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Fabienne Weber

C’est un travail en constante évolution qui oscille entre une abstraction géométrique dont la pièce fondamentale est un polygone cruciforme aux proportions définies et une abstraction libérée de ses contraintes mathématiques.

Fabienne Weber, artiste plasticienne

         Au commencement était l’élément cruciforme tripartite, la particule élémentaire de l’univers de Fabienne Weber. À la fois grain et vibration. Brique et fenêtre. 31 cm sur 17 cm, dans un rapport immuable, la croce (la croix en italien) de la plasticienne s’est démultiplié à l’échelle 1/10eet rythme l’espace. Elle ne le module pas seulement, elle le pénètre. Avec une gourmandise ordonnée.

         Une exploration pointilliste, où il ne s’agit plus de penser l’espace entre les points, mais d’envisager la nature même du point, discerner sa matière, sa profondeur, son étoffe. Les croci, figées dans leur réseau cristallin, en suspens dans le temps, sont autant de fenêtres s’ouvrant sur un au-delà, sur un alter mundus. Le tableau de surface, grillagé par les éléments cruciformes, déplie ses trois dimensions, dans la matérialité même de la cage du monde — dans l’épaisseur des barreaux.

          Ces croci devaient être planes, horizontales, posées comme autant de briques paisibles, nous laissant entrevoir un multivers éclaté, en formation, plein de couleurs et d’espoir. Mais le bruit et la fureur se sont abattus sur l’Ukraine, le monde de l’artiste a basculé et les croci ont basculé avec lui. Elles ne pouvaient résister qu’inclinées à 50 degrés, dans un déséquilibre rageur, tels les hérissons antichars de la grande avenue d’Odessa. Et par ces meurtrières obliques, la plasticienne fut submergée par la douleur du monde. 

           Ainsi est née l’Ère ferrugineuse.

          Les éléments cruciformes tripartites sont faits de ce tourment : peaux de mouton grattées, papiers calcinés, restes de tissus des ateliers de l’opéra, fragments d’œuvres classiques où l’on perçoit encore des restes d’humanité.

         Passé la zone blanche, la stase, une traversée cathartique où la croce est sculptée, creusée, traitée en bas et haut relief, la plasticienne retrouve ses émotions positives et primordiales, dans un flot de couleurs et de chatoiements. Parce qu’il lui faut renouer avec l’espoir. Dire sa foi en la vie.

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Henri Walliser

Henri Walliser Mon travail est Pop au sens qu’il est jeune, spirituel, sexy, peu cher et fabriqué en série. Il exalte la vie, est positif, optimiste. Le Pop c’est de l’amour. Amour des êtres et des choses. Ma culture est urbaine, je suis un enfant des villes et du Rock. Je suis graveur et comme me disait Rémy Bucciali mon travail oscille entre sophistication et vulgarité, raffinement et trivialité. Je compose mes gravures comme des rock-songs. Je parle une langue ancienne régénérée au contact des années 80. Economie de moyens,patience; réalisme, mon travail est une ode à la liberté, une reminiscence d’un Eldorado perdu. Artiste graveur, diplômé des Arts Décoratifs de Strasbourg, a exercé différents métiers (maquettiste,receveur,vendeur, manutentionnaire, enseignant) avant d’être assistant du peintre suisse Rémy ZAUGG puis de Rémy BUCCIALI imprimeur d’estampes à Colmar. Influencé par le rock et le Pop art trouve son inspiration dans la ville et le quotidien. A exposé en Angleterre (Loughborough,Bristol), Allemagne (Euskirchen,Karlsruhe,Landau…) Espagne(Cadaqués),est représenté par la galerie Orlinda Lavergne. Privilégie les techniques sèches que sont le burin et la mezzotinte. Depuis 2017 il incorpore la couleur dans son travail.Commence une série de gravures sur la route 66 qui traverse les Etats Unis d’est en ouest.

Jean Wollenschneider

 Dessins – objets papier De la feuille plane au volume, Jean Wollenschneider dessine, découpe, plie, modèle. Faire du presque rien d’une feuille de papier, des retraites, des vagabondages, des lieux temporaires, des mythologies à ré-imaginer. L’interrogation de notre rapport au vivant, de notre avenir commun parcoure ses propositions créatives, que ce soit par l’illustration naturaliste, ou par des objets en papier : animaux, urnes, cabanes en papier…

Anne Wicky

Tout est bruyant et flou, emmêlé. Je tournoie dans l’atelier, par bouts d’ellipses, tâtant l’air, la lumière, le bazar. J’attends la fulgurance. Je pense ; la matière et l’esprit sont liés. Combien faut-il de clous pour reboucher un cœur ? Le bleu cobalt me donne envie de courir nue entre les glaces. L’Indigo m’épaissit le sang, le rend velours. J’entre à petits pas dans le rythme du temps géologique. Celui où la matière se forme. J’ai le temps avec moi. Je me débarrasse. Je peins avec la matière, cherche à tâtons l’impact dans l’inhérent. Mets le hors-champ dans le champ. Je peins sans artifice, avec un œil sous terre, ouvert. Comme un caillou âgé de cinquante ans, de cinq cent mille ans. Un caillou de l’espace. La peinture est une entreprise de clarification. Quand le temps le permet ; j’embrasse les pierres salue les arbres caresse l’air, libre. Tel est le but, s’il en faut.

Agnès Weill

Mon travail est une exploration récurrente de la couleur, une expérimentation de superpositions, de juxtapositions, de transparences. La réalité n’est qu’un point de départ, prétexte à faire infuser et diffuser les couleurs. J’aime travailler vite, de manière « jetée », peindre des séries en parallèle parce qu’il faut explorer tous les possibles. Mes gestes tantôt amples, tantôt saccadés font se confronter et s’accorder (parfois, j’espère) taches et graphismes. En peinture, j’utilise des pigments et une émulsion (dite de Wacker), à la recherche de transparences. Parmi les infinies possibilités techniques de la gravure, j’aime le bois « à plaque perdue », avec ses superpositions de couleurs, ses passages successifs plus ou moins bien calés, comme autant d’occasion d’accidents. Sur le zinc, je pratique l’aquatinte et l’eau forte, façons de continuer mes recherches sur les rapports entre lignes, valeurs et textures.Dans mon musée imaginaire j’ai déjà mis : les ciels d’Eugène Boudin, les fenêtres (ouvertes) de Pierre Bonnard, les gravures sur bois de Munch et … beaucoup de peintures de Per Kirkeby.

Nathalia Wespi

La synagoge semble être placer dans une lumière particuliere . Une lumière qui montre autant le délabrement que la poésie de cet édifice, qui est visiblement marqué par l’age, mais dégage encore quelques chose d’oniriques et magique. Mais la lumière ne montre pas seulement lumière, mais aussi l’ ombre, l’âge, le changement_ une transformation. Dans ce sens le bâtiment laisse un héritage. L’ombre ne doit pas forcement être sombre, est plutôt une empreinte et c’est lui, qui déplace le éclairé dans le centre.
Nous aimerions explorer ces pensées sensuelles et éphémères. Nous sommes intéressés par L’histoire, la substance et la poésie de la matérialité qu’un tel bâtiment porte en soi. A travers différentes settings installatives, performatifs et lyriques nous voulons mettre le bâtiment au centre et conciennement illuminer certaines choses ou délibérément mettre à l’ombre. Dans un processus continu nous développons également des arrangements éphémères et apparemment temporaires. La synagogue comme lieu saint devrait devenir un temple, un temple pour la lumière sensuelle et l’ombre réfléchie.

Nicholas Winter

Photographic portraits from the series ‘forget not, recollect’ 2018. Nicholas Winter presents a different take on the portrait. He places his models for an extended period of time, 60-90 seconds, in front of their own image, a reflection in glass, which in turn alters the dynamic of the face that wants to be seen on the outside to a deeper more personal ‘inner’ portrait. It is these inner faces of the subjects that interest the photographer. The portraits themselves are directly printed on glass, no paper involved, to heighten further the element of material but also to emphasize transparency and fragility.

Through the procedure, the faces stop seeking to please the sitter (subject). Rather they become almost transparent, open, vulnerable, a window into a more personal world.

The experience in the time taken for the portrait is as if the poetical ‘I’ comes to the surface from behind the outer face. A lightened essence of the person and the ‘things’ that occupy within. It is as if we look into the portrait, the sitter, to where fear, pain, pleasure, love and loss, and memories dwell.  Nicholas Winter ‘digs down’ below the surface to expose and lay open the ‘inner I’ with the intention of creating a moment to reflect, hence the title, ‘forget not, recollect’.

Marie-Pierre Wuilliez

Mon atelier se trouve dans un lieu historique, l’atmosphère y est très particulière. La nature, le calme sont les éléments essentiels à l’inspiration et à la création. Je commence toujours mon travail par une touche de couleur, travail de mémoire sur une idée.