Matt Crime

Matthieu Crimersmois aka Matt Crime, lui, n’a jamais vraiment choisi entre la peinture et la platine, entre l’objet trouvé et la machine bricolée. Il installe ses œuvres comme on déploie un laboratoire nomade, quelque part entre le théâtre anatomique, le plateau de scratch et l’atelier d’un archiviste halluciné. Ce qu’il cherche ? Peut-être à faire résonner le geste dans ses plis les plus ténus, à injecter dans l’image l’écho sourd d’un vinyle rayé ou d’un spectre sonore.

Dans son atelier ouvert — aussi ouvert que mécanique, vibrant, câblé — il ne montre pas, il rejoue. Les dessins s’y font en temps réel, tirés au cordeau ou aux pulsations, accompagnés de machines qui grincent, respirent, convertissent l’inaudible en visible. Un bras qui trace, une boucle qui recommence, un trait qui devient partition. Ici, les tableaux se frottent à la matière même de leur production, dans un chaos savamment orchestré de courroies, de pinceaux suspendus, de sons enfouis dans l’image.

On vient chez lui comme on viendrait à une séance de spiritisme technologique, pour écouter ce que les objets ou sons enregistrés murmurent quand ils sont mis sous tension. Et peut-être, repartir avec un fragment du récit.

Joana Amora

Joana Amora est une artiste-jardinière originaire de Rio de Janeiro, Brésil (1999). Son travail biomimétique explore les relations entre l’art, les processus naturels et sociaux. Notamment avec la photographie, la vidéo, le dessin, les objets, l’installation et la performance. Elle dialogue avec les biomatériaux naturels et humains, comme des plantes, champignons, cheveux et le corps humain.

Joana interroge notre relation au vivant et aux écosystèmes qui nous entourent, à partir des œuvres vivantes mêlant réalité et imagination.

Sa démarche artistique est enracinée dans son expérience du mouvement agroécologique au Brésil depuis 2017, qui constitue la base méthodologique et éthique de son travail.

Le travail de Joana flirte avec l’Earth Art, la performance et l’art conceptuel, en développant des œuvres qui connectent les individus aux paysages qu’ils habitent. Par la marche, l’émerveillement et l’organisation de ses trouvailles, elle conçoit des pièces qui invitent à une réflexion sur notre relation au vivant. Cette pratique lui a appris à comprendre et collaborer avec les écosystèmes, en valorisant la biodiversité et les connexions qui relient tous les êtres vivants — de toi à la plante, de la plante au champignon, du champignon à l’air, de l’air au soleil, du soleil à la terre.

À travers sa pratique artistique, elle nous invite à cultiver la vie, comme on cultive un jardin.

Les trois axes fondamentaux :

la Nature comme sujet et collaboratrice ;
l’intime, le collectif et ce qui émerge entre eux ;
et l’art comme processus vivant.

Thomas Heimann

Thomas Heimann expérimente différentes techniques et matériaux. Ses intérêts artistiques tournent principalement autour de l’esthétique de la couleur, de la surface et de la matière, ou de la netteté et du flou de la perception visuelle et de la pensée. Ces thèmes s’expriment sous forme de modèles dans des tableaux, des objets et des installations qui remplissent l’espace. Les dernières expositions ont eu lieu à Tbilissi, à Bâle et en ligne.

Willem Mes

The land on which we live has always shaped us. It has shaped the wars, the power, politics and social development of the peoples that now inhabit nearly every part of the earth. We will to some degree always be shaped by the rivers, mountains, deserts, lakes and seas that constrain us all – as they always have. As a kind of ‘subsistence organism’, ‘we’ created the state as an organism rooted in a specific territory. With this concept of idea we’re justifying the existence of a particular state incorporating particular regions. The state border is the ‘peripheral organ’ of the state organism, the skin, so to speak. It demarcates and protects the core area of a state. In the so called three-country region of France Germany and Switzerland we’re facing three of these ‘organs’ and thus also three borders, all defining a specific ‘space’, with there own system of rules, esthetics, traditions, ambiance, power and political system. Geographic borders, especially those that separate states, capture the imagination. The border is also a barrier to flows of goods and services, to forms of cross-border cooperation between regions on both sides of the border and to the living environment, activities and experiences of the border by border residents and societies. But the border is not only a barrier, the state also maintains contacts with the outside world via the border. People, goods, knowledge, capital enter the country via border crossings and also leave the country in this way. This dual function of the border can be found in border towns that are both military fortresses and economic hubs for cross-border trade.  During the residency I’ll capture these different functions and physical manifestations, with the sometimes border-crossing activities in and of the border area. My photography has a dual role, namely that of representation of the object or subject in the border area and the photos also create a different framing and perception of the ‘organ’. The project stem from different disciplines: photography, cultural anthropology, design, architecture and urban planning. It’s almost an anthropological fieldwork and analysis. During my fieldwork period, as documentary photographer, I intend to (de-)contextualisation as means of creating signification and representation of the subject or object, trying to questioning the status of photographs, objects and rituals in relation to structuring the organisation of space. In order to raise awareness or change of perception of the viewer about the public space along borders.

Compagnie MAYBEFOREVER

La Compagnie MAYBEFOREVER a été fondée en 2020, elle est basée à Marseille et son périmètre de travail est international. Elle situe ses activités dans le champ des arts plastiques et des arts de la scène en espace public et se positionne comme interdisciplinaire. Les espaces investigués sont pluriels : espaces dédiés aux domaines artistiques et espaces non dédiés comme les espaces publics. MAYBEFOREVER est composé des créations dont Lilli Döscher est à l’initiative où dont elle fait partie. Les projets de la compagnie sont second wind/second souffle/zweite luft – performance dansée in situe en espace public dont le propos est le mouvement des situations figées et now is already today un dispositif performatif pour et avec les enfants autour de la question de nos relations à l’environnement et au changement climatique.

Afi Sika Kuzeawu

Dans sa performance, Afi Sika porte des vêtements faits main, fabriqués à partir de tissus qu’elle a collectionnés pendant des années. Ces vêtements uniques sont l’expression de sa réflexion artistique. Lorsqu’elle se produit dans des lieux choisis, elle invite le public à ralentir le pas et à vivre le moment présent en ralentissant sa perception. L’escargot est un motif central de son travail : les ornements sur les vêtements symbolisent une « maison portable », un symbole des expériences migratoires que partagent de nombreuses personnes de la diaspora africaine. Cela reflète le mouvement constant entre les cultures et la recherche d’un ancrage intérieur au milieu d’une biographie fragmentée. En même temps, cela met en lumière l’importance de l’auto-régénération pour exister en tant qu’individu et être actif économiquement et socialement.

Claude Zinck

La tête dans les nuages… Ne dit-on pas qui peut le plus peut le moins ? Dans la vie de tous les jours cela est sans doute vrai, en photographie c’est un exercice loin d’être facile ! Aller au plus simple, épurer, ne retenir que l’essentiel, magnifier un détail , donner une vision personnelle du monde réel, apportant paix, grâce et sérénité…

Carmen Keller-Zinck

Son travail est un perpétuel questionnement sur l’homme dans son environnement, son origine, sa finitude. C’est actuellement un projet, une réflexion sur la matérialité et la métaphysique du corps (essentiellement du corps féminin). Vision abstraite ou concrète, ce corps est toujours en confrontation visuelle et physique ainsi qu’en constante mutation. Il évolue dans cet univers où tout se conjugue au passé-présent- futur. Toujours abordé avec infiniment de respect, le bois est sa matière de prédilection. Bois durs, bois précieux, bois sublimés. Inlassablement elle sculpte, ponce, jusqu’à faire révéler aux essences leur mystère et leur sensualité…

Dr. Bacalhaus

Michaël Reinhold (geb. 1990) ist ein schweizerisch-französischer Künstler tunesischer Herkunft, der derzeit zwischen Berlin und Mulhouse lebt. Seine künstlerische Praxis umfasst eine Vielzahl von Medien, darunter Performance, Film, Video, Schreiben und Malerei. Reinhold hat einen Bachelor in Bildender Kunst von der Zürcher Hochschule der Künste und absolviert derzeit einen Master in Kunst und Medien an der Universität der Künste Berlin mit einem Schwerpunkt auf experimentellem und narrativem Film.  Reinholds grenzüberschreitende Arbeiten befassen sich mit den komplexen Schnittstellen von Identität, Liminalität und Masculine Fragility. Durch seine Performances und seine stetig wachsende Besetzung von Alter Egos lädt er das Publikum dazu ein, gesellschaftliche Normen zu hinterfragen, vorgefasste Meinungen aufzubrechen und sich mit tiefgründigen Diskussionen über Selbstbild und die Rollen, die Individuen in der heutigen Gesellschaft einnehmen, auseinanderzusetzen. Indem er zutiefst persönliche Narrative mit kultureller Kritik verbindet, schafft Reinhold kollektive Erfahrungen, die nicht nur zur Reflexion anregen, sondern auch dazu ermutigen, neue Perspektiven auf die Welt zu entwickeln.  Seine Arbeiten wurden unter anderem im Kunstverein Friedrichshafen, beim Tokyo Image Forum Festival, im Run Run Shaw Creative Center (Hongkong) und im Superblue Miami präsentiert. Er wird von der Kunststiftung des Zeppelin Museums sowie in mehreren privaten Sammlungen in der Schweiz und Frankreich vertreten.  Michaël Reinhold versucht derzeit, in Berlin, Los Angeles und dem Elsass zu schlafen.

Malou Schwab

Mon travail artistique a commencé par l’écriture.  Depuis presque toujours j’écris tout ce qui me passe par la tête, et plus particulièrement mes rêves. Des centaines de rêves m’ont guidée vers l’univers du dessin. J’ai trouvé dans le Livre Rouge de C.G. Jung une source d’inspiration et une invitation à explorer ma propre activité artistique et à donner forme à mes songes. Ce dialogue entre rêve, trait et ligne est devenu un rituel.  Mes dessins naissent d’un geste instinctif, parfois impulsif.  La fascination du trait, l’acte même de le tracer est un élan vital et à l’origine de mes Cahiers et Mandalas.  Qu’ils soient des enchevêtrements de lettres ou de courbes, ils traduisent un besoin de structurer et donner forme à ma pensée. Ce geste d’écrire, de tracer des lignes, de former des lettres me permet de canaliser une énergie intérieure et de lui donner une forme. Certaines créations s’étendent sur de grandes surfaces et d’autres sur des bouts de papier.   Avec le temps j’ai ressenti le besoin d’explorer différemment l’espace. Inspirée par Cy Twombly, Anselm Kiefer, Fabienne Verdier j’essaie des formats plus grands où le geste prend une autre dimension. Mais je reste fidèle à mes outils préférés: plume, pastel, graphite sur papier.