Ma pratique artistique à pris forme à l’intersection de la scène théâtrale et de l’atelier d’artiste, liant ces lieux par une pratique du dessin. Formé à l’atelier de scénographie de la HEAR à Strasbourg, j’ai mis y formuler mon intérêt envers les limites et les porosités existantes entre une scène et son contexte de création. Mon intérêt se portait sur les impossibilités d’habiter un lieu, une expérience ou encore une émotion vécue comme non consentis. Cela à orienté mon travail autour des notions d’héritage et de secret : ces sujets me poussant à interroger plus spécifiquement la place du silence dans nos transmissions et les potentielles violences qui gravitent autour.
Pratiques : Dessin
Felix Kindelán
Deutsch :
Felix Kindeláns künstlerische Praxis bewegt sich im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischer Abstraktion und barocker Bilddramaturgie. Ausgangspunkt seiner Malerei sind existenzielle Fragestellungen emotionaler Natur – innere Konflikte, Heilungsprozesse und Momente geistigen Wachstums. Die Bilder entstehen aus dem Bedürfnis heraus, unter die Oberfläche zu blicken: unter die Haut, hinein in den Kern menschlicher Erfahrung. Zentrale Figur von Felix Kindeláns Arbeiten ist der abstrahierte menschliche Körper. Dessen an muskulären Strukturen orientierte Form wird zum Träger psychischer Zustände. Fragmentierung und anatomische Übersteigerung symbolisieren die Komplexität von Emotionen und Persönlichkeitsmustern. So entstehen Bildräume, in denen Verletzlichkeit und Kraft, Auflösung und Verdichtung zugleich präsent sind.
Felix Kindelán versteht seine Malerei als „Existenziellen Barock“ – einen von ihm geprägten Begriff, der eine neue, zeitgenössische Richtung innerhalb der figurativen Malerei beschreibt. Sie verbindet dramatische Bildinszenierung mit persönlicher, psychologischer Tiefenschärfe und lädt dazu ein, sich jenseits äußerer Zuschreibungen im gemeinsamen Erleben von Verletzlichkeit und Transformation wiederzufinden.
Français :
La pratique artistique de Felix Kindelán se situe à la croisée de l’abstraction contemporaine et de la dramaturgie picturale baroque. Ses peintures s’inspirent de questions existentielles de nature émotionnelle : conflits intérieurs, processus de guérison et moments de croissance spirituelle. Les images naissent du besoin de regarder sous la surface : sous la peau, au cœur même de l’expérience humaine. La figure centrale des œuvres de Felix Kindelán est le corps humain abstrait. Sa forme, inspirée des structures musculaires, devient le vecteur d’états psychiques. La fragmentation et l’exagération anatomique symbolisent la complexité des émotions et des schémas de personnalité. Il en résulte des espaces picturaux où la vulnérabilité et la force, la dissolution et la condensation sont simultanément présentes.
Felix Kindelán conçoit sa peinture comme un « baroque existentiel » – un terme qu’il a lui-même inventé et qui décrit une nouvelle tendance contemporaine dans la peinture figurative. Elle combine une mise en scène dramatique avec une profondeur psychologique personnelle et invite à se retrouver au-delà des attributions extérieures dans l’expérience commune de la vulnérabilité et de la transformation.
Marianela Leon Ruiz
Danse-performance et arts visuels
Mon materiel du travail principal c’est le corps. C’est le corps que nous voyons, celui qui accompli des actions, et celui dans lequel notre esprit opère mystérieusement.
Mon travail de danse-performance est une exploration au sein de ce milieu. Et la performance en direct devenant le moment crucial d’échange entre les corps. Au-delà de ce que nous savons.
Même en dehors des objectives et des intentions de l’artiste.
Cette ouverture comporte un risque, mais elle est fondamental pour entrer dans le réel.
Bien que je réalise beaucoup de vidéos, c’est lors des action en direct que on parvient les plus souvent à ouvrir ce fossé.
D’un autre côté, je suis pleinement intéressée à la transmission. C’est pourquoi je donne des cours où l’on développe la conscience corporelle et l’usage créatif du mouvement ainsi que la perception en action. Ce sont en vraie des ouvres d’art collectives, des ouvres de vie en action artistique.
Ma formation initial est en arts visuels. J’ai étudié les beaux-arts en Espagne. Je n’ai jamais abandonné les arts visuels, que ce soit le dessin, la peinture ou le modelage. Il y a des occasions où c’est ça qui pousse.
Sara Grütter
Im Zentrum meiner Arbeit im Atelier steht das Zeichnen. Ich nutze das Zeichnen als Methode und Medium. Ich arbeite mit Stift, Pinsel, Schnitzwerkzeug, meinen Händen, mit allem was grad da ist. Zeichnungen entstehen aus einem ganzheitlichen Prozess und werden zum Träger verschiedenster Zustände. Nebst meiner Arbeit im Atelier sind Kollaborationen, Workshops und selbstorganisierte Projekte ein wichtiger Bestandteil meines künstlerisches Schaffens .
Maya Weisser
Die Malerei eröffnet einen virtuellen Raum für die Spuren unserer Wahrnehmung und Erinnerung. Sowohl in der abstrakten wie auch in der gegenständlichen Malerei interessiert mich dieser selektive Wahrnehmungsprozess, der in Flächen/Farben/Linien eine berührende Entsprechung findet, hängenbleibt und sich weiterentwickelt. Unterschiedliche Techniken wie Oelmalerei, Enkaustik aber auch Zeichnungen auf Papier und Fotographien loten diese Räume und Stimmungen aus und eröffnen neue Erfahrungen und Wege.
Catherine Keller
Mon travail artistique est né d’un parcours de vie marqué par des transformations profondes, où la créativité s’est imposée comme un fil conducteur essentiel. À travers la musique (harpe, percussions, instruments naturels, chant intuitif), les arts plastiques et le land art, j’explore les liens entre intériorité, nature et résilience.
Ma démarche s’ancre dans une exploration des états intérieurs, des zones d’ombre et des ressources, ainsi que dans une recherche autour de l’identité féminine, du corps et des liens aux racines, au vivant, à la Terre. Inspirée notamment par des pratiques chamaniques, mon approche reste profondément ancrée dans l’expérience sensible et concrète.
Je développe une pratique à la fois introspective et collective, alternant créations personnelles et propositions partagées : voyages sonores improvisés, performances et interventions participatives. La cocréation y occupe une place centrale, comme espace d’expression, de transformation et de reconnexion.
Je considère la créativité comme une capacité universelle, accessible à chacun, et cherche à ouvrir des espaces où elle peut se déployer librement chez les personnes présentes.
Virginie Schwartz
C’est à travers mes œuvres animalières réalisées aux pastels secs , que j’essaie de transmettre une sensibilité centrée sur la présence, le regard et l’âme animale. Mon style est plutôt dans l’hyperréalisme. Je travaille au pastel sec, une technique exigeante qui permet des fondus subtils, une grande richesse chromatique et un rendu extrêmement précis des textures. Chaque pelage, chaque plume, chaque reflet dans l’œil est minutieusement construit par superpositions successives de couches fines pigmentaires poudreuses.. Cette technique confère à mes œuvres une profondeur , un rendu tactile du poil ainsi qu’une intensité dans les regards.. Le rendu obtenu par ce médium et l’hyperréalisme, me permet de révéler toute la personnalité et la force intérieure de l’animal que j’ai choisi de peindre. Dans chacune de mes œuvres, le regard occupe une place centrale .afin que l’animal que je représente soit une présence vivante. Les fonds , les mises en scènes sont toujours personnalisés et donnent ainsi des œuvres uniques : Volutes chaudes et flamboyantes, un halo dore, des brumes froides ou bien une ambiance de nuit lunaire par exemple. Elles renforcent le caractère symbolique de chaque animal sans détourner l’attention du suiet principal. Mon but artistique étant de mettre en lumière la noblesse, la dignité et la sensibilité du monde animal. Ainsi, Je vous invite à travers mon art , à observer, ressentir et à reconsidérer notre lien avec le vivant.
Aiia Gonchar
Je m’appelle Aiia Gonchar, artiste née en Ukraine et installée en France depuis plus de dix ans. Diplômée d’un DNSEP en peinture à la Haute École des Arts du Rhin et de l’Institut Européen des Arts Céramiques, je travaille aujourd’hui dans mon atelier à Guebwiller. Ma pratique se déploie à travers la sculpture, la céramique, la peinture et la photographie.
Bérénice Joëssel
Bérénice Joëssel emploie le dessin et la gravure afin de créer des espaces de refuge et d’évasion. Lors de ses études à l’étranger, elle tend à rester en lien avec les Vosges, montagnes qu’elle a souvent gravies, en dessinant et gravant à partir de photographies prises lors de randonnées. Via ce processus,elle cherche à s’approprier ces paysages, mettre en lumière des zones de lumières, d’ombre et des détails intrigants qui lui sautent aux yeux. Après deux ans d’expériences en tant que maraîchère dans une entreprise agricole biologique, elle tend ,par le dessin, à dresser de nouvelles forêts. Sans jamais tracé de croquis au préalable, elle aborde le dessin au graphite comme un moyen de voyager, de construire des paysages inconnus où son esprit peut sillonner. Grâce à la photographie, elle se constitue une archive de plantes observées lors de ses randonnées. Celles-ci sont dessinées l’une après l’autre au gré de ses envies sur de grands formats.Par le foisonnement graphique , Bérénice cherche à créer un espace de contemplation et de ralentissement dans lequel nous pouvons nous immerger.
Macha Luchankina
Maria Luchankina est artiste plasticienne et docteure en arts.
Sa pratique se situe à la croisée du dessin, de la performance, de la marionnette, de la sérigraphie et surtout de la gravure,. À travers des formes sensibles et souvent hybrides, elle développe un travail de recherche-création autour des relations entre humains, animaux et milieux.
Son travail explore les écologies sensibles, les imaginaires du vivant et les manières de percevoir autrement ce qui nous entoure. Forêts, animaux, figures fragmentées ou en transformation traversent ses œuvres, qui interrogent la place du corps et les frontières entre le vivant et l’inerte. La marionnette et les dispositifs performatifs occupent une place centrale dans cette recherche, comme formes de présence instables, entre objet et corps.
Attachée aux pratiques de terrain et aux dynamiques collectives, elle développe également des projets participatifs mêlant création artistique et transmission, en lien avec des territoires et des publics variés. Son travail donne lieu à des expositions, performances, éditions et projets hybrides, où se rencontrent image, geste et récit.