Arno Luzamba Bompere est né à Kinshasa, en République Démocratique du Congo, en 1985. Diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa et de la Haute École des Arts du Rhin (HEAR), il vit et travaille à Strasbourg,en France. Le travail d’Arno Luzamba Bompere s’inscrit dans une démarche artistique transculturelle et pluridisciplinaire. Il explore des thèmes variés tels que l’identité, l’histoire, la mémoire,l’écologie, l’espace et le temps. Ses oeuvres s’inspirent d’archives, d’objets et d’oeuvres muséales, ainsi que de l’actualité internationale. Il crée des récits à travers le dessin, la peinture, l’installation et la performance, où l’image et le texte convergent dans une expression allégorique. Les faits historiques et contemporains s’y traduisent par un langage poétique, où les visuels reflètent les liens multiples qui,entre passé et présent, définissent les sociétés humaines. En réunissant symboles et images mentales dans une expression picturale singulière, les oeuvres d’Arno Luzamba Bompere déconstruisent l’Histoire en tant qu’écriture univoque. Retranscrivant la mémoire en tant que vécu intime et partagé, l’encre et l’aquarelle confluent dans une transcription évocatrice du réel, où l’image se fait plus évocation que représentation. Il a participé à plusieurs événements artistiques, résidences de création, expositions collectives et solo. Il a présenté ses oeuvres à la Biennale Yango de Kinshasa en 2015, au Palais des Beaux-Arts (Bozar) à Bruxelles, ainsi qu’à la Galerie Backslash (Paris) en 2024 en 2025 et en 2026. Ses oeuvres ont été exposées au Musée Royal de l’Afrique Centrale à Tervuren (Belgique)et au Bocs Art Museum à Cosenza (Italie). Elles figurent également dans la collection permanente de la Fondation Montresso à Marrakech. Arno Luzamba a collaboré et exposé dans différents lieux de Strasbourg, tels que la Galerie Retro Futur, la Galerie Inver, et la galerie L’Oiseau Rare qui lui a consacré deux expositions personnelles. Il est également actif dans plusieurs projets collectif et artiste résident au bastion 14 à Strasbourg depuis juin 2025.
Pratiques : Peinture
Elena Gutmann
Elana Gutmann brings together paintings and works on paper created in resonance with that which is not often noticed, seen or heard. In myriad forms, this latest body of the artist’s works considers touch, place, and scale as sensory points-of-entry to dream with, to contemplate, to imagine, and reimagine. Colors shimmer and cool, lingering and inviting suggestions of rivers, horizons, lush undergrowth, figure and form. They draw us in at close proximity and open from afar.
Elana Gutmann lives and works in Basel, and engages in project-based residencies and collaborations in a variety of countries and contexts. In concert with her work in the studio, Gutmann has been engaging in arts-in-social justice projects, primarily in Paris and New York, for over three decades. Her artworks are grounded in dialogue and a process of inquiry and discovery — a conversation with the work as it evolves. Inspired by her research into mycorrhizal networks, and exchanges with international scientists and ecologists, the artist’s latest body of work considers connectivity, imagination and flourishing in our relationships and interactions with all living things.
Felix Kindelán
DE:
Felix Kindeláns künstlerische Praxis bewegt sich im Spannungsfeld zwischen zeitgenössischer Abstraktion und barocker Bilddramaturgie. Ausgangspunkt seiner Malerei sind existenzielle Fragestellungen emotionaler Natur –
innere Konflikte, Heilungsprozesse und Momente geistigen Wachstums. Die Bilder entstehen aus dem Bedürfnis heraus, unter die Oberfläche zu blicken: unter die Haut, hinein in den Kern menschlicher Erfahrung.
Zentrale Figur von Felix Kindeláns Arbeiten ist der abstrahierte menschliche Körper. Dessen an muskulären Strukturen orientierte Form wird zum Träger psychischer Zustände. Fragmentierung und anatomische Übersteigerung symbolisieren die Komplexität von Emotionen und Persönlichkeitsmustern. So entstehen Bildräume, in denen Verletzlichkeit und Kraft, Auflösung und Verdichtung zugleich präsent sind.
Formal zeichnen sich seine Werke durch elegante Bewegtheit, leuchtende Farbtiefe und dramatische, barock anmutende Kompositionen aus. Das spannungsreiche Spiel von Hell und Dunkel knüpft an die Tradition des
Chiaroscuro an und sucht den geistigen Dialog mit Michelangelo Merisi da Caravaggio. Der pastose Farbauftrag und die expressive Geste verweisen auf seine Nähe zum Expressionismus, insbesondere zu Ernst Ludwig Kirchner.
Zugleich bestärkte ihn Francis Bacon darin, persönliche emotionale Kämpfe als kraftvolle Quelle künstlerischer Erkenntnis zu begreifen.
Felix Kindelán versteht seine Malerei als „Existenziellen Barock“ – einen von ihm geprägten Begriff, der eine neue, zeitgenössische Richtung innerhalb der figurativen Malerei beschreibt. Sie verbindet dramatische Bildinszenierung
mit persönlicher, psychologischer Tiefenschärfe und lädt dazu ein, sich jenseits äußerer Zuschreibungen im gemeinsamen Erleben von Verletzlichkeit und Transformation wiederzufinden.
FR:
La pratique artistique de Felix Kindelán se situe à la croisée de l’abstraction contemporaine et de la dramaturgie picturale baroque. Ses peintures s’inspirent de questions existentielles de nature émotionnelle : conflits intérieurs,
processus de guérison et moments de croissance spirituelle. Les images naissent du besoin de regarder sous la surface : sous la peau, au cœur même de l’expérience humaine.
La figure centrale des œuvres de Felix Kindelán est le corps humain abstrait. Sa forme, inspirée des structures musculaires, devient le vecteur d’états psychiques. La fragmentation et l’exagération anatomique symbolisent la complexité des émotions et des schémas de personnalité. Il en résulte des espaces picturaux où la vulnérabilité et la force, la dissolution et la condensation sont simultanément présentes.
Sur le plan formel, ses œuvres se caractérisent par une élégante mouvementéité, une profondeur de couleurs lumineuse et des compositions dramatiques d’inspiration baroque. Le jeu captivant entre ombre et lumière s’inscrit
dans la tradition du clair-obscur et cherche à établir un dialogue spirituel avec Michelangelo Merisi da Caravaggio.
L’application pâteuse de la peinture et le geste expressif renvoient à sa proximité avec l’expressionnisme, en particulier avec Ernst Ludwig Kirchner. En même temps, Francis Bacon l’a encouragé à considérer les luttes émotionnelles personnelles comme une source puissante de connaissance artistique.
Felix Kindelán conçoit sa peinture comme un « baroque existentiel » – un terme qu’il a lui-même inventé et qui décrit une nouvelle tendance contemporaine dans la peinture figurative. Elle combine une mise en scène dramatique
avec une profondeur psychologique personnelle et invite à se retrouver au-delà des attributions extérieures dans l’expérience commune de la vulnérabilité et de la transformation.
Martin Cleis
Kann ich, ja, besuchen sie mich im Atelier!
Simon Wyss
In 2024 I started painting stones. For me, painting a stone means giving up before I’ve even started. A closer look at a single stone reveals countless colors, contrasts, shapes and facets. This motif, which always remains incomplete, and the continual approach towards it, are reflected in my painting process. Some of the depicted stones are imitated from nature, others are imaginary. In the paintings, I place several of them next to each other or one behind the other on a background that looks like a star or an explosion and is partially or completely obliterated by the stones. Despite the power of the stones, they cannot escape the influence of the background. The stones themselves are painted with glazes – in some places opaque, in others transparent, whereby the light from the underlying layers helps to determine their appearance on the stones. How and where they are placed in the composition, what shapes and colors they have and how much they shield from what is behind them is decided by an associative or intuitive approach directly while painting on the canvas. This results in a continuous series of paintings. The starting point for these works is a small castle ruin north of Zurich, which I have visited several times. About 1000 years ago, many stones were built into a large one for protection and after its use, this large stone fell apart again into many smaller ones. Construction and destruction, transience and usefulness come together in this place.
Nadine Cueni
Multimediakünstlerin, deren allgemeine Ideen sich um die Beziehung zwischen persönlichen und
kollektiven Erinnerungen drehen. Mit ihrem Hintergrund als Biologin ist Cueni nicht nur wissenschaftlich an der Natur interessiert, sondern untersucht auch die Gesellschaft anhand ihrer Interaktion mit der Natur und hinterfragt das Verhalten gegenüber dem Anderssein in einem
grösseren Rahmen. Ihre Arbeit ist vielschichtig und vermischt Aspekte der Dokumentation, der
wissenschaftlichen Forschung und der persönlichen Wahrnehmung – mit einem leichten Hauch
von surrealer Fiktion und Humor.
Sara Grütter
Maya Weisser
Die Malerei eröffnet einen virtuellen Raum für die Spuren unserer Wahrnehmung und Erinnerung. Sowohl in der abstrakten wie auch in der gegenständlichen Malerei interessiert mich dieser selektive Wahrnehmungsprozess, der in Flächen/Farben/Linien eine berührende Entsprechung findet, hängenbleibt und sich weiterentwickelt. Unterschiedliche Techniken wie Oelmalerei, Enkaustik aber auch Zeichnungen auf Papier und Fotographien loten diese Räume und Stimmungen aus und eröffnen neue Erfahrungen und Wege.
Virginie Schwartz
C’est à travers mes œuvres animalières réalisées aux pastels secs , que j’essaie de transmettre une sensibilité centrée sur la présence, le regard et l’âme animale. Mon style est plutôt dans l’hyperréalisme. Je travaille au pastel sec, une technique exigeante qui permet des fondus subtils, une grande richesse chromatique et un rendu extrêmement précis des textures. Chaque pelage, chaque plume, chaque reflet dans l’œil est minutieusement construit par superpositions successives de couches fines pigmentaires poudreuses.. Cette technique confère à mes œuvres une profondeur , un rendu tactile du poil ainsi qu’une intensité dans les regards.. Le rendu obtenu par ce médium et l’hyperréalisme, me permet de révéler toute la personnalité et la force intérieure de l’animal que j’ai choisi de peindre. Dans chacune de mes œuvres, le regard occupe une place centrale .afin que l’animal que je représente soit une présence vivante. Les fonds , les mises en scènes sont toujours personnalisés et donnent ainsi des œuvres uniques : Volutes chaudes et flamboyantes, un halo dore, des brumes froides ou bien une ambiance de nuit lunaire par exemple. Elles renforcent le caractère symbolique de chaque animal sans détourner l’attention du suiet principal. Mon but artistique étant de mettre en lumière la noblesse, la dignité et la sensibilité du monde animal. Ainsi, Je vous invite à travers mon art , à observer, ressentir et à reconsidérer notre lien avec le vivant.
Eznop
Eznop est un artiste Street Art, né en 1983 dans l’Est de la France, qui a su transposer l’énergie des rues sur la toile, créant des œuvres figuratives puissantes. D’abord inspiré par les murs de son quartier, Eznop a rapidement adopté les tableaux comme support principal, offrant une nouvelle dimension à son expression artistique. Ses œuvres figuratives sont marquées par des personnages et des scènes de la vie quotidienne, où il mêle habilement réalisme et abstraction pour capturer des émotions intenses. Fortement influencé par la culture urbaine, Eznop conserve dans ses tableaux l’esprit du Street Art : spontanéité, audace et un lien direct avec le spectateur. Il utilise une variété de techniques et de matériaux, comme la bombe de peinture acrylique, l’aérographe, les feutres Posca ou encore le pinceau, ce qui lui permet de jouer avec les textures et les effets pour donner vie à ses personnages. Chaque œuvre raconte une histoire, souvent liée à son environnement et aux expériences humaines qu’il observe autour de lui. Avec ces compositions, ses tableaux se démarquent par leur capacité à susciter réflexion et émotion, tout en restant ancrés dans l’esthétique du Street Art.