Le thème de la robe est son obsession depuis des années. Energétiques et sans prétention, ces vêtements énigmatiques incarnent une force paradoxale – puissante mais légère – comme une image totémique de la force féminine. Les robes, blouses, kimonos et tabliers peints sur toile brute de grand format, sont devenus instantanément reconnaissables dans le monde entier comme sa signature. « Grâce à Ewa Bathelier, j’ai compris que les vêtements aussi peuvent être nus » a écrit Amélie Nothomb dans la préface du catalogue de l’exposition « Kimonos »…Le corps absent laisse place à un cœur palpitant enfermé dans de précieux contours.
Type : permanent
Icko
Op’art, ou art optique, est l’expression utilisée pour décrire certaines pratiques et recherches artistiques faites à partir des années 60 et qui exploitent la faillibilité de l’oeil à travers des illusions ou des jeux d’optique. Vasarely en est la figure la plus célèbre. ICKO poursuit ce travail en y ajoutant une large part de féminité et s’éloigne subtilement de l’abstraction, parfois imperceptiblement. Sa palette de couleurs est mûrement réfléchie et travaillée pour exprimer au mieux la spiritualité contenue dans ses œuvres.
Marc Felten
Eunjin Kim
Die winterliche Atmosphäre der südlichen Hemisphäre bildet das Zentrum meiner Arbeit. Mein künstlerischer Impuls begann in der Kindheit, als ich stundenlang einen Schmetterling beobachtete und sein zartes Flattern festhalten wollte. Schon damals entstand der Wunsch, einen flüchtigen Augenblick zu bewahren. Wie ein Dichter einen Moment des Seins in Worte fasst, wollte ich Empfindungen sichtbar machen. Später fotografierte ich unermüdlich, doch das Festhalten allein genügte nicht; der Drang, das Gefühl eines Augenblicks unmittelbar auszudrücken, blieb derselbe. In Namibia wurde mir klar, dass nicht die Landschaft, sondern ihre Atmosphäre mein Thema ist: das kühle Licht des Morgens, die trockene Helligkeit des Mittags, das warme Leuchten des Abends und die stille Tiefe der Dämmerung. Um diese Stimmung auszudrücken, wählte ich unterschiedliche Bildträger: Leinwände aus Baumwolle oder Mischgewebe, grundiert mit Gesso, rohe Jute oder schwarz bemalt. Jede Oberfläche reagierte anders auf Licht und Farbe. Ich verband fotografische Eindrücke mit Erinnerungen und wählte Farben sorgfältig. So wurde die Atmosphäre selbst zur Protagonistin. Nachdem die Stimmung Gestalt angenommen hatte, erschien die Leinwand noch zu leer. Ich fügte Tiere hinzu – nicht als Hauptfiguren, sondern als begleitende Präsenz. Bleistift oder Pastell waren zu dominant; der harte Farbstift erlaubte Licht und Raum hindurch. Das knirschende Geräusch auf der Leinwand gehört für mich zum Zeichnungsprozess. Filigrane Bewegungen lassen meine Fingerspitzen kribbeln: die ruhige Kraft eines Elefanten, die mythische Erscheinung eines Kudus, die Eleganz eines Leoparden, die Wachsamkeit eines Nashorns, die Gelassenheit einer Löwenfamilie oder die endlosen Versammlungen der Zebras – sie verkörpern die Würde ihres Lebensraums. Ich wollte ihnen zeichnerisch begegnen. Während der Reise fragte man mich, ob es in meinem Heimatdorf viele Tiere gebe. Ich dachte an Hunde, Katzen, Kühe, Schweine, Schafe, Hühner und Enten – und zögerte. Wann ist ein Tier Lebewesen, wann Nahrung? Mein Mann probierte Oryx, Krokodil, Büffel und Impala. Am letzten Tag aß auch ich ein Gericht, das mir besonders schmeckte: Kudu. Dieses Erlebnis machte mich nachdenklich. Seitdem wünsche ich mir, zunehmend vegetarisch zu leben. In einer Umgebung, in der Gemüse und Salat gedeihen, zu leben, empfinde ich als Glück. Vielleicht verändert die intensive Begegnung mit einer Landschaft nicht nur die Kunst, sondern auch die eigene Haltung zum Leben.
Naser Dushica
Des actions telles que regarder, collecter, toucher, dessiner, gommer, redessiner, scanner, peindre, superposer, juxtaposer, repentir, aplatir, etc., font partie de mon vocabulaire gestuel habituel. Ces gestes s’appliquent à une variété de médiums, souvent classiques, allant du dessin d’un objet dans un carnet à la peinture monumentale, où la figure humaine revient souvent avec une touche mélancolique. Ma pratique oscille entre le dessin dans un carnet, la peinture et la sculpture. Elle consiste à interroger ce que l’image dissimule, ce qu’elle révèle et ce qu’elle conserve secrètement. La peinture est pour moi un moyen d’expression qui me permet d’explorer librement les questionnements qui m’habitent, notamment autour de l’image contemporaine et de sa représentation. Je peins des images enfouies dans mon répertoire, leur offrant un nouveau rôle dans l’immobilité, où l’imagerie peut être à la fois artificielle et réelle. Mes peintures tirent leur essence de la composition d’éléments tels que le sujet, les motifs, les couleurs, les fissures, et l’usure. Souvent, la photographie devient un point de départ pour mes peintures. La matière de l’image, ainsi que les supports et outils utilisés pour la donner à voir, sont tout aussi importants que le sujet lui-même. Ils me permettent d’explorer les jeux de clair-obscur, de flou et de netteté, jusqu’à réduire l’image à son essence : sa composition et son architecture. Je tends à réaliser des compositions picturales sobres : pas de narration, peu de matière, des touches subtiles, et une palette restreinte. Ce sont ces caractéristiques que j’apprécie également dans la photographie. Mon travail consiste à recréer des images issues de mon répertoire en les adaptant aux spécificités qu’elles contractent. Ces peintures d’images, en résonance avec d’autres, me permettent de raviver des émotions artistiques et formelles enfouies dans ma mémoire.
Copa & Sordes
Copa & Sordes s’intéresse aux zones intermédiaires entre l’art et la culture quotidienne.
Les interactions avec les gens sont au cœur de leur démarche artistique. Soit sur les lieux de travail, soit dans la vie quotidienne, soit dans des projets d’art interactifs.
Au fil de jours des ateliers ouverts il vont arranger une installation de nature morte en collective dans leur atelier.
Toutes et tous seront invité de contribuer un fruit ou une legume ou un autre objet comestible.
A la fin cette nature morte se transformera en tableau vivant par une action de cuisiner en collective et de manger ensemble.
Eva Molina
Eva Molina entwirft Farbkonzepte für Architektur. Diese Arbeit umfasst die Gestaltung von Farben, Materialien und Oberflächen von Innen- und Aussenräumen. Ob einzelne Räume oder komplexe Areale- die Farbe wird eingesetzt, um Orientierung, Atmosphäre, Identifikation und lebenswerte Räume zu schaffen. Ein anderer Arbeitsbereich Eva Molinas sind handgewobene Textilien für den Raum.
Matt Crime
Matthieu Crimersmois aka Matt Crime, lui, n’a jamais vraiment choisi entre la peinture et la platine, entre l’objet trouvé et la machine bricolée. Il installe ses œuvres comme on déploie un laboratoire nomade, quelque part entre le théâtre anatomique, le plateau de scratch et l’atelier d’un archiviste halluciné. Ce qu’il cherche ? Peut-être à faire résonner le geste dans ses plis les plus ténus, à injecter dans l’image l’écho sourd d’un vinyle rayé ou d’un spectre sonore.
Dans son atelier ouvert — aussi ouvert que mécanique, vibrant, câblé — il ne montre pas, il rejoue. Les dessins s’y font en temps réel, tirés au cordeau ou aux pulsations, accompagnés de machines qui grincent, respirent, convertissent l’inaudible en visible. Un bras qui trace, une boucle qui recommence, un trait qui devient partition. Ici, les tableaux se frottent à la matière même de leur production, dans un chaos savamment orchestré de courroies, de pinceaux suspendus, de sons enfouis dans l’image.
On vient chez lui comme on viendrait à une séance de spiritisme technologique, pour écouter ce que les objets ou sons enregistrés murmurent quand ils sont mis sous tension. Et peut-être, repartir avec un fragment du récit.
Joana Amora
Joana Amora est une artiste-jardinière originaire de Rio de Janeiro, Brésil (1999). Son travail biomimétique explore les relations entre l’art, les processus naturels et sociaux. Notamment avec la photographie, la vidéo, le dessin, les objets, l’installation et la performance. Elle dialogue avec les biomatériaux naturels et humains, comme des plantes, champignons, cheveux et le corps humain.
Joana interroge notre relation au vivant et aux écosystèmes qui nous entourent, à partir des œuvres vivantes mêlant réalité et imagination.
Sa démarche artistique est enracinée dans son expérience du mouvement agroécologique au Brésil depuis 2017, qui constitue la base méthodologique et éthique de son travail.
Le travail de Joana flirte avec l’Earth Art, la performance et l’art conceptuel, en développant des œuvres qui connectent les individus aux paysages qu’ils habitent. Par la marche, l’émerveillement et l’organisation de ses trouvailles, elle conçoit des pièces qui invitent à une réflexion sur notre relation au vivant. Cette pratique lui a appris à comprendre et collaborer avec les écosystèmes, en valorisant la biodiversité et les connexions qui relient tous les êtres vivants — de toi à la plante, de la plante au champignon, du champignon à l’air, de l’air au soleil, du soleil à la terre.
À travers sa pratique artistique, elle nous invite à cultiver la vie, comme on cultive un jardin.
Les trois axes fondamentaux :
la Nature comme sujet et collaboratrice ;
l’intime, le collectif et ce qui émerge entre eux ;
et l’art comme processus vivant.
Thomas Heimann
Thomas Heimann experimentiert darin mit verschiedenen Techniken und Materialien. Seine künstlerischen Interessen drehen sich vorwiegend um die Ästhetik von Farbe, Oberfläche und Material, bzw. um Schärfe und Unschärfe der visuellen Wahrnehmung und des Denkens. Diese Themen finden modellhaft Ausdruck in Tafelbildern, Objekten und raumfüllenden Installationen. Letzte Ausstellungen fanden in Tiflis, in Basel und online statt.