Mon travail est purement photographique. Ce qui m’intrigue et m’attire dans la photographie est sa dépendance au sujet; l’appareil doit être pointé vers quelque chose. Je ne me lasse pas de la transformation qui a lieu quand le déclencheur est activé, et par la façon dont cette association entre le sujet et cette transformation peut être canalisée pour exprimer des idées et des expériences. Quand je commence à photographier j’ai une fascination presque obsessive pour le sujet qui dure jusqu’à l’achèvement du travail, moment où elle se reporte alors vers les photographies elles-mêmes. Le paysage est une de mes obsessions constantes, particulièrement la frontière entre l’homme et la nature. Je travaille en argentique dans tous les formats (35mm à chambre 20x25cm.) et en numérique.J’ai exposé à travers la Grande-Bretagne, en Europe et aux Etats-Unis. Mon travail se trouve dans les collections privées et publiques dont: Victoria and Albert Museum, Londres.National Gallery of Scotland, Edimbourg.MACBA Museo d’Art Contemporani de Barcelona, Edinburgh City Council.City Arts Centre, Edimbourg.North West Arts, Manchester.Kunsthalle, Bâle.Leipziger Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig.Motherwell District Council, Ecosse.
alphabet : g
Emmanuel Georges
Je suis photographe auteur (et aussi pro pour la communication publique) depuis plus de 30 ans. Les images présentées pour cette édition seront essentiellement issues de mon dernier travail « America Rewind » exposé à ST’ART galerie La Chambre en 2017, au CEAAC et à Mulhouse (galerie Hors champs et Filature) et qui a fait l’objet d’une monographie éditée par Hatje Cantz. Je présenterai quelques images issues d’autres séries, notamment « Photo 2000 », et d’autres tirages jamais exposés.
Elise Grenois
Elise Grenois sollicite une dimension qui nous dépasse, propre au mystère des temps géologiques et ce, au moyen d’un simple reste de paraffine démoulé de la cuve qui le contenait afin d’en produire un unique tirage à la cire perdue. C’est précisément cette capacité à entrevoir, lors des processus techniques de fabrication, des instants-clés, des formes signifiantes, ou l’importance d’un élément technique, qui caractérise le travail de l’artiste et lui apporte une justesse formelle et matérielle. Ses formes naissent d’une connaissance approfondie des méthodes sculpturales classiques de fonderie et de travail du verre. Le moulage est une pratique d’atelier qui a longtemps été dissociée de l’expression artistique. Elise Grenois en détourne les usages et en poétise les procédés.
Proche de l’art processuel apparut au début des années 70, la transformation et le mouvement s’inscrivent au coeur de sa pratique, elle s’intéresse aux formes intermédiaires et joue des frontières fluctuantes entre atelier et espace d’exposition.
Extrait du texte rédigé pour l’exposition Shadowban par Jamila Wallentin
Emmanuelle Giora
Mon travail est hybride, souvent entre le dessin et l’impression, entre les images balisées et l’expérimentation, difficilement définissable, où il est question de remix perpétuel d’images, de temps, de couleurs et de gestes. Je construis mon travail à partir d’images déjà existantes et facilement accessibles. Je fais le choix des images pour leur portée sociale, politique et esthétique. Je les découpe, je les extrait de leur contexte, j’explore leur mutabilité. La perte d’information provoquée par la sérigraphie est contrebalancée par le travail du geste, de la matière et de la couleur. La couleur dédramatise les situations, elle attire, elle flatte l’oeil : elle est un leurre. Je reste fidèle au principe de collage, je ne crée pas de nouvelles choses. Je juxtapose, je transforme, je superpose des choses existantes qu’on ne peut pas relier créant ainsi un univers empreint de ma propre expérience du monde. « Il s’agit, à chaque fois, d’interroger dans l’image ce qui résulte des pouvoirs de l’imaginaire et ce qui surgit de l’effraction du réel.» Georges Didi-Huberman
Caroline Gamon
Illustration, dessin de presse, peinture et interventions. Ma pratique artistique oscille principalement entre peinture et illustration. Dans chacun de ces champs, je m’intéresse au potentiel narratif des images, travaillant la plupart du temps à l’association d’images entre elles. Les questions de place, de frontières ou encore de catastrophe figurent généralement en toile de fond. Ville et campagne, nature et culture, abstraction et figuration, font partie des champs qu’il me plaît d’explorer. Parallèlement je collabore en tant qu’illustratrice pour la presse française et américaine (L’Obs, Le Monde, Télérama,The New York-Times), développe actuellement des projets personnels d’albums jeunesse et propose de façon plus sporadique des ateliers auprès de différents publics, en école, hôpital de jour, ou encore maison d’arrêt.
Vincent Gallais
Le travail de Vincent Gallais met en exergue des temps différés, des directions, des mouvements arrêtés. Ces temporalités et processus peuvent s’observer dans notre environnement par la constitution ou la déstructuration des objets et des espaces.
Sa pratique reste perméable, ouverte et réactive aux variables extérieures. Néanmoins, elle puise dans la machinerie de la production humaine une grande inspiration, passant ainsi de l’objet industriel ou artisanal à l’habitat, de l’architecture à l’espace urbain. Il les considère au même titre que le dessin et l’installation comme des médiums à part entière. Les formes qui résultent de cette recherche interrogent l’acte de fabrication lui même, le geste « en train de se faire », et en développe les potentiels plastiques et critiques.
Que ce soit dans l’espace plan ou dans l’espace tridimensionnel les œuvres produites ne se limitent pas à une forme figée. Les éléments qui les composent sont propices aux déplacements, sujets aux transformations quand le contexte s’y prête. Cela dénote d’une volonté de les considérer comme « vivants » et « flexibles » tout comme le lieu qui les accueille. Le bricolage comme concept et process lie dans une tension, un équilibre précaire, ces dispositifs composés d’objets issus de l’espace domestique, des « objets trouvés »dans l’espace public ou issus d’expérimentations d’atelier.
Ces rapprochements inattendus, ces frictions entre différents états et matières, sont autant de rencontres que ces espaces peuvent produire, égales à celles qui surgissent au coin d’une rue, entre une carcasse de lit et un sac de gravats, une flaque d’eau et un échafaudage. De cette pratique quotidienne de l’Arpenteur découlent des combinaisons photographiques, de dessins ou de volumes – manifestations de ces micro-évènements urbains. Un détournement s’opère dès leur captation/transcription, une nouvelle fiction voit alors le jour.
Alice Bidault
(…) Au cœur de la pratique de Vincent Gallais, le temps et l’espace se télescopent pour produire une forme de poétique de l’instant, sacralisant toujours un peu plus le vivant. L’ambiguïté naissante entre la réalité tangible du monde et ce qu’il nous donne à voir, permet d’apprécier en toutes circonstances L’instant de plus aussi précieux que fugace, qui bien qu’insaisissable cristallise pourtant la conscience du temps qui passe.
Ainsi, invité en 2021 à réaliser une exposition dans l’ancienne maison du trésorier du chapitre de la Cathédrale de Reims, Vincent Gallais a choisi, dans ce lieu chargé d’histoire, d’utiliser les proportions dorées et la géométrie sacrée. La grille de ventilation d’une soufflerie de McDonald’s devient alors le réceptacle à encens d’un autel révéré quand le tournesol se fait relique au sein d’une étrange mezzanine sur pilotis foudroyées dans un espace transformé en temple énigmatique.
Qu’elle soit organique ou synthétique, la matière est omniprésente chez Vincent Gallais, qui cherche en suivant ses intuitions à la mettre sans cesse en tension. Face au miroir tout est double ou contraire : l’ascension et la descente, l’eau et le feu, le flux et la stase. La notion de passage, de changement d’état, voire de transformation, permet ici aux œuvres de constituer une véritable architecture du rêve, que le corps et l’esprit habitent, et où ils peuvent ensemble se mouvoir.
Leïla Couradin
(pour l’exposition L’instant de plus)
GiZi
Les inspirations profondes de Gisèle, alias GiZl, puisent dans ses racines familiales, ces moments de joie partagés, des liens qui nous unissent et interpellent sur l’évolution de l’humain dans un univers en perpétuelle extension. Dans le cadre de sa formation de céramiste à l’IEAC, elle réalise sa première installation artistique, une allégorie parlant de transmission et de diversité. L’installation, occupant 3 à 4 m2, se compose de 26 sphères de différents diamètres disposées en spirale. Ouverte par nature à l’expérimentation, elle s’associe à l’artiste-peintre Sophie Gouvion pour présenter une nouvelle installation sur la thématique des liens, résumée en ces termes par la presse: « Leur installation ne laisse pas insensible tant l’implication des deux artistes lie les deux disciplines. La continuité de la couleur des tableaux dans la présentation des modelages renforce le moi et le double de l’humanité multiple. Les chaînes ne sont pas forcément des entraves mais peuvent servir de liens vers une fenêtre de liberté ». En effet, il parait difficile de parler de chaines sans évoquer le côté sombre de ce lien voulu solide, de l’esclavagisme à l’addiction, l’emprisonnement parfois consenti de notre plein gré. La gravité du sujet se trouve néanmoins conjurée par les couleurs vives qui s’échappent des toiles de Sophie pour coloniser les céramiques de GiZl, harmonie salvatrice pour un message positif au final. Dans le cadre de l’exposition Art au Vert 2019, GiZl explore de nouvelles associations, toujours sur ce thème, en associant le végétal et la terre de grès modelée dans un esprit racinaire. Ainsi les plantes s’enchevêtrent naturellement avec la céramique, le contenu part à la conquête du contenant pour former un ensemble harmonieux, un havre de paix. En relation avec son passé d’aide-soignante, elle aborde également des sujets plus difficiles tels que la maladie, la déchéance. Lors de l’exposition d’Art en Art 2019, elle présente ainsi un buste décharné en relation avec l’opération Octobre rose.
Sophie Gouvion
Le travail de Sophie Gouvion s’articule autour d’une quête fondamentale : sonder les liens profonds qui unissent l’humanité au vivant. À travers un langage pictural vibrant et exubérant, l’artiste déploie un univers où la nature, loin d’être un simple décor, devient le théâtre d’une métamorphose permanente. Ses toiles, véritables « jardins d’Éden » ou jungles sauvages, célèbrent la diversité biologique tout en interrogeant notre place au sein de cet écosystème global.
Au cœur de cette nature foisonnante se meuvent ses figures de prédilection : des êtres hybrides et chimériques. En fusionnant des éléments humains, animaux et végétaux, Sophie Gouvion crée une mythologie personnelle qui sert de miroir à nos conflits intérieurs contemporains. Ces figures mutantes, à la fois fascinantes et déstabilisantes, illustrent la capacité humaine à façonner l’inimaginable, oscillant entre prouesse créatrice et dérive absurde. Ses images, puissamment symbiotiques, génèrent des émotions contradictoires, invitant le spectateur à un voyage entre tendresse, mystère et questionnement sur la fragilité du vivant.
La signature de l’artiste repose également sur une recherche plastique singulière liée au support. Sophie Gouvion s’approprie des matériaux chargés d’histoire, notamment d’anciens sacs de café en toile de jute. Cette matière brute, marquée par les trames industrielles et les inscriptions de voyage, devient le socle d’un dialogue puissant. Elle y peint la faune et la flore spécifiques aux régions de provenance de ces sacs, transformant un objet de transport en un manifeste pour la connexion globale. La tension entre la rusticité du support et l’exubérance du détail graphique crée une immersion totale où l’imaginaire vagabonde librement entre le réel et le fantastique.
Son exploration de l’inconscient et des instincts domine l’espace pictural, offrant une œuvre où l’immersion graphique oblige à un regard neuf sur notre environnement. Cette recherche constante de renouvellement, affinée par une rigueur technique, fait de chaque œuvre le creuset d’une narration onirique où l’exploration de la métamorphose rend hommage à la vitalité universelle.
Dan Gerbo
MA RAISON DE VIVRE Beaucoup d’artistes trouvent l’inspiration dans le malheur, la rage, ou le désespoir et expriment leur désarroi à travers leurs œuvres. J’ai la chance de ne pas avoir été dans ce genre de situation dramatique et j’essaye à travers mon art, de montrer que tout peut basculer d’un moment à l’autre et qu’il n’y a rien de plus important dans la vie que le bonheur et surtout pas le matériel. ETRE OU PARAÎTRE… Certaines personnes attachent plus d’importance à ce qu’elles possèdent ou pourraient posséder plutôt qu’à leur bien-être… peut-être trouvent t’elles le bonheur dans le paraître ou à travers la vision des autres… pourquoi pas. C’est aussi une philosophie de vie et je n’ai pas le droit de juger. A travers mon art, avec des symboles et un peu d’humour j’essaye juste de mettre le doigt sur ce point et à chacun d’apprécier ou non mon travail ou mes messages. L’argent peut évidemment contribuer au bonheur, mais beaucoup de gens ne courent qu’après l’argent et passent à côté du bonheur. Ces plaisirs artificiels nourris par la cupidité, le narcissisme ou la vanité, détruisent ou déforment la notion du bonheur. L’hédonisme est ma principale raison de vivre Pourquoi passer votre temps à toujours essayer de gagner plus d’argent passez donc votre temps à essayer de trouver du bonheur. Avoir assez d’argent c’est suffisant pourquoi en vouloir toujours plus….
Vérok Gnos
Verok Gnos porte une attention particulière à la nature. Elle se laisse guider par les formes naturelles déjà existantes. Elle utilise et sublime ces matériaux et les met en scène. Ainsi l’oeuvre devient le lien entre le geste d’artiste et la création de la nature.
Avec ses peintures elle nous invite à réfléchir à notre posture d’être humain face à la nature, à sa faune et sa flore.
« Les Petits Bouts de Monde… » comme elle les appelle, n’ont pas vraiment de titre qui selon elle, aurait pour effet de cloisonner la pensée.
Vérok Gnos a mis au point une technique de peinture qui permet à l’œuvre de vivre. À l’aide de l’apesanteur, les gouttes de couleurs vivent ou fusionnent sur le support (Dibond)