Chéni travaille, produit, œuvre, présente, propose, cherche, trouve, teste, innove, transpire, s’ébroue, constate, sclérose, phagocyte, sérendipise, installe, échoue, transcende, inaugure, s’impasse, s’impatiente, patiente, contourne, expérimente, magnifie, détruit, construit, projette, anastylosie, prévoit, compulse, analyse, erre, découvre, recouvre, plus et assimilés dans les ateliers successifs et conséquents.
Chéni, Tyran Archique à Vie de Thurvie, né le 14 avril à 4h14, prédispose péremptoirement le paradigme absolu de l’aquaosmose avec la Thur, le cours primordial, et conçoit par contact éthéré et phagocytage hivernal séculaire l’évolution pure de l’atteinte dans la crainte de le faire. Peinture, sculpture, dessin, bronze, performances, autres et assimilés, en polytechnie par sérendipité maîtrisée font partie des échelons vitaux de l’avancée essentielle résurgencée à la SourcE. Que Thurvie !
Type : permanent
David Allart
David Allart est spécialisé dans l’impression traditionnelle d’estampes, le graphisme et l’édition d’art en série limitée.
Autonome du concept à la réalisation, son atelier répond à une variété de demandes allant de la création d’image ou d’identité, jusqu’à l’impression.
Son atelier accompagne les artistes dans leurs réalisations. C’est un lieu d’expérimentation artistique et graphique où plasticiens, dessinateurs, photographes, graphistes… travaillent via les techniques de la sérigraphie, de la lithographie et de la typographie–gravure artisanale.
Chaque projet est pensé, dessiné et imprimé en ce lieu, en collaboration avec l’artiste, et faisant l’objet d’une édition originale et limitée.
Des formations aux techniques de l’estampe et du livre sont proposées régulièrement dans l’année sous la forme de stages ou de workshops.
Son travail d’illustration quant à lui s’articule autour de thèmes variés tels que la nature, le voyage ou l’épopée. On peut dire que la contemplation fait partie intégrante de son univers qui s’exprime au travers d’un travail de dessin épurée et simple, et par le biais de l’image imprimée (estampes et tirages limités).
Il se nourrit de l’image populaire, des mythes et légendes, de la science fiction ou de simples moments de vie sur lesquels on pose un regard.
David aime compter des histoires et faire voyager le spectateur pour susciter une émotion, rappeler un souvenir. Au travers de ses images, il invite le regardeur à participer au récit qu’il invente.
Jonathan Naas
Né en 1987, vit et travaille entre Bâle et Strasbourg. Jonathan Naas obtient un DNAP à la HEAR de Mulhouse, ainsi qu’un Bachelor et un Master en Arts Visuels avec mention à l’ÉCAL de Lausanne. Après quelques années de voyages et de direction artistique, il présente son travail en France et à l’étranger, lors de résidences et d’expositions. Son travail contextuel s’appuie sur la récupération d’éléments du réel, mis en scène dans des installations sombres et minimalistes. Ses œuvres questionnent les symboles et leurs codes, ainsi que les croyances et la transmission des savoirs par un protocole rituel, influencé par le folklorisme, la mythologie, l’ésotérisme et la culture underground. Sa pratique est majoritairement dominée par une peinture radicale et des volumes issus de son quotidien, empreints de magie et d’invisible. Il présente, à la façon d’un intercesseur, des dispositifs rythmés reformulant la réalité au travers de la fiction, tel un conte, accentuant un présent tout en suggérant la possibilité d’un ailleurs.
Architecture sonore
De 1994 à 2017, Bruno Friedmann (1954, Bühl / Baden, Allemagne) a été professeur à la Faculté des médias numériques de l’Université de Furtwangen. Au cours de ses études de base (dans les années 1980) à l’Universität Karlsruhe et en partie à la Hochschule für Musik Karlsruhe de technique de communication, génie biomédical et cybernétique, il aimait déjà se concentrer sur la théorie des systèmes et les aspects cybernétiques et ses applications à l’interaction humaine comme la perception et faire du son et de la musique, agir et réagir physiquement et mentalement. À l’Université de Furtwangen, il enseignait des langages informatiques comme Java et JavaScript et dans le cadre de «l’expérience auditive dans les médias numériques», ses conférences portaient sur la génération de sons numériques, la psychoacoustique et la perception du son, de l’espace et de la musique. Ses intérêts et sujets de recherche se situent toujours dans le cadre de la perception du son et de l’espace, des interactions transmodales, de la théorie des systèmes, de la modélisation et de la composition algorithmique. Un projet comprenant et exemplaire est sa composition Sequenza III spatialisée: la musique de la composition de Sequiano III de Luciano Berio, est intensément déplacée dans l’espace, contrôlée par des descripteurs audio du contenu musical lui-même. Il a été présenté au festival BEYOND 2013, ZKM Karlsruhe. Le professeur Bruno Friedmann a été co-fondateur de l’étude de baccalauréat Musikdesign, un projet commun de l’Université de Furtwangen et de la Staatliche Hochschule für Musik Trossingen, axé sur la musique assistée par ordinateur, le son et l’amélioration multimédia. Depuis qu’il a passé un congé sabbatique à l’IRCAM 2007, il utilise le logiciel IRCAM complet et distingué et principalement Max / MSP pour réaliser ses idées, compositions et projets de logiciels musicaux, qui ont été exécutés au Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) Karlsruhe, Staatliche Hochschule für Musik, Trossingen, Théâtre Pforzheim, Le Séchoir, Mulhouse.
Eleonore Descazals
Un jour d’octobre 1999, j’ai mis la première fois les mains dans l’argile, matériau qui m’a de suite happé pour ne plus me lâcher. Vingt années sont passées et enfin fraîchement installée au Séchoir, je peux faire de ma passion, mon métier.
Mon travail en tant que céramiste s’articule comme un langage formel autour d’émotions et de sentiments intimes. J’ai le goût de l’esthétisme, de la couleur et du décors. J’aime le beau et la représentation explicite, qui me permettent d’exprimer des ressentis en les sublimant dans la matière et ce de manière plus explicite que par l’oralité.
Claudine Cibray
Je couple dans ma pratique dessins et volumes céramiques . De ce jeu de réponse entre la fragilité du papier et la matérialité du grès s’initie un espace de signes, traces éparses ; ma pratique céramique développe une série de pièces en grès émaillé : trophée évoquant l’arme, l’outil, la branche, le pot … Les dessins, sur feuilles épinglées au mur, illustrent et détournent, invoquent et dansent autour.
Vincent Campos
Démarche artistique
Je développe un travail oscillant souvent entre le jeu et la mise en avant d’une réalité où l’humour peut retentir comme un écho à l’adversité des choses. Au travers de récits bercés d’une insouciante légèreté, le temps semble s’être arrêté mais nous sommes invités à suivre le mouvement.
Bâtir des forêts, ériger des ponts fragiles, faire résonner des tours de papier ponts sont des actions potentielles.
En jouant sur des territoires en pleine mutation, je questionne notre rapport au monde et ses potentialités.
Je me laisse surprendre par la matière, pris dans une nouvelle temporalité, saisi par un bouleversement qui ne saurait témoigner des évènements à venir.
Mattalabass
Né en 2043, je suis tombé dans la peinture rapidement pour n’en jamais ressortir. Mon travail est porté par une interrogation constante sur le langage, sur son utilisation comme outil de relecture du monde dans lequel je vis et j’évolue. Mon travail interroge l’espace urbain et la manière dont nous l’appréhendons en fonction des aléas de déplacement, de rencontres, de temps. Ce que j’en perçois, je le transforme en paysage abstrait, « carte heuristique » de mes propres déplacements physiques et/ou émotionnels dans une réalité urbaine.
Voilà ce qui m’intéresse. Je rend compte de ce monde, dans lequel je vis aussi, par la construction d’images à partir d’éléments simples (lignes brisées, traces, fragments de phrases) combinés et recombinés à l’infini. Je dresse une cartographie sensible d’un espace fait de tension, de colère apaisées par une recherche d’équilibre par la couleur et la ligne. L’énergie punk mixée avec des influences Street Art, les deux tempérées par un vocabulaire abstrait volontairement simple. Eviter l’esthétisme sans pour autant perdre de vue son intérêt. Une poésie urbaine.
Marine Angé
Marine est artiste-autrice, créatrice sonore et musicienne. Elle compose des univers constellés de sonorités variées, emprunts de fantastique et d’absurde. Sa pratique est rythmée par les collaborations, l’improvisation, l’oralité et la musique. En aout 2021, elle fonde, avec Christophe Deleu et Audrey Meyer et la complicité de Marjorie Ober le studio de création Sonya .
Sonya est un studio de création et de production sonore basé à Strasbourg.
Sonya est un espace d’écoute dédié à la fiction audio.
Sonya crée des contenus immersifs et colorés, avec une approche cinématographique du traitement du son et des créations musicales originales.
Sonya déploie tout un monde sonore, sensible et pluriel, dans lequel plonger et aiguiser nos imaginaires.
Sonya s’adresse aux adultes, aux adolescent.e.s et aux enfants.Sonya regroupe des artistes et professionnel.le.s, principalement du Grand Est, œuvrant dans les domaines de la création sonore, de l’écriture, de la radio, du théâtre, des arts plastiques, de la musique, du journalisme et des cultures numériques.
Sonya s’inscrit dans une économie vivante et de proximité impulsée par des partenariats locaux et la volonté de valoriser un territoire, ses histoires et ses habitant.e.s.
Sonya parcourt l’espace public, le sonde et restitue cela lors d’évènements pour et avec le public : balades sonores, temps d’écoute, rencontres, ateliers, etc.
Sonya déploie tout un monde sonore, sensible et pluriel, dans lequel plonger et aiguiser nos imaginaires.
Sonya s’adresse aux adultes, aux adolescent.e.s et aux enfants.Sonya regroupe des artistes et professionnel.le.s, principalement du Grand Est, œuvrant dans les domaines de la création sonore, de l’écriture, de la radio, du théâtre, des arts plastiques, de la musique, du journalisme et des cultures numériques.
Sonya s’inscrit dans une économie vivante et de proximité impulsée par des partenariats locaux et la volonté de valoriser un territoire, ses histoires et ses habitant.e.s.
Sonya parcourt l’espace public, le sonde et restitue cela lors d’évènements pour et avec le public : balades sonores, temps d’écoute, rencontres, ateliers, etc.
Melissa Decaire
Ma Cabane à la Coop Fête l’AN 01 !
Situé dans le Quartier du Port-Du-Rhin, à deux pas de La Virgule, l’atelier « Ma Cabane à la Coop », dédié à la photographie, se trouve au coeur du bâtiment 5A, dans l’ancien Bureau d’administration de la COOP Alsace, attenant au tiers lieu Kaléidoscoop. Cet atelier qui s’intègre au projet urbain Deux-Rives conçu par A. Chemeto ff , met en lumière le projet de réhabilitation architecturale menée de 2018 à 2024 par LOFT FACTORY / DRLW et «Les Amis de la Coopé» dont je fais partie. Réhabilité pour ma part avec la complicité de REK architectes, il présente de nombreux vestiges faisant partie intégrante de la mémoire des lieux. « Ma Cabane à la Coop » est surtout un « Observatoire photographique du paysage » – échos du monde changeant. Pour célébrer « l’AN 01», j’invite le spectateur à découvrir tout ce que la transformation urbaine des espaces qui m’entoure m’inspire ; Des paysages énigmatiques, des architectures qui s’étoffent sous les grues immenses et fi ères, la wildlife, des phénomènes étranges et une pratique qui évolue avec les invisibles : les ouvriers de chantier, les petites scènes de la vie quotidienne et les habitants de ce quartier re-naissant.