I combined a mixed media between Collage, painting and video or let one media to speak for itself, the objective is always to make a clear statement. My grafic background you can see in my work. While you see different artworks, from traditional oil on canvas, to the collage and video it is a little bit dada and a collective of different works in a common context.
Pratiques : Peinture
Françoise Maillet
Le sujet des peintures de l’artiste Françoise Maillet est la ville où tout n’est qu’équilibre précaire, instabilité permanente. Elle construit, détruit puis elle reconstruit ses citées. De l’obscur vers la lumière, du monochrome vers la couleur, de l’accumulation vers la dilution et la mutation, de l’évolution à l’adaptation ; toutes ces étapes résument son travail. Depuis quelques années, l’artiste explore ce qui l’entoure, elle interroge les éléments de notre quotidien avec l’idée de construire un état des lieux de notre société. Elle s’intéresse aussi à d’autres moyens d’expression comme l’art textile qui est devenu pour elle, un formidable terrain d’exploration aux possibilités multiples. Travailler avec la fibre textile, si tactile, si vivante, lui a permis de mettre en scène des personnages étranges qui ne sont guère éloignés de ce que nous sommes, réalisées à coup d’aiguille, de fils et de belles matières ils nous racontent la comédie de la vie.
MARIE AMELIE GERMAIN
JE VIS ET TRAVAILLE EN ALSACE ,
JE SUIS PASSEE PAR LES ARTS DECORATIFS DE STRASBOURG, J’AI PASSEE UNE LICENCE DE LETTRES MODERNES ,
DEPUIS 20 ANS EXPOSE EN FRANCE ET AILLEURS …
Suzanne Oertel
Am Anfang eines Bildes
steht die unbestimmte Sehnsucht, neues Land zu betreten, Spuren zu ziehen, zu verwischen, zu spielen, zu experimentieren – mit allen Sinnen.
Welche Farbe, welches Material zieht mich gerade an, was weckt meine Lust? Meine Lust, tätig zu werden, zu spielen? Wo finde – oder lege – ich eine Spur und welche verfolge ich?
Der Beginn eines Bildes geht über den Akt der Zerstörung einer reinen weissen Fläche. Eine Herausforderung, eine Aufforderung, so aus dem Nichts heraus zu beginnen. Alles ist möglich und offen und frei. Unentschieden. Dann legt sich Schicht über Schicht. Strukturen bilden sich, bedingt durch die Beschaffenheit der verwendeten Materialien. Sie begegnen sich durch die Bewegung des Tuns. Manchmal ist es ein Sich- Verlieren im Detail. Das fällt dann heraus aus dem Zusammenhang, muss integriert oder wieder aufgegeben werden – oder die Umgebung, die unberührt blieb. Übermalen, wegkratzen, auswaschen… Auch innerhalb des Bildes muss es immer wieder den Neubeginn geben. Ein Umkreisen eines noch unbestimmten Themas. Bis es beginnt, sich „herauszuschälen“. Wie eine Melodie. Klänge und „Klangräume“ entstehen, Flächen spannen sich und werden zu Rhythmen.
Welche Farben klingen zusammen? Welche Rhythmen? Was tritt in den hinteren Raum des Bildes, was kommt oder drängt nach vorne? Wo braucht es welche Form und wo muss diese wieder aufgelöst werden?
Zwischenräume, zwischen Räumen und zwischenräumen.
Irgendwann ist ein Punkt erreicht, an dem das, was ist, ausfliesst, die Bewegung ausschwingt, die Melodie verklingt. Etwas, das geworden ist und dennoch nicht „fertig“, vollkommen. Es lebt vielmehr von einer gewissen Unvollkommenheit – welche die Aufforderung – und der Anlass – zu einem nächsten Bild, einer nächsten Bewegung, ist.
Claude Bouzana
Né en 1973 à Mulhouse
La peinture est devenue pour moi un véritable mode d’expression.
Peindre c’est oser vous dire qui je suis, tout entier.
C’est pendre la Beauté comme Vérité et la vaporiser avec humilité au dessus de nos têtes.
C’est avoir le courage, vous et moi de nos émotions, de nos peurs et de nos envies.
Ce lien vivant, fort et honnête n’a de sens que s’il est reçu avec Amour et Abandon.
Merci de savoir entendre, comprendre et recevoir de moi.
Claude
Lionel Sabatté
Né à Toulouse en 1975. Vit et travaille à Paris et Los Angeles.
Born in 1975, Toulouse (France). Lives and works in Paris and Los Angeles.
Rita Orekhova
Rita Orekhova
« Envolée »
(extrait : Collection 2015, de Danielle Junod- Sugnaux-Historienne de l’art)
Sa peinture, fortement influencée par la rigueur et l’académisme des années de formation, tend à s’éloigner des schémas imposés pour devenir plus libre et conquérante.
Dotée d’une énergie et d’une volonté communicative , Rita Orekhova s’immerge dans un travail qui
oscille entre deux mondes, deux extrêmes, entre douceur et force d’expression. L’un puise dans la
nostalgie de Saint-Pétersbourg où elle retourne régulièrement et à laquelle elle dédie une série
d’œuvres sur le thème du bal ; l’autre s’inscrit dans son environnement au charme sylvestre,
introverti, calme, une sérénité toute explosive, un bouillonnement parfois déchirant se déclinant sur
les thèmes des fleurs de son jardin et des ailes, entre le présent et le désir de l’envol de l’oiseau, de la
liberté, de la joie cherchée à l’intérieur d’elle-même.
Kruno Jakobovic
Kruno Jakobovic, alchimiste sur plaque
La visite de l’atelier de Kruno Jakobovic commence par la cave. Là, il se révèle, et ses plaques dévoilent leurs œuvres d’art. Le graveur utilise plusieurs techniques différentes, certaines ancestrales, utilisées par d’autres, et une qu’il préfère garder pour lui : « c’est un procédé personnel que je ne veux pas expliquer », glisse-t-il avec son délicieux accent venu de Croatie.
Kruno Jakobovic prend visiblement plaisir à manipuler la matière et les outils. Soude caustique, poudre de colophane, eau forte, aqua-teinte… Son univers a des relents d’alchimie.
Dans sa caverne, il s’est installé une presse et une armoire de photogravure, et dans son atelier-bureau, il garde tout le reste : dessins, peintures gravures, plaques, stylet, poinçons, burins… Sa découverte de la gravure est récente : « comme ma femme ne savait pas ce qu’elle allait faire de moi à ma retraite, j’ai commencé les cours de peinture… » s’amuse-t-il.
Une rencontre avec une artiste-graveuse croate a fait le reste.
François Klein
Au cours de cette dernière décennie, tout en élargissant les champs d’expérimentations en integrant, par exemple, la danse et la musique contemporaines lors de performances avec ses machines sonores, il tente aussi d’affiner certaines recherches plastiques autour de matériaux comme le bois et le bronze.Le rapport au format est une de ses problématiques travaillant le bois à la tronçonneuse pour des masques, des totems et des déités mythologiques mais également, des assemblages ou de petites sculptures au couteau….Des recherches graphiques sous forme de cahiers noirs agrémentent et complètent ses productions en volume. Nourries de vieilles légendes et de lointaines cosmogonies de tous les continents, ses œuvres sont habitées de petits peuples des montagnes et des forêts, des cascades et des sources.Dans le cadre de l’exposition pour les ateliers ouverts, exceptionnellement ses œuvres seront présentées dans l’ensemble du bâtiment Helicoop ouvert au public. Les œuvres récentes de fonderie et de bois sculptés seront exposées au rez-de- chaussée.L’ atelier au premier étage sera ouvert en accès limité.Une unique et singulière performance sonore sera proposée dans les caveaux.Parallèlement à cet événement, les œuvres du Sentier des Passeurs de l’été 2022, organisé par l’Association Helicoop, seront déjà visibles dès le mois de Juin.A voir aussi à proximité :- Atelier de Florent Meyer à Senones (Vosges).- Atelier de Pascal Henri Poirot à Breitenau (Bas-Rhin). François KLEIN – Mars 2022 –
David Sibieude
Mes réflexions traitent de peinture et
peuvent prendre des formes diverses (installation, vidéo, performance,
peinture, …). Je tente de repousser les limites du geste pictural pour
mettre à jour de nouveaux espaces d’investigations et de recherches
artistiques. Je tente d’annuler la distinction entre le fond et la forme,
entre l’avant et l’arrière, entre l’avant et l’après de la peinture.
J’affectionne les processus pauvres et expérimentaux pour la poésie qui en
émane.
Je m’efforce d’être honnête et sincère dans ma pratique en révélant la
scène et les coulisses de mon ouvrage.
J’aime l’idée que mes œuvres puissent échapper aux références, aux codes ;
ceci dans une volonté de préserver ma liberté créatrice.
J’essaye le plus souvent de faciliter l’accès à mes œuvres en fixant ma
réflexion sur des éléments de notre quotidien de telle sorte à ce qu’un
maximum de personnes (chacune selon ce qu’elle est) puissent interagir
avec celles-ci.