencontre avec Sandrine Pirès, metteure en scène de la compagnie théâtrale Le Gourbi Bleu qui l’amèneront à côtoyer l’univers du théâtre. C’est ainsi que Vladimir Lutz travaille aujourd’hui avec de nombreuses compagnie en vidéo et en photo telles que Le Gourbi Bleu précédemment cité, Les Rives de l’Ill de Thomas Ress, la Compagnie des Naz, la compagnie équestre Equinote de Sarah et Vincent Welter.

Ugo Lange

Dessinateur prolifique, Ugo Lange pratique un art multiforme qui couvre une grande palette d’ex- pressions graphiques, depuis le croquis aide-mémoire jusqu’aux descriptions détaillées et minu- tieuses de ses planches « méta-réalistes ». Il utilise des outils traditionnels : graphite, crayon de couleur, aquarelle, gouache, lavis d’encres, sanguine, sépia… S’exprimant sur difféentes textures de papier, il joue aussi sur la présentation des supports adaptés à l’espace d’exposition. Ne pouvant entrer ici dans le détail de ces nombreuses œuvres qui méritent chacune l’attention du regardeur, nous citerons plus précisément deux ensembles qui font bien comprendre le processus de l’artiste et les valeurs qui le sous-tendent. Installé alors dans une commune populaire
de la région parisienne, l’artiste y effectue de longues balades en solitaire et découvre son environnement, sorte de road-movie au ralenti ! Il nourrit son carnet de croquis de fragments d’objets, de personnes ou de végétaux captés en des instants fugaces. Plus que la photo dont il dénonce la « platitude », le dessin lui permet de projeter simultanément son propre univers mental fait de mémoire et d’imagination. Il compose les pages de U à la ville, en tentant d’exprimer la porosité entre ces deux mondes : le « réel » et les impressions venues d’un ailleurs très personnel. À la fois observateur et celui qui rend compte de ses observations, l’artiste se met parfois en scène comme pour en revendiquer la subjectivité, ouvrant un nouveau champ de liberté au regardeur qui peut proposer d’autres interprétations ou bâtir ses propres uchronies.
L’artiste évoque aussi le biologiste prussien, Ernst Haeckel, grand artiste dans la façon réaliste
et esthétique de dessiner les filaments des méduses et autres cnidaires flottant dans l’eau en pensant dit-on, à la chevelure de sa propre femme…Les planches raffinées de ce scientifique qui étudiait les rapports des espèces vivantes avec leur environnement (il inventa le mot « écologie ») ont suscité l’intérêt de notre jeune artiste, lui-même engagé dans une réflexion écologique et cosmogonique qui rejoint, à partir de l’art, les théories du penseur. Dans ses Portraits-coraux, la tête d’un monstre, identifié comme être humain grâce au vêtement qui habille son buste, apparaît comme un magma très coloré d’improbables madrépores, polypes et autres coraux marins, voire aussi de fragments d’êtres fantastiques issus de son imagination. Par là, l’artiste entend s’opposer aux théories anthropocentriques et redonne à l’Homme sa juste place dans l’univers. À côté du savant naturaliste, l’écologiste établit les rapports qu’il pourrait y avoir entre ladite montagne et la fourmi et comment les entretenir. Quant à l’artiste, il imagine, grâce à eux, des mondes à venir, encore invisibles mais issus de ceux-là, assemblant des formes exubérantes qui expriment la puissance et la diversité du vivant, qui ouvrent tous les champs du possible. Texte d’Odile CRESPY

Anne Lerognon

L’humain est au coeur de ma démarche plastique.Depuis une année le thème de la migration s’impose à moi.C’est une des questions centrales de notre temps.J’ai une place confortable pour être émue.Alors je cherche pudiquement une forme,une expression,un groupe,la terre ou la rive rêvée.Le drame aussi.Ce sont souvent des portraits en pied sur toile libre.De cette façon l’image qui vient est comme en miroir et m’interroge sur le sens de l’exil que chacun porte en lui.