Les Editions 2024 ont emménagé au Garage COOP en septembre 2019. Pour les Ateliers Ouverts 2020, elles proposent l’exposition « Vu, lu », une célébration de la lettre dessinée. Du Moyen Âge à aujourd’hui, des typographes ainsi que des illustrateurs, ont produit d’étonnants alphabets, chics, étranges ou parfois monstrueux. Entre calligrammes, pangrammes et autres réjouissances typographiques, Vu, lu! est une invitation à la redécouverte de la lettre en tant qu’image.
Type : permanent
Lucia Fiore
Dans mon atelier strasbourgeois, j’exerce un métier à la croisée de l’artisanat et des arts plastiques, alliant les techniques anciennes de la plumasserie à un désir d’exploration et de recherche formelle. Mes créations prennent la forme de petites séries de bijoux, de tableaux et de sculptures, dans lesquels la plume ne se réduit pas à de l’ornement, mais devient le sujet central. Les qualités visuelles de ce matériau, la richesse de ses couleurs et de ses reflets, s’expriment à travers des compositions inspirées par la nature, les arts traditionnels et le minimalisme géométrique.
Camille Fischer
Camille Fischer est née en 1984, vit et travaille à Strasbourg. Elle est diplômée de
l’Académie Royale d’Anvers (fashion design) et de la HEAR Strasbourg (atelier
bijoux). Sa pratique est transdisciplinaire, mêle dessins, collages, objets, bijoux,
vêtements, textiles, performances et installations pour tendre vers un art total. Elle développe une esthétique baroque qui s’inscrit par certains aspects dans un héritage symboliste. Elle fait notamment référence à William Morris, Maeterlinck ou encore Huysmans.
Comparable par la sophistication, son travail s’en distingue toutefois, refusant la
fascination morbide mais retenant l’inquiétude historique des artistes d’alors, devant les bouleversements annoncés par la révolution industrielle, qui fait écho pour sa génération aux enjeux comparables de la mondialisation contemporaine.
Depuis 2023 elle à oriente ses recherche et son travail sur la poète, romancière,
muse et
mécène surréaliste Lise Deharme.
Marina Zindy
Présentation et démarche artistique de l’artiste
Marina Zindy est une artiste plasticienne, travaillant en Alsace. Elle explore différents médiums en fonction des projets qu’elle développe : peinture, installation, photographie, céramique.
Elle pose toujours la question du lien et du rapport que nous entretenons au monde.
Elle a étudié les arts plastiques à l’Université de Strasbourg et de Paris.
Il y a une dizaine d’années la céramique a retenu son attention, fascinée par la
transformation de la matière, elle explore grâce à l’argile, l’histoire humaine, du patrimoine industriel (anciennes tuileries et la cueillette de terre de rencontre), au temps plus long : le temps géologique. Comment se forme le paysage? Comment expliquer que les montagnes d’aujourd’hui se trouvaient sous l’eau autrefois ?
Grâce à son projet Une bouteille à la mer, elle a pu convoquer ce passé de la biodiversité marine préhistorique, jusqu’aux enjeux écologiques d’aujourd’hui.
Son travail pluridisciplinaire art, sciences et environnement, s’est développé en travaillant avec des scientifiques qui étudient le corail :
– Département de Biologie et de Recherches Marines de l’Université de Lampung, en Indonésie
– L’association Ocean Quest , à Toulon
– L’association ADE Méditérannée, à Menton
Elle poursuit des récits d’aujourd’hui en interrogeant le futur avec la série intitulée Îlot d’incertitude. Elle pose des questions face aux enjeux climatiques, par exemple :
Dans un futur proche, les coraux uniquement ne seront-ils plus visibles que dans les musées d’Histoire naturelle ?
Elle a travaillé en partenariat avec différents musées d’Histoire naturelle :
– Musée d’Histoire naturelle et d’Ethnographie, Colmar, France
– Collections paléontologiques de l’Université de Nancy, France
– Museum Jurassica, Porrentruy, Suisse
Face aux bouleversements d’aujourd’hui, nous sommes en droit de nous poser la
question : peut-on encore changer de trajectoire ?
Le scientifique Olivier Hamant propose de « dérailler » et de montrer en quoi les
imperfections du vivant permettent de trouver d’autres chemins viables, une école de la vie dans un monde fluctuant. Ensemble ils décident de réaliser un livre, un roman graphique adressé à un large public pour raconter différentes histoires : celle de la robustesse mais aussi comment se reconnecter au vivant de façon plurielle.
En 2024, Marina Zindy expose son travail intitulé Îlot d’incertitude, dans différents lieux culturels:
– Galerie des Augustines, à Marseille pour l’exposition intitulée la Mer au plus près
– Kunsthalle Palazzo, à Liestal dans le cadre de la Régionale
– Hôtel de ville, à La Celle-Saint-Cloud pour l’exposition Sur la route des fonds marins.
Elle prépare une mission océanographique en 2027, avec les équipes de l’ENS de Paris pour observer les dorsales de l’Atlantique Nord et un roman graphique avec Olivier Hamant, biologiste et directeur de recherche à l’ENS de Lyon.
Le titre Îlot d’incertitude, est une référence aux écrits d’Edgar Morin : Toute vie est une navigation dans un océan d’incertitudes à travers quelques îles ou archipels de certitudes où se ravitailler.
Marina Zindy souhaite créer de nombreux îlots grâce à de futurs projets, notamment celui de pouvoir travailler avec l’équipe scientifique de l’ENS de PARIS, afin de continuer à rencontrer des personnes passionnées et engagées, de partager les connaissances afin de constituer une équipe pluridisciplinaire. De pouvoir vivre cette joie collective de la découverte et de la création, et de la partager au public.
Cheni
Chéni travaille, produit, œuvre, présente, propose, cherche, trouve, teste, innove, transpire, s’ébroue, constate, sclérose, phagocyte, sérendipise, installe, échoue, transcende, inaugure, s’impasse, s’impatiente, patiente, contourne, expérimente, magnifie, détruit, construit, projette, anastylosie, prévoit, compulse, analyse, erre, découvre, recouvre, plus et assimilés dans les ateliers successifs et conséquents.
Chéni, Tyran Archique à Vie de Thurvie, né le 14 avril à 4h14, prédispose péremptoirement le paradigme absolu de l’aquaosmose avec la Thur, le cours primordial, et conçoit par contact éthéré et phagocytage hivernal séculaire l’évolution pure de l’atteinte dans la crainte de le faire. Peinture, sculpture, dessin, bronze, performances, autres et assimilés, en polytechnie par sérendipité maîtrisée font partie des échelons vitaux de l’avancée essentielle résurgencée à la SourcE. Que Thurvie !
David Allart
David Allart est spécialisé dans l’impression traditionnelle d’estampes, le graphisme et l’édition d’art en série limitée.
Autonome du concept à la réalisation, son atelier répond à une variété de demandes allant de la création d’image ou d’identité, jusqu’à l’impression.
Son atelier accompagne les artistes dans leurs réalisations. C’est un lieu d’expérimentation artistique et graphique où plasticiens, dessinateurs, photographes, graphistes… travaillent via les techniques de la sérigraphie, de la lithographie et de la typographie–gravure artisanale.
Chaque projet est pensé, dessiné et imprimé en ce lieu, en collaboration avec l’artiste, et faisant l’objet d’une édition originale et limitée.
Des formations aux techniques de l’estampe et du livre sont proposées régulièrement dans l’année sous la forme de stages ou de workshops.
Son travail d’illustration quant à lui s’articule autour de thèmes variés tels que la nature, le voyage ou l’épopée. On peut dire que la contemplation fait partie intégrante de son univers qui s’exprime au travers d’un travail de dessin épurée et simple, et par le biais de l’image imprimée (estampes et tirages limités).
Il se nourrit de l’image populaire, des mythes et légendes, de la science fiction ou de simples moments de vie sur lesquels on pose un regard.
David aime compter des histoires et faire voyager le spectateur pour susciter une émotion, rappeler un souvenir. Au travers de ses images, il invite le regardeur à participer au récit qu’il invente.
Jonathan Naas
Né en 1987, vit et travaille entre Bâle et Strasbourg. Jonathan Naas obtient un DNAP à la HEAR de Mulhouse, ainsi qu’un Bachelor et un Master en Arts Visuels avec mention à l’ÉCAL de Lausanne. Après quelques années de voyages et de direction artistique, il présente son travail en France et à l’étranger, lors de résidences et d’expositions. Son travail contextuel s’appuie sur la récupération d’éléments du réel, mis en scène dans des installations sombres et minimalistes. Ses œuvres questionnent les symboles et leurs codes, ainsi que les croyances et la transmission des savoirs par un protocole rituel, influencé par le folklorisme, la mythologie, l’ésotérisme et la culture underground. Sa pratique est majoritairement dominée par une peinture radicale et des volumes issus de son quotidien, empreints de magie et d’invisible. Il présente, à la façon d’un intercesseur, des dispositifs rythmés reformulant la réalité au travers de la fiction, tel un conte, accentuant un présent tout en suggérant la possibilité d’un ailleurs.
Architecture sonore
De 1994 à 2017, Bruno Friedmann (1954, Bühl / Baden, Allemagne) a été professeur à la Faculté des médias numériques de l’Université de Furtwangen. Au cours de ses études de base (dans les années 1980) à l’Universität Karlsruhe et en partie à la Hochschule für Musik Karlsruhe de technique de communication, génie biomédical et cybernétique, il aimait déjà se concentrer sur la théorie des systèmes et les aspects cybernétiques et ses applications à l’interaction humaine comme la perception et faire du son et de la musique, agir et réagir physiquement et mentalement. À l’Université de Furtwangen, il enseignait des langages informatiques comme Java et JavaScript et dans le cadre de «l’expérience auditive dans les médias numériques», ses conférences portaient sur la génération de sons numériques, la psychoacoustique et la perception du son, de l’espace et de la musique. Ses intérêts et sujets de recherche se situent toujours dans le cadre de la perception du son et de l’espace, des interactions transmodales, de la théorie des systèmes, de la modélisation et de la composition algorithmique. Un projet comprenant et exemplaire est sa composition Sequenza III spatialisée: la musique de la composition de Sequiano III de Luciano Berio, est intensément déplacée dans l’espace, contrôlée par des descripteurs audio du contenu musical lui-même. Il a été présenté au festival BEYOND 2013, ZKM Karlsruhe. Le professeur Bruno Friedmann a été co-fondateur de l’étude de baccalauréat Musikdesign, un projet commun de l’Université de Furtwangen et de la Staatliche Hochschule für Musik Trossingen, axé sur la musique assistée par ordinateur, le son et l’amélioration multimédia. Depuis qu’il a passé un congé sabbatique à l’IRCAM 2007, il utilise le logiciel IRCAM complet et distingué et principalement Max / MSP pour réaliser ses idées, compositions et projets de logiciels musicaux, qui ont été exécutés au Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) Karlsruhe, Staatliche Hochschule für Musik, Trossingen, Théâtre Pforzheim, Le Séchoir, Mulhouse.
Eleonore Descazals
Un jour d’octobre 1999, j’ai mis la première fois les mains dans l’argile, matériau qui m’a de suite happé pour ne plus me lâcher. Vingt années sont passées et enfin fraîchement installée au Séchoir, je peux faire de ma passion, mon métier.
Mon travail en tant que céramiste s’articule comme un langage formel autour d’émotions et de sentiments intimes. J’ai le goût de l’esthétisme, de la couleur et du décors. J’aime le beau et la représentation explicite, qui me permettent d’exprimer des ressentis en les sublimant dans la matière et ce de manière plus explicite que par l’oralité.
Vincent Campos
Démarche artistique
Je développe un travail oscillant souvent entre le jeu et la mise en avant d’une réalité où l’humour peut retentir comme un écho à l’adversité des choses. Au travers de récits bercés d’une insouciante légèreté, le temps semble s’être arrêté mais nous sommes invités à suivre le mouvement.
Bâtir des forêts, ériger des ponts fragiles, faire résonner des tours de papier ponts sont des actions potentielles.
En jouant sur des territoires en pleine mutation, je questionne notre rapport au monde et ses potentialités.
Je me laisse surprendre par la matière, pris dans une nouvelle temporalité, saisi par un bouleversement qui ne saurait témoigner des évènements à venir.