Photographie – Ateliers Ouverts

Axel Töpfer

Ich mache Filme ohne Bewegung. Filme, die sich nur mit der Imaginationsleistung der Betrachter:innen bewegen können. Ich suche und kombiniere. Gefundene, entwickelte, geliehene, imaginäre Bilder. Ich arbeite nicht linear mit den Methoden filmischer Montage. Für den Mind Movie ergeben sich damit kaum auszuschöpfende Möglichkeiten: Unendliche Dauern, un- mögliche Räume, Gleichzeitigkeiten von Gegensätzen. Storyboards, Partituren, Auslegeordnungen im Raum. Als textuelle Bilder, als Serien von Bildern, als räumlich erfahrbare Konstruktionen imaginativen Raums, als begehbares Filmset, als imaginäre Plas- tiken. Ich arbeite mit spezifischen, oft sehr seltenen Materialien, die einen Beitrag zum jeweiligen Film leisten: Staub aus den Händen verworfener Figuren, Granulat aus Weltraumschrott, in Flak-Scheinwerfern verendeten Insekten etc.. Ich entwickle Formate, Manifeste, Regelwerke als Teil meiner künstlerischen Praxis. Ich arbeite in verschiedenen Formationen, Kooperationen, Verschränkungen und setze verschiedene Möglichkeiten der Autorschaft vom Kollektiv bis in die Anonymität als Werkzeug meiner Arbeit ein.

Je réalise des films sans mouvement. Des films qui ne peuvent bouger que grâce à l’imagination des spectateurs. Je cherche et je combine. Des images trouvées, développées, empruntées, imaginaires. Je ne travaille pas de manière linéaire avec les méthodes du montage cinématographique. Pour le Mind Movie, cela ouvre des possibilités presque inépuisables : des durées infinies, des espaces impossibles, la coexistence d’opposés. Storyboards, partitions, mises en scène dans l’espace. Sous forme d’images textuelles, de séries d’images, de constructions d’un espace imaginaire perceptibles dans l’espace, de plateau de tournage accessible, de sculptures imaginaires. Je travaille avec des matériaux spécifiques, souvent très rares, qui apportent leur contribution au film concerné : de la poussière provenant des mains de personnages rejetés, des granulés issus de débris spatiaux, des insectes morts dans les projecteurs antiaériens, etc.. Dans le cadre de ma pratique artistique, je développe des formats, des manifestes et des ensembles de règles. Je travaille au sein de diverses formations, collaborations et imbrications, et j’utilise différentes formes d’auteur, allant du collectif à l’anonymat, comme outils de mon travail.

Sonja Maria Schobinger

» At the beginning stands the search of a young woman for her own space in this world. The black-and-white photographs powerfully convey her critical and searching gaze—on herself as a young woman, on her personality, and on her first home, both inside and out. It becomes clear that from the very beginning of her artistic journey in the mid-1980s, Sonja Maria Schobinger has been a photographer. In the darkroom, she first explored the possibilities of analog photography through silver gelatin prints with curiosity and experimentation. Later in her artistic search, she delved into the world of digital photography, only to return again and again to traditional artistic techniques, such as drawing—though practiced using the tools of a computer screen. The camera is a significant technical instrument to tentatively explore the world and the self. Yet it is not the technical aspect of photography that interests her (today). Her quest is for the substance beyond matter; she illuminates fleeting moments with great nuance and captures their transience in her images. Sonja Maria Schobinger’s long-term (research) projects have evolved over decades into thematic groups: early self-portraits in Coming of Age, Anthemis Nobilis, Still Lifes, Flowers, and Trees. In the long-term project Anthemis Nobilis, we see a female body—the artist’s own—surrounded and protected by plants.The female body is more sensed than seen—its contours wrapped in various plants: mistletoe, blackberries, strawberries, violets, and delicate branches from different trees. The artist searches in her compositions for the essence of each plant and its harmonious counterpart. The result is a series of fragile image-layerings that challenge the viewer’s eye without distorting perspective. These layers generate a certain visual tension. At the same time, by combining historical botanical photography with analog images from Coming of Ageusing digital techniques, the work expresses different layers of time: past and present, the capturing of a moment and the documentation of change over time. The plants, with their unique and specific qualities, provide a protective covering for the vulnerable body—offering both protection and healing. At the same time, they embed the human organism into the forces of nature and the cycle of life. In the moment a petal is backlit, or the shimmering canopy of a tree becomes translucent, light—the immaterial—becomes visible. And here we again encounter the photographer behind the lens, who sensitively and precisely illuminates the magic of the moment and explores the mysteries of being. » Text excerpt written by Dr. Astrid Bextermöller, art historian, Basel

Raphael Reichert

Reichert’s works originate from collected documentations of his immediate surroundings, primarily using digital means as a point of departure. These resulting set pieces are then softly reworked and placed within a broader social context. Immediacy and density are recurring strategies across his chosen media—whether in painting, video, or photography. He is less concerned with technical perfection and more focused on communicating the directness of his thoughts and concepts. His ideas emerge through the compression of vast collections into concentrated, layered forms. His videographic works often reference pop-cultural phenomena such as fitness challenges, travel vlogs, Instagram stories and other online trends, while also experimenting with documentary stylistic devices like talking heads, subtitles, and voice-over narration. Reichert’s work has been exhibited mainly nationally but has also been shown internationally in screenings and group shows, including shows at Kunsthaus Glarus and Kunst(zeug)haus (Rapperswil, CH) in 2021 and a duo show with Ivana Kvesić at Ausstellungsraum Klingental in 2020. In 2022, Reichert presented his first solo show with contributions by Leah Studinger, titled „Opt-in“ at Architektur Forum Ostschweiz (St.Gallen, CH), followed by a duo show with Leah Studinger at Hiltibold (St.Gallen, CH) and a solo show at Peripherie8 (Basel, CH) in 2023. He has received a work grant from the city of St.Gallen in 2020. In 2025, he presented a larger body of work in a duo show with Katherine Newton at Le ventre (Hégenheim, FR), curated by Maria Claudia Gamboa. In 2026, Reichert will show his work in solo shows at Espace Formaline, Suhr, CH and at the Rhyality Immersive Art Hall in Neuhausen, CH as well as in two simultaneous solo presentations of his extensive video work reading the news, organized by Videokunst.ch at Videofenster Bienzgut, Bern, CH and Videofenster Houdini, Zürich, CH.

Veronika Geiger

Photography became part of my life at the age of 17, when I got an analogue camera from my Swiss grandfather. Since then, I’ve continued to build a relationship with photography in various ways. My experience with photography is shaped most strongly by my educational background in Fine Art Photography from Glasgow School of Art and continued to be my focus during my MA in Fine Art at Iceland University of the Arts. My own personal need for connecting with nature led me to travel with my camera extensively in remote landscapes. Nature being the fundamental premise for our life and at this point in time undergoing huge environmental changes, I became engaged in field work with scientists. All these new perspectives on nature, motivated me to search for a new visual language in landscape photography, which I am still working on. For me photography has become an extension of how I am in the world. I can think and breathe through photography. In many ways my experience with photography is similar to my experience of writing. Whether a visual or verbal starting point: an impression, a sentence, a chance encounter, a walk by the river.

Mariejon de Jong-Buijs

Vor fast einem Jahrzehnt saß ich auf einem Traktor, der mit einem kleinen Tank
ausgestattet war, und malte – oder genauer gesagt: Ich fuhr den Traktor
wiederholt vor und zurück über eine 50 Meter lange Leinwand. Die Oberfläche
wurde durch Farbe markiert, die aus einer Reihe von Löchern in einem am Tank
befestigten Rohr floss – ähnlich wie Dünger, Herbizide oder Wasser. Diese Art
von Arbeit war mir vertraut: die präzise Kontrolle des Traktors, das ständige
Vor- und Zurückblicken, die Geduld und Aufmerksamkeit, die eine ansonsten
scheinbar einfache Tätigkeit erfordert. Als Teenager arbeitete ich auf
Bauernhöfen und verrichtete dort unterschiedliche Aufgaben. Traktorfahren war
mir vertraut: eine Art, draußen zu sein, eine tief im Körper und auf der Haut
verankerte Erinnerung.
Meine prozessorientierten Arbeiten sind von der Tradition der niederländischen
Landschaftsmalerei inspiriert. Anstatt die Landschaft darzustellen, versuche ich,
mich über die Erinnerung wieder mit ihr zu verbinden – eine Art Zeitkapsel, die
angesammelte Erfahrungen und Eindrücke in sich trägt.
Meine Gemälde sind großformatig und häufig geprägt von gesättigten Farben,
geometrischen Formen, repetitiven Mustern und der Faltung der Leinwand.
Durch diese Gefaltetheit lade ich die Betrachter:innen ein, über Zeit und Malerei
auf eine andere Weise nachzudenken. Eine Falte unterbricht die Flächigkeit und
schließt Volumen ein, sodass die Oberfläche des Gemäldes als formbar
verstanden wird – als etwas, das verpackt und wieder entfaltet werden kann und
sowohl im gespannten als auch im ungespannten Zustand existiert. Die Hin- und
Herbewegung des Traktors über die Länge der Leinwand – seine Spurführung –
war die erste in einer Reihe von Methoden, die ich entwickelte, um die Leinwand
ohne einen traditionellen Pinsel zu markieren.
Ich interessiere mich für die Möglichkeiten, wie Farbe durch nicht-traditionelle
Anwendungen Spuren, Einschreibungen und Gesten erzeugen kann. Mit
Werkzeugen wie Rückensprühern und Besen arbeite ich mit einer Vielzahl von
Instrumenten, sowohl innerhalb als auch außerhalb des Ateliers. Ich verstehe
mein „Malen“ als einen Prozess der Ausführung konkreter Handlungen, der es
erlaubt, die Unwägbarkeiten der Farbe sichtbar werden zu lassen. Einige
Arbeiten entstehen im Freien, wobei auch das Wetter eine aktive Rolle spielt. Die
daraus resultierenden Leinwände legen den Prozess, die Werkzeuge, die
Materialien und den Akt der Bewegung selbst offen.
Unabhängig von den verwendeten Mitteln beruhen alle meine bisherigen
Arbeiten auf einer Aufmerksamkeit für den Prozess als etwas, das sich über die
Zeit entfaltet – als ein Verfahren, das die Ausführung spezifischer, oft repetitiver
Handlungen über die Leinwand hinweg umfasst. Während ich weiterhin innerhalb
der Tradition der bemalten Leinwand arbeite, bleibe ich dem Erkunden neuer
Wege verpflichtet, die Malerei über die Staffelei hinauszuführen.
2026, Basel CH

Janik Bürgin

„Zwischen Fotografie und Malerei arbeite ich nicht auf eine eindeutige Zuordnung hin, sondern auf eine bewusste Verschiebung. Mich interessieren jene Zwischenräume, in denen ein Bild seine klare Identität verliert und beginnt, zwischen den Medien zu oszillieren. Fotografie wird dabei nicht als Dokument verstanden, sondern als Material – formbar, offen, transformierbar. Im Erkunden fotografischer Möglichkeiten suche ich nach dem Malerischen im Fotografischen. Bekanntes, Vorgefundenes oder scheinbar Festgelegtes löse ich auf, zerlege es in Licht, Fläche und Struktur und überführe es in einen neuen Zustand. Der fotografische Ursprung bleibt spürbar, doch er entzieht sich der Eindeutigkeit. Ich möchte nicht informieren, sondern involvieren. Meine Arbeiten verstehen sich als Einladung zur Wahrnehmung – als visuelle Räume, in denen Sehen zu einer inneren Bewegung wird. In diesem Prozess entsteht Bedeutung nicht durch Abbildung, sondern durch Erfahrung.“

Stephanie Creaghan

Stephanie E. Creaghan is a video artist and filmmaker who makes work about how violence presents itself in communication. Their first solo exhibition in New York, ‘That Guy,’ took place in Fall 2025 at D.D.D.D. They have exhibited and performed in Montreal, Quebec City, Toronto, Chicago, New York, Los Angeles, Paris, Singapore, and Prague, and completed international residencies in Paris, France, Stolpe/Oder, Germany, New York, USA, and Wexford, Ireland, as well as at the Centre for Expanded Poetics in Montreal. Their work is in the Vtape collection, and they were commissioned to do a temporary public sculpture by the City of Outremont in 2022.

Christine Dürr

Christine Dürr
Hafenateliers Birsfelden 248

Text über das Werk

Was ich tue, nenne ich bilderbilden.

Zum grössten Teil besteht mein Werk aus Arbeiten auf Papier.
Die Papiere haben selten mehr als ein-, oder zwei m2 Fläche.
Meine Farben sind selbst hergestellt, so habe ich
sie im Griff, aber umso mehr Freiheiten kann ich der Farbe
auf dem Papier geben.

Es ist nicht zu wissen, wie ein Bild dann aussehen wird.
Das erfahre ich dann während der Arbeit.
Und Linien sind eine brauchbare Art zu denken,
ich verwende sie gerne.
Ich stelle mir Regeln auf und ich bleibe restriktiv
mit meiner Imagination und Vorwegnahme.

Was daraus wird, ist ‚VORgegenständlich‘.
Ich gelange an den Ort, wo das Entstehen zwischen mir
und auch im Bild geschieht. Das kann man sehen,
und vermutlich können das auch andere erkennen,
das zu zeigen, ist sehr interessant.

Ruth Berger

Seit mehr als dreissig Jahren bin ich vom Leben und Sterben der Pflanzen fasziniert.
Die Pflanze als Sinnbild des Lebens. Werden-Sein-Vergehen sind in ihr direkt und
unmissverständlich in kurzen Zeiträumen ablesbar.
Dabei geht es mir darum, mich dem Geheimnisvollen, dem Wesenhaften
der Pflanze ganzheitlich anzunähern.
Dazu sind mir Aquarell, Zeichnung, Photo als Medien sehr vertraut und wichtig,
um auf immer wieder neue Art mich überraschen zu lassen und weiter zu forschen.

Nora Vest

Nora Vest verfolgt seit vielen Jahren eine künstlerische Praxis, die sich jenseits klarer Gattungsgrenzen bewegt. Ihr Werk umfasst Skulpturen, Fotografien, Malereien, Textilarbeiten und Installationen – Ausdruck einer Haltung, die Offenheit und Wandel zum Prinzip erhebt. Jedes Medium wird zur Möglichkeit, Wahrnehmung in Bewegung zu bringen, Übergänge zu betonen, statt Grenzen zu ziehen. In ihren Fotografien sucht Vest nach einem Gleichgewicht zwischen Realität und Auflösung, zwischen dem, was sichtbar ist, und dem, was sich entzieht. Durch digitale Bearbeitung, Überlagerungen und Farbakzente entstehen vieldeutige Bilder, die an Schwellenmomenten operieren – dort, wo das Bekannte ins Ungewisse gleitet. Diese visuelle Ambivalenz spiegelt eine innere Haltung: Kunst als Raum des Dazwischen, als Erfahrung des Fliessens. Das Wasser ist für Nora Vest nicht nur Thema, sondern Denkfigur. In ihren ortsbezogenen Installationen – oft im oder auf dem Wasser – begegnet man dem Element als Spiegel, Oberfläche, Grenze und Durchlässigkeit zugleich. Wasser steht hier für Veränderung, für das stetige Werden und Vergehen, das auch das menschliche Leben bestimmt. In den Reflexionen des Lichts, im Schimmern der Bewegung und in der Stille des Flusses entfaltet sich eine leise poetische Kraft. Vests Arbeiten widersetzen sich einer eindeutigen Lesart. Sie verbinden ästhetisches Erleben mit einer sensiblen Aufmerksamkeit für Natur und Umwelt, ohne belehrend oder programmatisch zu wirken. Stattdessen öffnen sie Räume der Wahrnehmung, laden zur Langsamkeit, Achtsamkeit und Freude ein. In dieser Haltung liegt eine subtile Form von Widerstand – gegen Beschleunigung, Setzungen, gegen das Vergessen der Sinne. Nora Vest schafft Bilder und Räume, die uns das Sehen selbst zurückgeben: beweglich, durchlässig, lebendig.