Le propos de mon travail trouve sa source dans mon quotidien
Mon moyen d’expression est essentiellement la peinture à l’huile, quelquefois la photo
L’environnement urbain influence en grande partie ma création.
J utilise la peinture à l’huile, principalement sur de petits et moyens formats.
Sur châssis entoilés , mais également sur des plaques de métal ou des panneaux de bois. Cela me convient
Je suis un glaneur d’impressions, une conscience humaine parmi tant d’autres reste derrière moi , quelques peintures avec des formes et des couleurs
trasbourg, le 6 janvier 2015
Staebler Didier
photographe praticien et enthousiaste sur Strasbourg. J’aime particulièrement la photographie de rue, humoristique, décalée et décadrée (ce que je ne fais pas d’ailleurs). La photographie qui raconte des histoires et nous permet de rêvasser devant, celle qui nous laisse libre d’y apporter notre propre histoire. J’aime les photos simples, qui n’ont pas de « mérite » et ne sont pas le fruit d’un travail, d’un labeur. Celles qui n’existent que parce qu’on est là, au bon moment, avec un appareil et une bonne lumière. Un simple concours de circonstance, rare et précieux.
Peinture, sculpture, gravure et théâtre : autant de supports pour le sujet de prédilection de Dan Steffan – l’humain.
L’artiste centre son travail sur la quête intérieure qui traverse chaque femme et homme. Loin d’une pratique de séries ou de déclinaison, chacun de ses tableaux est une histoire à part entière, “ un cheminement au pays de l’humain ”. Dan Steffan s’enquiert de situer ses personnages dans une véritable de scénographie de la vie. Pour ce faire, elle utilise des objets usés ou patinés, “ comme l’Homme peut l’être ”.
Si ses personnages peuvent paraître emprunts de douleur ou d’un certain accablement, Dan Steffan revendique tendresse et humour dans leur construction. Ils ne sont jamais entièrement ce qu’ils paraissent être, “ un peu comme les Hommes ”, pour l’artiste.
Intimiste, parfois impudique, le travail de Dan Steffan est quelquefois indiscret, mais reste toujours bienveillant, comme son regard sur le Monde et les êtres le composant.
Au-delà de ses créations, l’artiste s’attache aux “oubliés” qu’elle visite et dont elle
s’inspire: les détenus, résidents d’ehpad, jeunes handicapés… Pour Dan Steffan, “ au-delà des querelles et des rivalités stériles et égoïstes, c’est là précisément qu’il y a à prendre et à apprendre.
« Le bestiaire de Christiane frappe par son originalité. Il ne ressemble pas à celui de Guillaume Apollinaire, inspiré des toiles de Picasso, encore moins à celui de la cathédrale de Strasbourg, tout de pierres roses. En quelques traits colorés et sûrs, Christiane suggère l’attitude, la course ou la fuite de ses modèles animaux, en fait leur vie tout simplement. Ils n’ont pas d’épaisseur physique, tracés sur des calques, mais une présence bien réelle, une épaisseur bien « vivante ». Leur force, leur grâce, leur puissance, leur noblesse ou leur placidité apparaissent sous des couleurs uniques ou associées. Émergeant d’un halo blanc, ils laissent deviner leurs profils et leurs contours. Ils sont aisés à identifier, même s’ils ne sont parfois évoqués que par quelques traits semblables à des idéogrammes…et toute la force de ces œuvres réside dans la justesse et la réduction du trait. J’aime le bison rouge qui m’impressionne par sa silhouette massive, bien planté dans la terre, la course aérienne du lièvre, la fuite des sangliers, la majesté du lion, la force de l’ours et la lente reptation de l’escargot… » René Faitot, décembre 2008
« Colorieur » autodidacte et paresseux, mes sources d’inspiration sont la lumière du soleil et les couleurs, que j’étale avec mes rouleaux jusqu’à ce que ça ressemble à quelques chose qui me plait. »
Ce que devient l’instant…
Jimin Song travaille à la croisée de plusieurs disciplines : photographie, dessin, poésie et art (ou arts) du livre, mais aussi restauration et conservation d’ouvrages anciens.
Tout l’art, chez elle, consiste à produire une « cristallisation émotionnelle » autour et à partir d’un fragment de réelau préalablement isolé, médité et bercé par la pensée.
Perles précieuses du souvenir : tantôt clairs et limpides, tantôt obscurs et confus, des instants familiers parfois dérisoires continuent de vivre en nous ou bien sur le papier.
Trace, effacement, mémoire, intimité mais aussi voir et toucher : voici donc ce dont il est question avec ses « objets-livres », tel cet ouvrage rêveur et alchimique qui procède par apparitions et disparitions, petites épiphanies et fragiles révélations. Comme si nous plongions un papier photo-sensible dans un bain de révélateur, il faut en humecter les pages afin de les rendre momentanément transparentes et commencer à voir à travers elles.
Il y a aussi ces livres aux pages diaphanes consacrées à un escargot ou bien à des pigeons, de petits êtres familiers évoquant l’univers des contes pour enfants et incidemment quelques états d’âme difficilement formulables : destin esseulé de l’hermaphrodite ou paradoxe d’une créature vivant tantôt à ras de terre, tantôt en plein ciel.
Le travail peut encore prendre la forme d’un livre-ceinture à nouer à sa taille, comme le ferait un voyageur désireux de protéger ses biens les plus précieux en les attachant solidement à lui. C’est un curieux opus fait de longues et fines feuilles formant une boucle, sur lesquelles s’inscrit le souvenir imagé d’un périple nocturne en train : paysages engloutis par l’obscurité auxquels se superpose le reflet fugace du visage de l’artiste dans la fenêtre du compartiment.
Sa série de photographies en noir et blanc « Les mots présents » semble suggérer que tous ses livres ne sont que la version un peu plus développée de ces pensées-bêtes qu’il nous arrive d’écrire au dos ou au creux de la paume de nos mains.
Avec « Mes poèmes préférés », l’artiste transforme la litanies de remontrances affectueuses ou agacées qu’un père adresse à sa fille en un bouquet de haïkus intimistes. Ce sont des mots simples, des expressions familières que nous avons tous déjà entendu avant même de les lire ; une manière pour elle se souligner que « le plus personnel est aussi le plus universel ».
En se réappropriant les traces et les empreintes de défunts inconnus, elle explore aussi la mémoire et le temps de l’histoire. Elle accumule et retravaille des photographies d’enfants anonymes tirées d’images d’archives de la guerre de Corée afin de leur édifier un paisible et souriant mausolée.
Les instants disparus ressurgissent ; de-ci de-là les lueurs vacillantes du souvenir nous guide à travers la nuit de l’oubli. Embarqués sur de frêles esquifs, nous dérivons ensemble au gré des courants sur le fleuve du temps.
David Rosenberg
Paris, janvier 2010
Ann Schomburg was born in Northeim, Germany in 1984. She lives and works in Berlin, Frankfurt am Main, Kassel and Hattorf am Harz.
Since 2005, she studied fine arts in the classes of Joel Baumann (new media), Urs Lüthi (Being and Fiction) and Bjørn Melhus (virtual reality) at the Acadmy of Fine Arts Kassel. In April 2012 she graduated with honors. In the same year she was appointed master student of Urs Lüthi.
Schomburg’s origins started in parliamentary politics, but she decided to switch her career to fine arts, to formulate observations of society in an artistic expression using the real life experience.
Using her own person as an example of real life, where art and life are in a symbiotic relationship. The consistent comparison of the various reactions to the “reality performance” and her art are a relevant focus of research. Schomburg’s interest is undermining ways using a very own system of logic to reinterpret settled systems. Her research and work is primarily influenced by national and
international workshops and residencies; 2007-2009 she had a free research stay in New York, in 2008 residency in Taiwan, 2010 in Berlin, 2011 in China and in Tours, France.
During her studies Ann Schomburg was awarded for her photographic work Northeim, sculptures. by the Unternehmenspark Kassel (category best student work). In 2012 she was promoted by the management of Preview Berlin Artfair as an emerging artist. In the same year Schomburg traveled with a delegation of five German artists at the invitation of the Tennessee State University in
Nashville, US. There, she presented with a delegation of German artists her work on various art academies and realized an exhibition with Students from the TSU. 2013 Schomburg was awarded with the Kassler Art Prize of the Wolfgang Zippel Foundation, who bought the photo series Northeim, sculptures. for their collection the year after.
In the Spring of 2014, Ann Schomburg called “idling mobile” to life, a mobile artist in residence project. The residency is a hybrid between an interactive sculpture and a residency program. In this constellation Schomburg invites other artists to participate into the residencies and exhibitions she gets invited to, to redesign the common structures of the institutional art support. For 2015
Ann Schomburg plans a residency tour through Germany and France in cooperation with project spaces and a crowd founding campaign.Since the summer of 2014, the project is connected to the “idling gallery”an art laboratory in which thematic exhibitions open the dialog between emerging
and established artist. A place for art and artistic networking.
Depuis un certain temps je m’interroge sur la manière de faire cohabiter
des médiums différents. Je travaille en parallèle la peinture, la sculpture et
le dessin. L’échange qui se met en place pendant le processus de travail,
aide à leur développement. Mes œuvres se construisent autour des mêmes
questionnements et sont basées sur des recherches essentiellement
plastiques, quelque soit le médium exploité.
Je considère mon travail comme une mise en tension des couleurs,
des formes et de la matière travaillée de manières différentes.
Je pense que dans la confrontation des médiums se créent des liens qui
rendent plus visibles les tensions que je veux souligner.
C’est pourquoi, je présente mes peintures et sculptures en dialogue.
Je me construis une banque d’images à partir des éléments et des expériences
visuelles rencontrées dans la nature. Je m’intéresse au paysage : les rochers,
les formes naturelles, les textures et couleurs qui se créent sur une surface
par l’érosion, les taches qui apparaissent sur un mur là où la peinture
est tombée attirent mon attention.
Je déplace des éléments de leur contexte pour créer de nouveaux « paysages »
et jouer sur notre perception.
Je mets alors en place une sorte d’ambiguïté, d’étrangeté.
En peinture je travaille par superposition de couches de matière plus ou
moins épaisses (mélanges de colle et pigmentes pour les fonds, sable, vernis
et peinture à l’huile pour les parties en texture). Il y a au cours de ce processus
des réactions, des effets qui échappent au contrôle. C’est là qu’à lieu
la rencontre entre la maîtrise et le hasard, l’habituel et l’étrange.
Mon plaisir est alors de permettre ces surprises, d’accepter ces contraintes.
Je travaille à partir des événements produits par la nature des matériaux.
Je m’intéresse à ces spécificités que j’utilise pour renforcer les tensions qui
s’y sont créées.
Le travail de Nawras Shalhoub, composé de peintures, sculptures, vidéos et installations, a été exposé en Italie, en Corée, à Sharjah, en France et en Palestine entre 2008 et 2015. Sa dernière exposition personnelle s’est déroulée à Bologne à l’automne 2014, avec pour titre: « A piece of wall for you, mon amour », projection vers « l’après mur » qui morcelle le territoire de la Palestine. Il mixe des matériaux comme les douilles, le béton et la cire d’abeilles et le miel, et explore la capacité humaine à transformer douleur et souffrance en joie et vie.
Description de 3 situations, reportées d’après mon rêve, et photographiées depuis : – Devant un pavillon flambant neuf, entouré de terre retournée, sont placés des jeux d’enfants en plastiques, posés sur un gazon immaculé. – A l’arrière d’un magasin, une corde à linge sur laquelle sèche des vêtements, au sol des pierres “anti-installation”, au second plan des voitures. – En bordure d’une route, sous un pont à travers lequel passe un rayon de lumière, un jardinier de la ville s’avance avec un débroussailleur vers la végétation Dans un rêve étrange, fait il y a plusieurs années déjà, les 27 situations signifiantes du paysage urbain me sont apparues. J’entends par situations, des agencements d’éléments divers réunis par les contingences et les nécessités des flux de la ville. J’entends par signifiantes, que ces agencements, une fois photographiés, nous permettent une compréhension profonde et complète du fait urbain, des hommes qui y vivent et donc de l’époque. Ne voyant pas de tâche plus complexe et nécessaire à réaliser, que parvenir à photographier ces 27 situations, je m’y consacre exclusivement depuis ce rêve. A ce jour, à raison de 2 images par an, j’ai photographié une dizaine de ces situations. Le travail devrait donc être achevé en 2033.
