J’utilise l’aquarelle, je peins exclusivement les gens, surtout des femmes et des enfants. Pourquoi ? Certainement par empathie, vraisemblablement par curiosité. Ce sont des séries : « femmes d’ici et d’ailleurs, danse, musique, mode… » qui permettent d’explorer différentes facettes du thème.
Je travaille d’après photos, les sélectionne pour l’originalité du sujet, l’harmonie de la silhouette, l’expression du visage, le chatoiement des couleurs. Mais c’est l’émotion suscitée qui prime !. Je travaille longuement pour arriver souvent à des gros plans ou des compositions décalées qui apportent une dynamique à la création.
Puis c’est l’étape « crayon ». Indispensable ! La courbe, la ligne qui charpentent et musclent le dessin, lui donnant sa vraisemblance et que je prendrai soin de ne pas effacer pour leur garder toute leur importance. Certes, il arrive que la jambe soit un peu longue, le buste trop menu ou la bouche un tantinet charnue. C’est l’espace de liberté consenti à l’artiste pour mettre un détail en lumière.
Arrive le pinceau… Je choisis ma palette avec une affection particulière pour les rouges indien, vénitien…, les mauves les ocres et le sépia. Mais il arrive que j’adopte le monochrome lorsque la spontanéité de l’esquisse doit privilégier le mouvement. L’émerveillement vient de la magie de l’eau ! Je peins essentiellement en « mouillé » avec superposition de « glacis » qui s’appliquent à conserver la transparence de l’aquarelle… et le précieux tracé du crayon.
La difficulté est de savoir s’arrêter !. Ne pas surcharger l’œuvre pour lui garder sa fraicheur et la laisser se fondre dans l’imaginaire de celui qui la regarde
Pratiques : Aquarelle
Ana Leladze
Je suis née le 08 octobre 1981 à Koutaissi en Géorgie. Je viens d’une famille d’artistes et depuis mon plus jeune age je baigne dans le monde de l’art. Mon père et mon oncle sont des artistes peintres reconnus et ma mère travaillant dans le design textile peint également. J’ai commencé a peindre très jeune, à l’age de trois ans, je peignais à l’aquarelle et des portraits essentiellement.
Dans ma représentation il y a peu d’attributs et de détails, j’utilise le jeu des tons chauds et froids, j’applique un dégradé mystique des ombres et des lumières afin de me rapprocher de l’univers qui me représente et de faire sortir le cote esthétique.
Albert Hartweg
Tout en gardant ma passion pour l’aquarelle pure que je travaille régulièrement, l’exploration d’une autre voie pour une utilisation d’une grande liberté et sans tabous de ce médium en l’alliant, au fusain, à la craie, à la pierre noire, au collage est pour moi une vraie source d’inspiration.
Mon inclination naturelle pour les vieux matériaux et notamment les cartons d’emballage est largement présente dans mes œuvres depuis de nombreuses années. La couleur chaude du carton a souvent été un atout voire une priorité dans mes compositions. L’idée de recycler cette matière en l’utilisant, non plus comme sujet, mais comme support a fait tout naturellement son chemin, aquarelle après aquarelle. Ce support a l’avantage de pouvoir être travaillé en surface, mais également en profondeur en utilisant sa structure. Pour garder tout son effet visuel et susciter même une envie de toucher, le carton est fixé brut sur un châssis en bois.
Comme écrin, j’utilise parfois de vieilles tôles zinguées dont la teinte gris-bleu de tonalité froide s’harmonise à merveille avec celle du carton. Cet heureux mariage sublime les vibrations et les énergies que suscite l’expression d’un modèle. Ce sont moins des portraits que des regards, des émotions où aucune place n’est laissée aux faux-semblants ou à la simulation.
Ce travail est rythmé par la création de sculptures. Les œuvres plastiques entrent en résonance avec le pictural, les deux sont complémentaires.
Je ne désire pas m’exprimer plus avant sur mes sources d’inspiration, sur le détail ou le cheminement qui donnent l’impulsion, le déclic. C’est très intime. Le sujet émerge, prend forme et se libère pendant mon travail. L’humeur et les émotions du moment me guident. Je tiens à ce que chacun puisse laisser libre-cours à son interprétation, à ses sentiments.
Katia Niclot-Staehli
Katia Niclot-Staehli, aussi connue sous le pseudonyme de Vaelyane, est une jeune artiste d’origine strasbourgeoise dotée d’une véritable passion pour l’illustration, qu’elle décline par le biais de techniques variées: aquarelle, peinture numérique, broderie, acrylique sur bois, gravure, etc.
Ses travaux combinent une imagerie vintage et féminine à des éléments plus contemporains, ainsi qu’à l’imaginaire, aussi bien collectif que personnel. Bilingue Français-Anglais, elle saupoudre parfois ses dessins de quelques mots, tantôt anodins, tantôt lourds de sens.
Dominique-Anne Offner
Ma démarche artistique
Je me tiens légèrement en retrait du monde et je l’observe. L’observation me permet de saisir le merveilleux au coeur de l’ordinaire. Ce qui me mets aussi bien dans l’urgence de dire que dans la contemplation. Je peins, juste le temps de faire signe d’une de ces complexités : le temps n’existe pas, c’est une invention de l’humain ; l’inconscient existe, que nous nous sentions concernés ou pas ; quelle est une autre place des émotions que celle de l’hétérotopie… Quelquefois proche des lois physiques de la nature, quelquefois dans le constat d’une simple répétition du quotidien, bien plus encore à l’écoute des discours qui s’entremêlent.
Ce qui me donne une certaine compréhension du monde, voire son incompréhension.
Après avoir bien expérimenté quelques techniques d’art appliqué, la peinture à l’huile, l’acrylique, j’ai découvert l’aquarelle ; je suis allée de surprises en surprises : une autre utilisation possible. Contraste entre la forme et le médium, couleurs vives. Ma plus grande découverte est sans doute celle de l’eau, de cette force de l’aléatoire, à la limite du caprice, dont seuls les pigments posés peuvent rendre compte. La rapidité, l’intuition exacerbée par ce chemin unique, ce jeu des transparences.
J’ai quelquefois des modèles, qui, dans l’analyse, deviennent des abstractions : l’abstraction comme conclusion de ma démarche. Le concret devient vertigineux de sens. L’aquarelle devient enivrante.
Quelques repères biographiques
Je suis née en 1954 à Ste Marie-aux-Mines.
Je vis et je travaille à Strasbourg.
ZUSSY Martine
Paul-Marie Vuillard
Paul-Marie Vuillard s’est spécialisé dans la peinture du nu en aquarelle en travaillant toujours avec des modèles. En jouant sur les ombres et les lumières, il permet aux yeux du spectateur de recréer les formes du corps. Il a aussi développé un style de peinture à l’huile très coloré en travaillant les pigments bruts directement sur la toile, obtenant de puissants coloris car par cette technique il arrive a conserver la couleur des pigments car celle ci n’est pas atténuée par un diluant.
Dominique Marie Kippelen
Ici le Port du Rhin, a vu naître croître s’épanouir mon travail artistique – d’autres pays, d’autres espaces ont accueilli sous une forme ou une autre, mes créations. En 2021, ce fût la création de mon « Novo Studio » à la Coopé toujours au Port du Rhin. « Topografia de uma cidade grande » dispositif voyageur participatif né à São-Paulo en 2015, interroge des notions liées aux sciences de la terre, aux sciences sociales et politiques, à l’antropologie, la mémoire, les déplacements, la fragilité du monde puis « Topografia de uma cidade grande » a voyagé (à Rio de Janeiro 2016. – Pasadena – Los Angeles 2018 – Séoul – Masan 2019 – Strasbourg 2021/22 (Ensas, Meinau)- Cill Rialaig, Irlande 2023. Avec « Panthéon », à ce jour plus de 800 dessins, projet d’installation toute particulière sur laquelle je travaille né en 2008. Un second plan long dédié au génie féminin, à l’apport extraordinaire des femmes. Une première étape fut exposée en 2008 à Paris chez Christian Aubert. Une série fût acquise par le MAMCS (Musée d’Arts Contemporains de Strasbourg) en 2017. Disponible dans mon atelier : une monographie (avec quelques beaux exemples accompagnés de sérigraphies sur bois, numérotés) de mon travail période jusqu’en 2009 : « Espace, tourbillon et poussières ».
Sévérino Da Silva
Energies et portraits,
Peinture : Tente de ressentir les faces cachées et les retranscrire grâce au PHOSPHORE, l’acrylique et l’huile.
Sculpture : Tente de se rapprocher d’une forme esthétique et minimale.
Aquarelle : Ouvert à de nombreuses expériences diverses.
Mathieu Boisadan
Après avoir développé un travail marqué par un héritage pictural fort revisitant les effets dramatiques de la grisaille, du clair obscur et de l’empâtement, Mathieu Boisadan, artiste autodidacte, développe un style plus libre dans son approche des sujets et de la composition. Sa démarche procède d’un double désir de confronter sa réalité à celle de l’histoire de la peinture. Son intérêt pour l’histoire contemporaine lui fait construire d’étonnantes visions où la violence des conflits ukrainiens, dont il extrait les clichés dans la presse, est contrebalancée par un traitement chromatique doux, exempt de « couleur locale ». Des réminiscences de ses fréquents voyages en Europe Centrale et de la peinture russe du 19e siècle découverte à Moscou – celle de Mikaïl Nesterov lui donnant envie d’éclaircir sa palette – nourrissent ses œuvres les plus récentes. En multipliant les sources d’inspiration, Mathieu Boisadan décrit une trajectoire à la fois documentée et imaginaire qui ouvre sur des mondes à la tonalité onirique.
Texte de Marguerite Pilven à l’occasion de l’exposition PAINTERS, Galerie Patricia Dorfmann