Sherley Freudenreich

Sherley Freudenreich, peintre
Livre / Fresque / Scène

Depuis son atelier à Strasbourg, elle peint et écrit des histoires. Sortie de l’école des Beaux Arts d’Epinal en 2005, elle poursuit sa formation à Bruxelles, à l’Ecole de Recherche Graphique. Après quelques années dans l’édition et l’illustration, elle démarre une carrière dans le spectacle, en 2013 avec sa première performance dessinée.
Artiste associée aux Amuse-Musées de 2014 à 2016, elle programme des spectacles et des concerts destinés au jeune public dans les musées du Parc naturel régional des Vosges du Nord.
En 2015, elle crée sa Compagnie Directo Cinéma où les images projetées sur écran sont réalisées en temps réel. Sur sa table lumineuse, la peinture s’anime avec des marionnettes au rythme de la musique. Cette pratique de peinture en temps réel, elle la partage en travaillant avec différentes compagnies.
En parallèle à ces performances scéniques, elle crée également de grandes fresques colorées en milieu urbain, souvent en participation avec le public.

BIG — Bureau d’Intervention Graphique

Mon activité artistique est engagée dans une démarche sociale et coopérative qui explore de manière expérimentale le design graphique.

Fin 2018, je crée Le BIG – Bureau d’Intervention Graphique qui a pour ambition d’ouvrir des espaces de co-créations in situ questionnant les territoires, les habitants et leurs usages. En fonction des projets, cette structure rassemble divers artistes, graphistes, designers, urbanistes, sociologues…

Les projets du BIG expérimentent des outils et des protocoles de création
permettant de récolter, questionner, transformer, créer de la matière sensible
issue des territoires. Cette matière se manifeste sous forme de paroles,
d’histoires, d’usages, d’images, de signes, de couleurs…

La remorque dépliante du BIG est un outil phare de la structure. Elle
permet d’activer des projets participatifs dans l’espace public en proposant
un interstice de création et de partage. Sa présence fait signal, et permet
de scénariser l’action de l’équipe artistique sur le terrain.

De 2013 à 2018, c’est avec Florent Vicente, que je créais Les Trames Ordinaires, un studio de graphisme mobile. Durant ces années, de nombreux projets participatifs et de commande graphiques ont été menés auprès de collectivités, structures culturelles et sociales, et entreprises.

Atelier Kylix

Ma vocation artistique a toujours suivi le chemin de la terre.

Grâce à de nombreuses années d’études de céramique, j’ai pu m’approprier les techniques traditionnelles et découvrir certaines des subtilités et des mystères cachés de la terre.
Suite à mes études j’ai eu l’opportunité de travailler dans la manufacture de La Poterie RAVEL, fondée en 1837, ce qui m’a formée à des méthodes de façonnage anciennes et m’a transmise un soupçon des savoir-faires ancestraux. Ce savoir-faire me permet maintenant d’explorer de nouvelles textures, des formes et des assembalges d’émaux dans un esprit de recherche artistique. Mes collaborations avec de nombreux artistes de disciplines variées (illustration, scénographie, musique, design, photographie etc…) ont développé chez moi une ouverture et une curiosité qui furent fructueuses pour ma recherche créative.

Ayant travaillé dans de multiples pays de l’Europe, je cherche aussi à incorporer un peu de chaque culture dans mes pièces. J’aimerais croire que chaque création a absorbé une part de la richesse culturelle et de l’histoire des pays que j’ai eu l’occasion de fréquenter.

Pour moi, créer des pièces de céramique à la main représente une vraie connexion avec mon entourage : les matières sont puisées localement, leur façonnage est fait au cœur de la ville, et la cuisson est presque unique pour chaque pièce. L’émail est conçu dans mon laboratoire et je suis toujours à la recherche de nouveaux mélanges pour agrandir ma gamme chromatique.

Ksenia Khmelnitskaya

Ksenia mène des pratiques collective et solitaire, qui se complètent et se nourrissent. Entre une fine attention au détails et les brulures, les douleurs et les crachats, son travail prend ses appuis dans les archives familiales, les réseaux sociaux, les influences de mode, d’internet et d’ultraviolence. Ses projets sont souvent co-construits et co-conçus à l’aide d’un vocabulaire qu’elle écrit avec ses complices de .dx, une grouppirovka basée en France et en Belgique. Les images et les objets crées au sein de l’atelier Wärma habitent les espaces-temps des performances. Ainsi, ses pratiques performative et picturale sont inséparables, contaminantes et communicantes. Elle met en lumière les rapports de forces, les révoltes, les contre-courants et explore les multiples facettes de l’identité de sa génération, née dans la fracture entre l’URSS et la Russie.

Jules Maillot

J’entends faire usage du temps de résidence AZ – ALLER & ZURÜCK ? comme la possibilité de poursuivre l’examen des thématiques qui parcourt mon travail. Le corps occupe toujours en creux mes productions plastiques. Plus que le corps, ce sont toutes les activités somatiques et esthétiques qui me stimulent. La mode vestimentaire, notre rapport à la technologie, nos habitudes de consommations, de divertissement…
Durant mes études je me suis peu à peu rapproché des figures transgressives, de la performativité sociale des corps marginalisés. La consommation de substances psychoactives, les pratiques bdsm, les genres musicaux « extrêmes » (musique industrielle, black metal…)
Tous ces phénomènes isolés que je mets en forme s’accordent à interroger en creux le pourtour normatif de nos existences.
Que signifie la normalité ? La transgression ? L’émancipation ? La coercition sociale ?
J’accorde une grande importance à créer des transversalités entre plusieurs domaines de savoir. Ainsi mes œuvres deviennent des réceptacles rendant visible ce fourmillement des modes de vie contemporains.
Aujourd’hui, la science et le monde médical occupent une place importante dans mes recherches. Je collecte des données autour de l’histoire de la chirurgie, l’usage sociopolitique de l’opium, le·a cyborg, le bio-hacking, le parasitisme, la psychanalyse lacanienne…
La notion d’artificiel me semble est la plus à même de lier cet ensemble. J’envisage l’artificiel comme l’occasion de m’attarder à ses modes de vie «sous substitution», sous influence par l’usage de la technologie ou de certaines
substances.
Pourquoi cette œuvre est-elle advenue ? Dans quel cadre peut-elle s’exposer ? comment s’expose-t-elle ?…

Cléo Garcia Leroy

“Mon désir indéniable pour la figure agit comme un tuteur à ma création : elle redresse, donne une direction. Mais ma peinture se débat pour se libérer de son autorité, et ne se laisse pas soumettre, elle lui échappe, comme elle m’échappe. La figure s’éclipse plusieurs fois pour pour revenir sous d’autres formes, elle s’adapte. Elle s’adapte à la matérialité, pour la laisser vivre. Celle-ci est, au fond, ma finalité, avec ce qu’elle propose d’inattendu.
Dans une lutte à la fois avec et contre la figure et la matière, je bute contre mes intentions et, en butant je multiplie les repentirs, accumule des couches que je recouvre, gratte, fragmente. Une rhétorique du palimpseste. Ces opérations m’ouvrent toujours de nouveaux chemins. Je les suis jusqu’à ce qu’ils me mènent à bon port”.

Née à Créteil en 1991, Cléo Garcia Leroy entre à la Haute École des Arts du Rhin de Strasbourg en 2015 après des études d’Histoire de l’Art en Allemagne (Leipzig) et en France. Elle se lance alors à corps perdu dans la peinture et développe une pratique d’atelier avec tout ce que cela comporte comme questionnements nouveaux liés à la création en ce lieu si singulier. Elle obtient son DNSEP en septembre 2020 avec les Félicitations du Jury.

Filipp Kapa

Née en 1992 à Tchéliabinsk (Russie), Filipp Kapa est une “artiste française” (Haute École des Arts du Rhin, option Art) et une “metteuse en scène russe” (conservatoire de St Petersbourg, mis en scéne d’opéra).
Après avoir travaillé avec le théâtre de marionnettes (interprété), dans l’événementiel (assistant chorégraphe des cérémonies des Jeux Olympiques, chorégraphe associé FeVi 2019 etc.) et l’opéra (metteur en scène pour plusieurs productions d’opéra contemporain; assistant metteur en scène et directeur de mouvement à Deutsche opéra, Opéra de Zurich, Badisches Staatstheater Karlsruhe etc.) son travail s’est récemment centralisé sur la pratique expérimentale personnelle fusionnant, niant, repensant, acceptant, critiquant, reformulant des expériences et des compétences du passé entremêlées avec de nouveaux médiums et questionnements.
Elle travaille avec les différents médiums (vidéo, sculpture, son, scénographie) pour créer des installations et des performances muti-sensorielles et multidimensionnelles, dans lesquelles l’espace, l’objet et le corps s’efforcent de coexister et d’interagir équitablement.
Dans le cœur de sa recherche se trouve des questions de fragilité, de la mémoire, de la matière comme corps vivant, d’espace négatif comme matière active et la réactualisation du genre de l’opéra/formes artistiques pluridisciplinaires (œuvre d’art totale).

Apolline Agard

Née en 1996 à Saint-Nazaire, Apolline Agard vit et travaille à Strasbourg. Diplômée d’un DNSEP art obtenu à la HEAR à Strasbourg en 2020, elle poursuit ses études en intégrant le Centre de Formation de Plasticiens Intervenants de la HEAR, afin d’inscrire sa pratique au sein d’un partage avec différents publics.

”J’interroge les formes que peut prendre le conte aujourd’hui dans le champ de l’art contemporain. Ma pratique s’articule autour de l’écriture, du dessin, de la gravure, de la performance et du film. Lorsqu’un cycle de création se termine, ces formes d’écritures variées me permettent d’envisager une nouvelle pièce permettant de circuler dans cet univers se jouant du décalage entre le réel et l’onirique : la poésie itinérante. Je me
consacre alors à la mise en scène de mes pièces en l’ouvrant à la collaboration (musique, lumière, jeu, danse) et en intégrant des non professionnels”.

Youcef Ouahab

Son premier souvenir? Un oiseau réalisé en papier gratté. C’était en maternelle. Son deuxième souvenir? Un portrait de Robespierre dessiné en combinant uniquement de lettres «c». Impressionné, son instituteur de CM2 a été ravi de pouvoir le garder en souvenir. Quelques décennies plus tard, Youcef en parle encore avec une fierté particulière. Aujourd’hui, l’artiste s’exprime en noir et blanc parfois, en une explosion de couleurs souvent. Des tonalités très colorées, voire «flashy», dit-il, pour «faire remonter un élément particulier» de l’œuvre en devenir, pour «mettre du relief». Youcef a notamment réalisé une série d’autoportraits hurlants rappelant Le Cri de Munch. Tout son univers n’est pas si sombre. Que ce soit au feutre noir, mais aussi et surtout avec le pastel sec ou l’aquarelle, il laisse parler son imagination loin des contraintes de l’hyperréalisme. D’ailleurs, l’oiseau de son enfance ne l’a pas quitté, qui se retrouve fréquemment dans ses œuvres. «J’aime les oiseaux. Ils sont comme des anges, avec leurs ailes.» Avec ses créations, il invite à voyager ailleurs, plus loin.

Mots clés. Dessin, pastel sec, aquarelle, imagination, oiseaux, anges, cris.