En parallèle de son métier d’architecte, sa pratique artistique gravite principalement autour de la photographie, de la gravure et de la vidéo. Les principaux thèmes de ses réalisations sont basés sur une recherche et une expérimentation par la gravure qui tentent plus particulièrement d’explorer le vide qui anime la matière, de chercher une tonalité générale pour faire ressortir des matérialités, d’explorer les fonds pour créer une atmosphère et mettre en valeur leur contenu, d’explorer l’empreinte, la trace sans vouloir les définir ou chercher une finalité. Aussi, par la photographie, elle tente de composer des cadrages avec des matières et des végétaux, de capturer des moments de vie des autres, des coins et recoins urbains pour explorer au hasard des histoires et compositions abstraites qui se présentent à nous. Par les vidéos elle essaie d’attraper des moments du quotidien, spontanés et innocents, laissant la perception par leur transformation « libre et ouverte ». Sa pratique artistique est nourrie en grande partie par le processus de création en lui-même, basé sur l’intuition et d’une certaine manière sur l’innocence de la création d’une œuvre, en laissant place à l’inattendu. Par ses travaux artistiques, elle tente d’explorer l’imaginaire pour traiter l’irréel afin de composer des espaces-temps où l’irréel laisse place à la rêverie, à l’errance. Il est ainsi question d’explorer à l’aveugle, en faisant confiance à l’intuition, les contradictions, les accidents et les doutes afin de révéler une autre réalité, la sienne. Gravitant autour du primaire et de l’innocence, sa démarche touche au réapprentissage et renvoie de manière analogique à l’infans, « l’enfant à l’esprit inachevé, sur la collecte systématique et sur le postulat de la possibilité de la découverte émerveillée » .
La spontanéité et l’expression libre sont mises à l’épreuve car il n’y a rien d’immédiat. L’émotion ou l’impulsion sont là quelque part en attente pour devenir lentement, par l’exploration et la transmission, une matière affective. Ces sensations intimes font naître et constituent une histoire particulière, racontée à un moment singulier afin de devenir un récit sous une forme imaginaire et bâtie.
Temiti Sna parle du vivant qui peuple notre quotidien, de l’être humain et de sa part animale. Elle narre des histoires vraies où l’être humain poursuit son discours avec la nature où chaque petit détail compte. Des histoires d’hommes, où le mal défie le bien, le côtoie et essaie sans cesse de prendre le dessus… Mais le conteur narre aussi l’espoir, le bonheur, la joie, l’amour et tous ces instants éphémères qui font la vie.
Issue de la gravure traditionnelle (Eau-forte, Aquatinte, pointe-sèche, mezzo tinte), Temiti Sna explore les différentes facettes des matières recyclables tout en préservant la beauté et la magie de l’estampe.
Les masses et les lignes sont un thème récurent dans le travail Marie Lallemand. Avec le jeu des rapports d’échelles, des contrastes et des couleurs saturées, des paysages apparaissent dans ses gravures et ses peintures.
De tous temps, le paysage a été le pivot central de mon expression artistique. Paysage dans lequel j’ai vécu, mais aussi au travers duquel je me suis forgé ma vision du monde: Un monde à la fois personnel et universel qui, dans sa transformation constante s’élève aujourd’hui en de formes dont la verticalité n’est autre que le signe d’une imagination en perpétuelle mutation.
Je crois que l’on dessine sans toujours trop savoir pour quoi ni pour qui. Je pioche dans les mythes et les récits de mon enfance ainsi que dans les époques où je n’existais pas encore. Je vais chercher dans mes troubles pour leur donner une autre manière d’exister. Pour parvenir à ma forme, j’ai eu besoin des oiseaux. Ils m’aident à organiser mes traits précis à outrance, les incisions de mes gravures mais aussi parfois les couleurs de mes peintures.
Graphiste et artisan imprimeur, je suis spécialisé dans la création d’illustration et l’impression d’estampes. Je réalise illustration, logo, identité graphique, brochure, carte de visite, ou tout autre support de communication pour les entreprises et les institutions.
Autonome du concept à la réalisation, l’atelier lie des techniques traditionnelles ou modernes de création (dessin numérique, CAO, PAO) avec des techniques d’impression artisanale. Par ce biais, je met à disposition mon savoir-faire en sérigraphie et lithographie aux artistes (plasticiens, dessinateurs, photographes, graphistes, peintres ou autres) qui souhaitent élargir leur pratique. Chaque estampe est alors pensée, dessinée et imprimée à l’atelier, en collaboration avec l’artiste concerné, et faisant donc l’objet d’une édition originale et limitée.
L’atelier a également pour ambition de dispenser des cours d’impression par le biais de stages d’initiation en sérigraphie et lithographie.
Mon travail d’illustration quant à lui s’articule autour de thèmes variés tels que la nature, le voyage ou l’épopée. La contemplation fait partie intégrante de mon univers qui s’exprime au travers d’un travail de dessin épurée et simple, et par le biais de l’image imprimée (estampes et tirages limités). Je me nourris de l’image populaire, des mythes et légendes, du cinéma ou de simples moments de vie sur lesquels on pose un regard. Au travers de mes images, j’invite le regardeur à participer au récit que j’invente.
Isabelle GARNIER-LURASCHI, artiste peintre développe depuis plusieurs années un travail autour de questions étroitement liées à l’idée de géographie privilégiant la notion de point de vues et de regard sur le monde: « Images satellites, monde balisé auscultable à l’infini, la peinture serait la proposition d’une nouvelle cartographie distanciée convoquant tout autant qu’un territoire naturel les frontières mouvantes de l’espace flottant qui habite notre imaginaire. Retrouver, explorer et questionner la Terra Incognita disparue de nos cartes. » I G L
Jan-Claire Stevens mène une approche transdisciplinaire du dessin, qui privilégie autant le processus que le résultat. Dans son travail, deux éléments sont apparus conjointement et progressivement : une tendance à travailler en série et l’exploration des diverse dispositifs de représentation visuelle propres au domaine des sciences naturelles.
Ma peinture est figurative, impressionniste et colorée; on y retrouve des influences Occidentales et Asiatiques (sans doute grâce aux origines Indonésiennes héritées de mon père). Depuis des années je m’inspire de l’art japonais, parfois même sans m’en rendre compte! J’utilise dans la composition de mes tableaux des espaces qui dégagent des vides afin de créer un mouvement, ou de rendre plus signifiant une partie du sujet. J’aime laisser ainsi de la place à l’imagination, que le spectateur puisse s’échapper de l’œuvre et que le tableau ‘respire’. J’aime la beauté de l’inachevé, je peins l’instant; je ne souhaite pas « figer » mes sujets, et apprécie que l’on puisse regarder mon tableau comme un livre dont on pourrait « lire entre les lignes».
Avec la gravure je joue avec les formes géométriques, expérimente avec les lignes. Mon travail devient plus abstrait. En ce moment, je découvre la teinture végétale. Les pigments naturels et leurs pouvoirs colorants.
Formée à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Limoges, Nathalie travaille la porcelaine depuis 1986. Appliquées à l’industrie des arts de la table pendant de nombreuses années, ses créations ont été largement diffusées et continuent à l’être par la maison Hermès pour qui elle travaille à présent en exclusivité. Parallèlement à cette collaboration, NRH développe un travail personnel autour du bijou et de l’objet d’art en laque, autre matière de prédilection. La richesse des couleurs obtenues par les couches de laque superposées, la feuille d’or gravée permettent une ornementation raffinée pour des créations qui allient compositions florales et motifs géométriques.
