Naohiro Ninomiya

Naohiro Ninomiya est un photographe japonais, résidant en France depuis 1998. Né à Nagoya en 1969, il quitte un travail d’attaché commercial en 1996 pour aller travailler dans une ferme de la région d’Hokkaido. Il quitte ensuite le Japon pour s’installer en France, où il réside depuis-lors.

Sacha le tigre

Je présente à la vente des aquarelles grand et petit format ainsi que des affiches et des livres d art à tirages limités

JoVe

Immersion dans la Nature  Sculpter est à la fois un travail physique et intellectuel. Tout mon processus artistique débute par l’observation de la nature, la contemplation des mystères cosmiques. Je me laisse porter par les énergies primordiales des quatre éléments : la Terre, le Vent/Air, l’Eau et le Feu. Le spectacle de la nature crée une capacité inégalée à captiver nos sens, à susciter des émotions et à stimuler l’imagination. Un doux bruissement de feuilles dans une forêt, la danse fascinante de la lumière sur l’eau, les couleurs vibrantes de l’univers…   Conceptualisation  Je plonge dans mon imagination, mêlant observation et intuition, j’interprète des formes naturelles que je vais changer selon mes ressentis pour créer des œuvres qui transcendent les limites de la réalité, jusqu’au point de convergence entre ce que je vois et ce que je ressens. Cela donne à mes sculptures un aspect biomorphe qui permet de prendre une direction plus abstraite.   Sélection des Matériaux  Pour moi le choix des pierres est le prélude à la sculpture, qu’il soit guidé par une idée première ou que la création soit induite par les pierres elles-mêmes. Je passe du temps dans les carrières pour trouver les blocs de marbre qui serviront de toiles vierges à mes créations. Chaque bloc est unique, porteur d’une histoire millénaire et d’une beauté brute. Chaque pierre va guider mes mains dans un long dialogue fusionnel. « C’est comme un corps à corps avec la matière où chacun impose ses règles » Barbara Hepworth.  Processus de Sculpture  La sculpture en taille directe est physique, les machines sont lourdes, bruyantes, ce travail produit beaucoup de poussière. Chaque coup de ciseau est une danse entre moi et la matière, chaque éclat de pierre une nouvelle révélation.  Une fois la forme de base ébauchée, je me concentre sur les détails, je laisse certaines parties brutes, tout en travaillant les autres. Chaque geste est empreint de détermination et de vision. La sculpture se fait aussi en écoutant le marbre chanter : il est important d’écouter pour respecter la pierre et ne pas dépasser ses limites.   Finition et Polissage  Une fois que la sculpture a achevé de prendre forme, je consacre beaucoup de temps à la finition, au ponçage et au polissage, révélant la splendeur cachée du marbre. Certaines pierres ne révèlent leurs veines et la véritable profondeur de leurs couleurs qu’à la fin de ces traitements. Chaque étincelle de lumière capturée sur la surface de la pierre, polie comme une pièce d’orfèvrerie, est un hommage à la beauté du marbre.  Réflexion et Présentation  Enfin, une fois la sculpture achevée, je prends un temps pour contempler mon œuvre. L’objectif ultime est que le spectateur voie mes sculptures en marbre non seulement comme des objets d’une esthétique aboutie, mais aussi comme des portails vers un monde intérieur et symbolique où la beauté et la signification se rejoignent.

Ruzena Couturier Mantlikova

Ma peinture se caractérise principalement par des couleurs vives que ce soit en utilisant l’huile, l’aquarelle ou le pastel.  Cet amour pour les couleurs me vient sûrement de mes origines slaves (la République tchèque).   Mon style de peinture est expressionniste et fauve, parfois abstrait. Mes sujets favoris : fleurs, nature, portraits, nature morte m’inspirent pour ensuite les exprimer à ma manière. Les tableaux abstraits sont l’ oeuvre de la fantaisie du moment. 

Marion Galut

Artiste multimédia, je suis l’auteure d’installations technologiques mêlant vidéo, lumière, son, photographie et performance. Mon travail s’enrichit de ma pratique assidue de la méditation et des arts énergétiques internes depuis plus de 30 ans, ainsi que de mes recherches en hypnose et neurosciences.

Art et hypnose sensorielle magnétique
Par exemple, la série « Focus » présente quatre installations lumineuses cinétiques fusionnant vidéo, lumière et design sonore. Inspirées par des éléments naturels, ces œuvres transforment des images organiques en abstractions vibrantes, créant une expérience hypnotique où l’art devient un outil d’exploration de la conscience à travers des phénomènes perceptifs. Deux phases de 10 minutes composent l’expérience artistique :

• Phase vidéo: une œuvre à observer les yeux ouverts, focalisés sur un point central.
• Phase lumière: une œuvre à « voir » les yeux fermés, où la lumière scintille à travers les paupières comme un ciel étoilé, par l’intermédiaire de 23 projecteurs.

Laboratoire artistique, neurosciences, hypnose et méditation
L’installation explore le phénomène d’« entraînement cérébral » pour synchroniser l’activité neuronale avec les rythmes de l’œuvre. En coordonnant lumière, basses fréquences et le son de mon souffle, le dispositif amplifie les perceptions. Chaque œuvre propose un objectif de renforcement intérieur, tel que la joie, la force ou la dynamisation. Inspirée par la « Dreamachine » de Brion Gysin, l’installation synchronise les rythmes cérébraux avec des fréquences induisant un état intermédiaire entre veille et sommeil, propice à l’émergence d’images mentales et de sensations intensifiées. Chaque séquence stimule la plasticité cérébrale, révélant une nouvelle forme d’art sensoriel, à la fois hypnotique et magnétique.

Immersion intérieure
La focalisation sur un point central plonge le spectateur dans un état de concentration intense. Le spectateur devient acteur de son expérience méditative, à la fois conscient et créateur de son vécu sensoriel. Les témoignages révèlent la profondeur des dimensions cachées de la conscience, éclairant son potentiel d’évolution. L’expérience repose sur un protocole simple permettant d’en optimiser les effets.

Performance
Mes performances explorent la relation entre l’artiste et le public, en activant le champ relationnel par la présence, le regard et la gestuelle. En lien avec ma pratique des arts énergétiques internes et de la méditation, j’explore l’impact de l’intention dans l’espace. Je sculpte une œuvre immatérielle au sein de l’empreinte invisible du corps. Par des gestes lents et précis, j’invite à une ouverture du cœur, à une sensation d’harmonie et de joie intérieure. Je façonne un espace vibratoire à travers des mouvements minimalistes, où le regard devient un élément actif du processus, générant un dialogue silencieux, intuitif et presque télépathique.

Marie Niess

Maniclay est un jeune atelier de céramique dans lequel je crée des pièces utilitaires ainsi que des sculptures. Je travaille beaucoup autour de la couleur et de son inclusion dans la forme. Je travaille le plus souvent autour de techniques traditionnelles japonaises comme le Nerikomi et le Mishima.

La Caméléone – Virginie Pflumio

Mon univers poétique, parfois allégorique, tantôt fractal, basé sur la dualité, s’inspire de la nature quelle que soit sa forme. L’élément EAU – sous toutes ses formes (liquide, solide et gazeuse) entre dans le processus de la création de l’oeuvre pour faire partie du résultat graphique final (abysses, océans, lagons, vagues, écume, brouillard, humidité…).  Les oeuvres requièrent une double lecture : détails, signes et symboliques visibles de près, une lecture globale de loin. Elles apportent un message visuel qui diffère selon l’imagination du spectateur. Une perte de repères se fait ressentir, le MACROCOSME se confond avec le MICROCOSME.  Dans mon atelier, je suis en symbiose avec ma conscience insconsciente, la toile et l’énergie vibratoire provenant de ma cuisine « ARTchimique ». Ma technique est mixte, constituée d’acryliques, aquarelles, pigments naturels, encres, pastels gras et secs, cire… L’ensemble est modelé selon des températures variables.

Marina Haller

Je pratique la peinture ainsi que le dessin, gravure et photographie depuis plus de 30 ans.  Les 10 dernières années, je m’inspire de la nature, de ses formes, textures, mouvements, de ses constantes transformations et évolutions.  Et les transgressants en couleurs, matières picturales et images entre l’abstraction et les formes reconnaissables de la nature.  Je fais beaucoup de croquis et de dessins préparatoires pour capter l’énergie de l’état actuel du visible et j’essaye de transcrire une réponse personnelle plastique sur un support.       Les structures vivantes, leurs transformations et mouvement perpétuel, la renaissance et le déclin – la symbiose de la vie – j’essaie de les capter et d’intégrer dans mon expression artistique.  Souvent, c’est une synthèse des observations et de ressentis.  J’utilise la peinture à l’huile, acrylique, pigment, pastel gras sur des grands et des petits formats de toile, carton et autres supports.

Jean-Luc Hattemer

Je travaille d’une manière traditionnelle la figure humaine, animale ou des morceaux de paysages, de nature et empreinte aux « objets » leurs formes et intentions pour mettre au monde ma poétique.Comme « Promenade », une invitation à promener le monde ou sa peau à l’échelle de son corps avec une brouette miroir ou à sculpter des nuages et des île en albâtre à l’échelle du saisissable..J’essaye parfois, vainement, d’être l’anthropologue de mon travail et d’avoir de l’entendement aavec mes formes de « mondiation » comme l’explique si bien Philippe Descola..Et en fin de compte ce qui me motive, c’est ce émerge et de constater que cela m’encourage et le plaisir de le partager aux vivants, humains et non  humains.eps

Yann Osswald

Yann Osswald,  artiste « novateur » explore la lumière, les textures et les différentes techniques qui se dévoilent sur des œuvres insolites et uniques, où le réel se mêle à l’imaginaire amalgamant l’illusion, l’abstrait et le réalisme…Un style, une identité subtilement affirmée et déclinée…Un univers singulier interrogeant le visiteur sur différents thèmes.  Des tableaux intrigants, tantôt abstraits,tantôt figuratifs dans des scénographies souvent énigmatiques et surprenantes, jouant sur les contrastes et les formes suggérées. Une invitation à voir au-delà des apparences…