Je suis née le 08 octobre 1981 à Koutaissi en Géorgie. Je viens d’une famille d’artistes et depuis mon plus jeune age je baigne dans le monde de l’art. Mon père et mon oncle sont des artistes peintres reconnus et ma mère travaillant dans le design textile peint également. J’ai commencé a peindre très jeune, à l’age de trois ans, je peignais à l’aquarelle et des portraits essentiellement.
Dans ma représentation il y a peu d’attributs et de détails, j’utilise le jeu des tons chauds et froids, j’applique un dégradé mystique des ombres et des lumières afin de me rapprocher de l’univers qui me représente et de faire sortir le cote esthétique.
alphabet : l
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patrick lorea
Par Frédéric-Charles Baitinger
A la manière d’un Giacometti ou d’un Francis Bacon, Patrick Loréa ne cherche, à travers ses sculptures, aucun effet de ressemble.
Sans pour autant verser dans l’abstraction pure, ces corps et ces visages n’appartiennent à aucun lieu ni à aucune époque :
ils ne sont, pour ainsi dire, que les supports anonymes d’un devenir qui les ronge et les emporte.Figures de chairs, portant sur elles comme les stigmates de leur vie
passée, aucune Idée ne transparaît dans leurs formes mouvantes, mais quelque chose de plus subtil et de plus difficile à nommer aussi.
Que ce soit dans son oeuvre représentant une femme légèrement penchée, la bouche entre ouverte et les yeux fermées, ou bien dans cette autre, encore plus explicite,
nous montrant, à travers un morceau de verre, le visage d’un homme à moitié détruit, une même fragilité semble planer sur ces êtres, comme si l’expression première qui
les caractérisait luttait pour ne pas disparaître sous les assauts d’une force que le physiciens appellent : le principe d’entropie.
Tout passe, et ce qui aurait dû préserver pour l’éternité les traits d’un visage le montre tout à coup en proie au vertige de n’être plus qu’une forme temporaire;
qu’une forme dont l’essence se confond peu à peu avec celle de ses accidents.
Mais par quels procédés Patrick Loréa est-il parvenu à produire de tels effets ? L’histoire mérite d’être contée, car elle résume, à elle seule,
ce qui se joue d’essentielle dans ces oeuvres. Naguère sculpteur d’obédience classique, Loréa modelait ses figures dans la terre, puis les moulait à l’identique
dans un matériaux plus dur.
Mais lassé, un jour, d’un tel procédé, il redécouvrit, dans un coin poussiéreux de son atelier, deux têtes en terre, depuis longtemps oubliées.
Touché par la grâce de ces visages abandonnés, il comprit, alors, qu’une période de sa création s’achevait et qu’une autre s’ouvrait enfin à lui.
Tel un sculpteur archéologue, fouillant les arcanes de son atelier, ce n’est plus la figure en tant que telle qui intéresse maintenant Loréa,
mais l’ensemble des processus physiques et chimiques qui font d’elles l’analogon d’un corps souffrant.
Voilà pourquoi ses sculptures ne sont pas sans nous rappeler celles d’un Giuseppe Penone qui, aux dires de Georges Didi-Huberman,
nous permettent de toucher du doigt la différence qui existe entre « un sculpteur qui fabrique des objets dans l’espace ? des objets d’espace,
et un sculpteur qui transforme les objets en actes subtils du lieu ? en avoir lieu*.»
Ne plus se contenter, donc, de donner forme à ses idées, ne plus chercher à rendre pérenne une figure trop marquée, mais essayer,
envers et contre les risques que cette quête implique, d’atteindre à cette part d’expressivité accidentelle sans laquelle toute oeuvre d’art,
même la plus parfaite, reste un point d’arrêt ? « un arrêt de mort. »
martine lutz
par le matériau je construis , vis comme un funambule , cherchant à garder équilibre et maitrise
le materiau comme la voix devient source d’expression .
Louis Lair de la Motte
Ebéniste et carrossier de formation, maîtrise d’un large panel d’outils relatifs au travail du bois et du métal.
Depuis 2014, travaille en tant qu’ébéniste indépendant et a investi depuis peu un espace au port du Rhin, à Strasbourg.
Réalisation de prototypes de mobiliers, de mobiliers et d’objets sur mesure pour les designers et les particuliers.
Thibaut Lemoine
/ perception / résonance /
trace / partition / composition /
électronique / modulaire /
diffusion / dispersion /
Catherine Laborde
Catherine Laborde présente une série de grands formats à l’encre, autant d’invitations à une méditation poétique, pour dépasser les apparences et tenter de saisir l’élan intérieur qui habite les choses et les êtres.
Son travail passe par l’écoute, le dépouillement, le silence : chorégraphie du geste impliquant tout le corps, répétition des formes, lâcher-prise au contact de cette présence qui infuse en soi avant l’action.
Pigments, encres et brous de noix irriguent le papier, tracent leurs sillons, façonnent l’espace de ce territoire esquissé. Le papier agit seul, tel une mue, une empreinte directement reliée à l’instant présent, sans repentir… «?Au sein de l’encre, la pierre recommence à germer » (Gaston Bachelard, La Poétique de l’espace)
Celine Lachkar
L’ensemble de mon travail se déploie comme une chambre d’échos, un conte à multiples facettes. Du dessin comme port d’attache, je tisse finement différentes techniques et joue de compositions en filigrane. J’y opère à la manière d’une miniaturiste, non par le petit format, mais par la finesse, l’attention aiguisée, l’intérêt pour le symbole et les multiples niveaux de lecture. J’ai à coeur d’inviter à entrer dans des espaces de soin, à représenter cet espace de concentration, indicible, centre de toute création, à partager ce cheminement profond et la magie du précieux qui ressurgit et affleure la surface. Cette attention est un instrument de renversement du regard, qui permet d’introduire un point d’inflexion, une verticale dans l’horizon. Elle permet de décompacter et creuser dans la surface pour faire remonter nos trésors, pour s’émerveiller du beau comme reconnaître notre infini. Je cherche à créer ainsi des images qui nous réparent, nous abreuvent, des surfaces qui chantent. A relier les fragments, trouver les résonances2, écouter ce qui vibre encore, ce qui brille dans le noir. En cela, mon travail est une mise en abîme, puisque le geste de créer, de dessiner, devient le sujet lui-même. Je vois ce geste comme un acte puissant qui dissoud les rigidités, les nôtres et celles du monde. C’est une première écologie. Un acte poétique3, de quête du vivant, de ce qui vibre encore, remet en circulation, remet le coeur en mouvement. Un acte de jardiner, fertiliser le plus subtil en nous, planter une image-graine pour qu’elle croisse en celui qui la regarde. Un acte de beauté4 aussi . D’abord intéressée par la question de l’origine des formes et de l’illusion perceptive, j’ai développé par la suite celles de la perte de lien et de sens, et en même temps sa quête. Deux visions cohabitent ainsi dans mon écosystème et que j’aime à raconter : celle de notre société moderne, réductionniste, cloisonnée et fragmentée. Ce premier regard, mécanisé et aride, nourri de quantité, de vitesse et de spectaculaires reflets, s’arrête à la surface du monde. Comme une terre mal irriguée, il sèche et se casse. Cet état de minéralité avancée5 appelle à irriguer et redonner une profondeur. Ainsi naît la vision du chercheur ou du créateur qui par sa concentration peut recréer cette cohérence. Une quête de réenchantement, par une démarche archéologique, mais aussi alchimique où je distille et condense le plus précieux. Un chemin initiatique des contes et des mythes, qui induit l’idée de réconciliation. Celui qui permet de se défaire d’un mauvais sort, un acte magique ou conjuratoire.
Les ateliers de Motoco seront ouverts uniquement les 24 et 25 mai.
Nous vous remercions de votre compréhension, et nous réjouissons de vous retrouver lors de ce second week-end des Ateliers Ouverts.
Romuald Le Bris
La peinture de Romuald Le Bris explore les pistes d’abstraction du réel. Son travail vient bouleverser la définition même de l’art abstrait qu’en avait fait Michel Ragon :
« J’appelle art abstrait tout art qui ne contient aucun rappel, aucune évocation de la réalité observée, que cette réalité soit, ou ne soit pas le point de départ de l’artiste. »
Il décompose les lignes d’un monde matériel et survolté et bruyant et s’en sert pour tisser des toiles qui surprennent, fascinent, invitent à la méditation et au retour au calme. Les formes s’entremêlent, les textures apparaissent, plus ou moins profondes, les couleurs jaillissent par moments, dans une recherche permanente de dialogue esthétique et de symbiose avec son art.
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L’artiste propose des ateliers d’arts plastiques pendant lesquels il partage avec ses élèves les recettes et les techniques qu’il expérimente chaque jour dans son atelier (renseignements au 06 06 43 52 71).