In meiner künstlerischen Praxis beschäftige ich mich mit der vorgefundenen räumlichen Umgebung und untersuche, wie Orte, Objekte und Körper miteinander in Beziehung treten und dabei spezifische Atmosphären hervorbringen. Mich interessiert, wie sich Bedeutungen im Raum verdichten, verschieben oder überlagern. Im Zentrum meiner aktuellen Forschung steht das Industriegebiet Schweizerhalle in Muttenz – ein Standort zahlreicher Unternehmen der chemischen und pharmazeutischen Industrie. In einer Langzeitrecherche gehe ich der Frage nach, was die Realität dieses Areals ausmacht und wie die Basler Schlüsselindustrie die lokale Gesellschaft und die Region prägt. Dabei interessieren mich sowohl sichtbare Strukturen als auch verborgene Narrative, materielle Spuren ebenso wie immaterielle Einschreibungen. Meine Auseinandersetzung ist theoretisch, empirisch und handwerklich zugleich. Ich beleuchte ästhetische Fragestellungen ebenso wie politische, soziologische und philosophische Dimensionen. Im Prozess entsteht ein wachsendes Archiv aus Geschichten, Bildern, Zitaten, Begriffen, Anekdoten und Reflexionen, das mir als Materialfundus für eine Werkserie dient. Ich arbeite medienübergreifend in Skulptur, Installation, Video und Malerei.
Pratiques : Sculpture
Christine Fausten
Christine Fausten arbeitet an den Schnittstellen von Malerei, Skulptur und Musik. Sie wurde international für ihre phantastischen Mischwesen aus Textilien und Alltagsmaterialien bekannt, die oft in grössere Installationen eingebunden werden. Als freischaffende Künstlerin lebt und arbeitet Fausten seit 1998 in Basel und Burg im Leimental (Baselland).
Anna Maria Balint
Mein Atelier befindet sich im Atelierhaus Klingental in Basel. Das Gebäude, eine ehemalige Klosterkirche aus dem 13. Jahrhundert, war ursprünglich ein Nonnenkloster. Die Geschichte des Ortes ist bis heute spürbar und prägt die besondere Atmosphäre des Hauses.
Mein Atelier liegt im dritten Stockwerk, vorne im Kirchenschiff im ehemaligen Chorteil. Der Raum ist rundum von Fenstern umgeben und von viel Tageslicht durchflutet. Die präsente gotische Architektur mit ihren hohen Proportionen schafft ein besonderes Zusammenspiel von Geschichte und Gegenwart – einen Resonanzraum für meine Arbeit.
Ich habe das Atelier in verschiedene Arbeitsbereiche gegliedert – eine Nähecke, einen Aquarell- und Zeichnungstisch sowie einen Tisch für die Entwicklung neuer Ideen. Da ich mit unterschiedlichen Materialien und Medien arbeite, ermöglicht mir diese Struktur ein flexibles und prozessorientiertes Arbeiten.
Mirjam Spoolder
Brenda Dell’Anna
Son travail illustratif, ses créations textiles et son utilisation de matériaux tels que la céramique et le béton créent des dialogues entre des éléments solides et souples. Son travail aborde des expériences personnelle avec sensibilité et oppose un langage visuel délicat à des thèmes marqués par la tension.
Nika Timashkova
Nika Timashkova (*1989 in Saporischschja, Ukraine) ist eine Multimedia-Künstlerin und Forscherin aus Basel. Sie hat einen BA in französischer Literatur und Linguistik sowie osteuropäischen Kulturen von der Universität Basel und einen Master in Art Practice vom Dutch Art Institute (DAI) in Arnheim, Niederlande.
Emmanuel Joan Ramon Pidré Starosta (1989), auch bekannt als Emma Pidré, ist ein argentinisch-spanischer Künstler, geboren in Buenos Aires, Argentinien, und lebt und arbeitet derzeit in Basel. Er hat ein Diplom in Bildender Kunst von der Weißensee Kunsthochschule Berlin sowie einen MA vom Institut Art Gender Nature / FHNW Basel.
Brenda Dell’Anna (2002, in Basel) ist eine italo-schweizerische Künstlerin, die in Basel und Moutier lebt. Sie hat kürzlich ihren Bachelor in Fine Arts am Institut Art Gender Nature der HGK Basel FHNW abgeschlossen.
Mirjam Spoolder wurde in den Niederlanden geboren und lebt seit 2007 in Basel, Schweiz. Sie studierte Bildhauerei an der Kunstakademie AKI/ARTEZ in Enschede und Bühnenmanagement am Rotterdamer Centrum für Theater (RCTH), beide in den Niederlanden. 2010 schloss sie ihr Masterstudium der Bildenden Kunst mit Schwerpunkt Performance Kunst an der Hochschule für Gestaltung und Kunst HGK/FHNW in Basel ab.
Maxime Le Nahelec
J’ai une pratique pluridisciplinaire entre la vidéo, la performance, la sculpture et les installations. Un des liants principaux dans mon travail est l’utilisation du collage, notamment dans la sculpture.
Depuis très jeune je traverse des communautés internet dont la récupération, la transformation et l’appropriation fait part entière des processus créatifs. J’ai notamment grandi en étant passionnée de Warhammer, de jeuxvidéo et de musique métal.
Aujourd’hui je me concentre principalement sur des assemblages d’objets, notamment de jouets pour en faire des faux archéologiques. Ceux-ci font références à de vrais objets archéologiques de cultures diverses, mais aussi à des univers fantastiques ou populaires comme cités plus haut. Cette pratique sculpturale est un moyen de raconter mon identité traversée par le métissage. Je découpe et mélange des souvenirs et référents de l’enfance pour en faire des figures grotesques, terrifiantes et attachantes.
Quentin Mervelet
Dans mon travail, j’explore la pluralité des gestes et des techniques issue des savoir-faire et d’histoires culturelles liés aux corps en mouvement. Les lieux de partage, les espaces de travail et de fête deviennent des sphères avec lesquelles je dialogue dans mes performances, mes sculptures et mes installations. Ma pratique trouve son origine dans les gestes que j’observe et produis, issus du monde de l’artisanat, de la vie quotidienne, de la danse et du cirque. J’en tire des techniques, des réflexions théoriques et des sujets afin de questionner les notions de transmission, disparition et transformation des savoirs dans notre société. C’est en entrant en relation avec divers objets et matériaux, guidé par leurs fabrications et leurs capacités, que surgissent des images poétiques, des sensations et des instants qui interrogent nos manières de regarder et d’agir.
Seunghee Choi
Au cœur de sa pratique, l’artiste s’attache à décortiquer les liens unissant le vivant à l’inerte, articulant sa réflexion autour de trois axes majeurs :
1. Le verre et le soi : une matière mémorielle
Le verre est pour Seunghee CHOI un solide qui conserve intrinsèquement la mémoire de son état liquide. Sa capacité à retrouver sa fluidité sous l’effet de la chaleur suggère que l’objet n’est jamais figé, mais engagé dans une mutation constante. À l’image du « soi » qui se façonne au gré du temps, le verre coule, se solidifie ou se brise. En se figeant à nouveau, il capture et révèle, par sa transparence, les traces cristallisées d’un instant éphémère.
2. L’extension du soi : possession et attachement
Son travail interroge également la transformation d’un objet industriel ordinaire en « objet d’affection ». En résonance avec la pensée de Hegel — pour qui la possession est une projection de la volonté dans la matière créant une « extension de l’ego » — l’artiste imprègne ses objets de son temps et de ses émotions. Une fois adopté, l’objet ne la quitte plus; il devient une parcelle de son propre être, étendue vers l’extérieur.
3. Métamorphose étrange : l’objet vivant
Enfin, l’objet, réceptacle de cette projection, acquiert une vitalité animiste et manifeste des formes humaines. Sous les mains de l’artiste, les anses s’allongent pour garder l’empreinte d’un geste, tandis que des attributs anthropomorphes surgissent pour capter les sons ou les parfums environnants. Cette étrange mutation abolit la frontière séparant l’inerte du vivant, faisant du verre le théâtre d’un dialogue entre ces deux mondes.
Mario Castellanos
Mario Castellanos ist ein Künstler und Bildhauer, dessen Werk an der Schnittstelle von organischem und symbolischem Ausdruck liegt. Er untersucht die Spannungen zwischen Materie und Leere und entwickelt eine klare, eigenständige Bildsprache ausschließlich aus Metall. Dabei verbindet er handwerkliche Techniken mit industriellen Prozessen, um Werke zu schaffen, die innere Landschaften, fragmentierte Körper und traumartige Strukturen evoziieren. Im Verlauf seiner Karriere war Castellanos in zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen präsent. 2015 nahm er am britisch-mexikanischen Kulturprogramm „Año Dual“ teil, und 2016 zeigte er eine Einzelausstellung in London mit Unterstützung der mexikanischen Botschaft. Seine Arbeiten wurden zudem in wichtigen Galerien und kulturellen Institutionen in Mexiko-Stadt und Oaxaca gezeigt, wodurch er sich als eine markante Stimme der zeitgenössischen Skulptur in Mexiko etablierte. Neben der Galerietätigkeit entwickelt Castellanos großformatige Installationen für Musik- und Kunstfestivals, die immersive Erlebnisse zwischen Skulptur, Rauminstallation und Performance schaffen. Seine Arbeiten verbinden visuelle Kunst, Klang und Körperlichkeit, wodurch der Betrachter in sensorische Erfahrungsräume eintaucht. Derzeit lebt und arbeitet Mario Castellanos in Oaxaca, Mexiko, wo er kontinuierlich neue Werke entwickelt, die Form, Materialität und Bedeutung hinterfragen und den Dialog zwischen Skulptur, Raum und sinnlicher Wahrnehmung erweitern.