Diplômée en 2019 de la Design Academy Eindhoven, mon expérience de travail s’est principalement construite aux Pays-bas. J’y ai développé une pratique de Design Social en immersion, prenant part physiquement à des contextes sociaux particuliers (entreprise de réinsertion par le travail, accueil de personnes très handicapées, quartiers dits difficiles…) pour y proposer, en collaboration avec les gens rencontrés, des outils et prototypes pour ré-enchanter le vécu quotidien. Je travaille beaucoup avec la nourriture (pour créer du lien) et l’illustration notamment la gravure (pour donner à voir autrement).
En parallèle (et parfois inspirée) de ce travail in-situ, j’ai une pratique d’atelier, centrée sur l’impression de monotypes et de lino-gravures, que je monte parfois en structures lumineuses. Je tra- vaille notamment sur le thème de la nature urbaine. Je suis également heureuse d’organiser des événements pour faire découvrir les joies de l’impression au grand public.
alphabet : e
Patrick Ernewein
Patrick Ernewein est né en France.
Depuis l’enfance, il s’inspire de la nature.
Dans son processus de création, il se nourrit de la beauté sauvage des paysages
évoluant selon les saisons.
Chaque peinture est une aventure.
Il avance sans savoir où il va.
Des reflets flottants ondulent sur l’eau où se cache un monde mystérieux.
Ses inspirations et ses influences viennent de voyages, de souvenirs d’enfance.
Il reconstruit, casse les lignes pour redéfinir de nouveaux contours discrets, équilibre les
éléments.
Il tache la toile, le papier pour apaiser la lumière du support, créer des mouvements avec
des coulures.
Il aime jouer avec les couleurs, essaie dans son studio de nouvelles palettes de
mélanges, créer une histoire.
Florencia Escalante
« J’aime dessiner directement sur la pierre, transformer ce dessin et le transférer, petit à petit, sur le papier, jouer avec les superpositions de couleurs et les transparences et toujours laisser une place à l’imprévu : on ne sait jamais comment la pierre va réagir aux facteurs extérieurs, aux aléas climatiques, par exemple. Depuis plus de dix ans, la faune et la flore sont au cœur de son expression artistique, mais son regard se concentre sur les aspects qui les rendent humains, sur leur essence et leur relation avec le monde extérieur. « L’animal me permet de transmettre ma vision de la société de manière subtile : il devient le traducteur, le porte-parole de mon message. Mes animaux sont terriblement humains. On peut parler, en quelque sorte, d’anthropomorphisme. »
Ses influences viennent de son enfance. « Toute petite, je me plaisais déjà à regarder des documentaires animaliers, une passion que je partageais avec ma grand-mère. J’ai aussi grandi entourée par les plantes de mon père. Comme influence litéraire, je citerais les Contes de la forêt vierge d’Horacio Quiroga. »
Expo thématique collective, les vanités la mort.
Vanité des vanités, tout est vanité, adage phare guidant les peuples civilisés depuis des siècles, la vanité, ce sous-genre de nature morte, et le memento mori (souviens toi que tu vas mourir), sont devenus une thématique à part entière, quasiment un genre, qui traverse les époques, les frontières et les civilisations pour encore toujours passioner les esprits et les imaginaires.
Il s’agit en effet d’interroger la mort, mystère parmi les mystères à la source de maintes philosophies, croyances et angoisses.
Ayant commencé il y a quelques temps un travail sur ce motif dont les premiers éléments de langage sont en gestation, et dans le soucis d’apporter une réponse à la hauteur du faste et de l’universalité de cette thématique, Oscar à décidé d’inviter ses amies et amis – perles parmis les perles – artistes de tous horizons à se joindre à sa démarche pour explorer collectivement cette thématique et consteller son atelier d’une myriade de pépites graphiques allant de la peinture au collage en passant par le dessin et la gravure.
Crânes fleurs cendres et lambeaux, ou quelconque autre motif ayant trait à cette inéluctable fin sont attendus.
Lou Amoros Augustin, Hélène Cottet, Bill Noir, Quentin Bohuon, Géraldine Legin, Adrien Weber, Cyril Fourny, Nina Imbs, Gregory Avril, Corentin Seyfried, Alexandre Nachbauer et Oscar Hache vivent dans la hâte de vous y voir autant qu’ils en meurent d’impatience.
Sophie Erny
La terre, la pierre, le bois… Ces matières brutes et nobles guident le plus souvent mon travail. Mes yeux, mes mains se mettent au diapason des matériaux, le dialogue s’installe et l’œuvre apparaît, souvent sans idée préconçue. La première impulsion naît d’une aspérité, d’un veinage, d’une ligne présente dans la matière que je décide de suivre. Le dialogue s’installe avant même le premier coup d’outil, et durera jusqu’à ce que la pièce soit exposée. Là, ciselée par la lumière, soumise aux regards, face au public, unautre dialogue viendra peut être relayer le précédent.Parfois c’est une idée qui m’habite, une émotion qui m’envahit et la matière m’aide à l’incarner, la faire naître à la lumière, la saisir et la comprendre. Je suis alors dans une recherche de moi-même, pour comprendre mon monde et Le Monde.
En forme de terre
L’atelier de céramique se situe au rez-de-chaussée de notre habitation, qui fait elle-même partie d’une ancienne ferme typique du pays Welche. Sur une surface d’environ 60m², il est organisé en différents espaces : modelage, couleurs, salle du four, évier, toilettes. C’est à la fois mon lieu de production et d’accueil de mes élèves. L’atelier voit le jour en 2023, c’est l’aboutissement d’un rêve : venir nicher mon lieu de création au creux des montagnes vosgiennes, la nature à portée de vue.
Evgenia Kashirina
Mon petit studio se compose d’un artiste, de moi, j’espère qu’à l’avenir, je trouverai des personnes partageant les mêmes idées. Je suis engagé dans mes projets, à la recherche de nouvelles idées et approches de la peinture à l’huile
Empreintes
L’atelier est idéalement situé dans un cadre verdoyant au centre d’un village au 8 Grand’rue 67660 Betschdorf. Il occupe une partie des dépendances d’une maison à colombage et reçoit régulièrement des visiteurs. Pour un accueil encore plus agréable d’un public plus nombreux durant l’événement, il est prévu des extensions ouvertes sur la cour et le jardin avec des tonnelles.
Enveloppe Atelier
Cet espace est polyvalent. J’y accumule toutes mes recherches plastiques et théoriques tout en étant ponctué par des moments de rencontres et de présentations. L’organisation interne se mue au gré des besoins : prises de vues, réalisations de plâtres, ou encore se vide de son entier pour laisser place nette et afin de tout repenser à nouveau.
Saskia Edens
Souffle de vie. Si un fil rouge doit être ici déroulé, ce sera celui-ci. Avec Breath, Saskia Edens (Genève, 1975) propose de mêler justement les souffles, deux par deux – les respirations opèrent de petites percées dans une plaque de glace qu’elle emmène de personne en personne et qui va petit à petit se changer en eau jusqu’à rendre le contact possible. La bouche de Flora exhale des fleurs, de la gueule de Fafner jaillit du feu, l’eau surgit des gargouilles de Boboli. Souffle de vie donc, mais aussi traversée des mondes – l’âge de glace, du feu et du métal. Saskia Edens fait partie de ces êtres rares qui savent conjuguer grâce et énergie, violence et poésie. Ses performances font état de la transformation autant de la matière que du corps et côtoient en un sens l’univers scientifique des expériences où l’ultime résultat n’est jamais établi. C’est la magie des métamorphoses que l’artiste offre au regard. Au commencement de A contre-courant (2007-2010), Saskia Edens, vêtue de blanc et parée de boucles d’oreilles et de colliers, arrive paisible; une vingtaine de minutes plus tard, elle ressemble d’avantage à Mary Wigman dans sa fameuse danse de la sorcière, à ceci près qu’elle ne porte plus aucun bijou (ils ont fondu) et que son vêtement est maculé de grandes traînées d’encre rouge et bleu. Pendant ce temps, elle a couru à l’envers sur un tapis de course. L’exercice est périlleux et demande de l’endurance, de l’ardeur mais aussi de la joie. Il en va de même pour l’incroyable Make-up (2008) où avant d’entamer une danse macabre, Saskia Edens se peint littéralement le corps en creux, laissant la peau s’envisager comme le squelette.
L’énergie déployée dans chacune de ses performances est perceptible dans la série d’objets débutée en 2011 avec les «Contact Imprint». Changer d’état entre le chaud et le froid, passer du liquide au solide et vise versa. Le geste est immédiat, l’explosion est totale, la violence immense : armée d’une casserole, d’un réchaud à gaz et d’un pistolet à air comprimé, Saskia Edens va propulser de l’étain en fusion sur des objets. Assez éloigné de la sculpture (modelage ou taille), plutôt proche de la photographie. Reproduction d’un instant par contact – l’image produite ne partage pas seulement les apparences de son modèle mais sa structure intime. Face : tout n’est que magma de lave séchée et poussière. Pile : perfection et douceur. L’effet est celui du souffle d’une bombe, éruption volcanique. La vie a été captée dans ces images, l’artiste a su montrer l’énergie vitale déferlant à travers le corps et au-delà. (…)
Véronique Yersin