Dans ma peinture actuelle je rends compte de la nécessité de capter les sensations et de rester dans l’instant. Mes sujets sont variés: objets, paysages, scènes de vie se figent dans une attente incertaine. Si je ne suis pas attachée par la représentation scrupuleuse de la physionomie, du costume, d’un arbre ou d’un animal je n’en rends pas moins compte des attitudes. Traquant à des moments divers une vérité visuelle fugitive. Cette peinture évocatrice, en quête de lumière est le fil conducteur de mon travail. Et ,bien qu’entretenant des liens étroits avec la tradition liée à la représentation réaliste, je refuse une peinture académique et codifiée.
alphabet : b
Michel Boetsch
L’OISHOMME
Quelque chose s’impose du silence du monde.
Quelque chose s’impose de la solitude.
Et autre chose s’impose dans ce silence, que j’ai mis du temps à cerner et que je serai tentée de dire comme la sensation de l’absurde.
Etre seule, en tête à tête avec un Oishomme renvoie d’une autre manière « d’imaginer Sisyphe heureux ».
Empruntons ces mots à Camus et imaginons l’Oishomme heureux…
Les ailes ligotées au corps, l’Oishomme se tient debout.
Il est là, hic et nunc, envers et contre tout, condamné à vivre dans les méandres de l’absurde, enchainé à sa condition.
Et pourtant, il est debout. Incroyablement digne. En pleine conscience de cette condition et s’il renonce à espérer, il ne renonce pas à vivre.
D’entrée de jeu s’impose la matière qui le façonne et que le Golem pourrait jalouser. L’Oishomme de par son essence appartient à l’ordre naturel.
Ceci le pose singulièrement dans une destinée qui rejoint celle du Golem: naître des quatre éléments inscrit d’emblée dans la vérité de l’ordre naturel et de la mort.
Tout est posé.
Il faut juste pouvoir l’entendre et accepter ce qui ne peut être changé pour reconnaitre le champ de ses possibles.
Appartenir à l’ordre naturel et en accueillir les contraintes par des prises de conscience constamment renouvelées.
Dépasser ainsi la vaine révolte contre l’absurde et prendre sa mesure dans son rapport au monde.
Cet engagement est le combat d’une vie.
Cet engagement est ce à quoi l’Oishomme nous invite.
Il est donc ligoté, lié à sa condition mais peut-être aussi à ses impossibles, à ses peurs, à ses lâchetés.
Il est ligoté mais sa tête est dégagée.
Et il peut donc lentement dépasser sa colère contre les pouvoirs opprimants et le leurre des idéaux allant des religions au nihilisme qui justifie le pire.
Le corps est ligoté mais il apprend peu à peu que le cœur, que l’esprit et que l’âme peuvent habiter le monde.
Et il arbore alors ce profil magnifique au port altier emmanché d’un long bec comme un signal silencieux de la révolte, un cri sans écho, bec fermé.
Parce que le for intérieur ne se crie pas.
Il est debout et se consacre au seul travail d’une vie : être-là le temps imparti au plus près de son exigence de sincérité avec lui-même, avec l’autre et dans l’altérité du monde.
Appartenir au monde pour « à part tenir » dans la pleine lumière de sa finitude.
Tenir sans arrogance mais avec l’élégante confiance que seul confère la beauté de ce qui s’accorde.
Il faut imaginer l’Oishomme heureux …
Isabelle Schmitt
Catherine Bihl
Que faire du mystère du monde, si l’on est réfractaire à toute histoire tentant de l’expliquer ou de lui donner du sens ?L’observer, d’un oeil curieux et amusé.Le sonder, de près, de loin, du rayonnement fossile à nos états de conscience.S’en délecter, avec nos sens, aussi trompeurs soient-ils.Découvrir l’ivresse du non-sens. Le grand vertige. S’aventurer dans des expériences inédites.Celle de la peinture, par exemple…Provoquer des big-bangs de poche.Avec de l’eau, des pigments, du sable et du hasard, sur des toiles et des papiers déchirés.Apparition de nébuleuses, d’océans furieux, de mers de glace, de vides vertigineux, de traces ondulatoires, de torrents bouillonnants, de roches opaques et dures, d’infimes nuances de teintes, de ciels déchirés de lumière.J’écoute mes limites.J’aime l’horizon. Sa ligne pure me rassure et m’apaise.Je mets de l’ordre dans le chaos que je viens de provoquer.Je cherche l’équilibre.Je sèche les taches et les coulures.Je construis. Je compose par accumulation de strates.Le paysage s’immobilise…Je pose une maison, un petit village discret au creux d’une colline. J’aimerais habiter là. M’y blottir, m’y dissoudre, m’y perdre.Désir, hasard, énergie, mouvement sont fixés dans l’image.Bref moment de répit. De calme.Je vais pouvoir rêver.Pas longtemps. Je sais que bientôt l’inconnu infini m’appellera encore, et toujours plus fort.
Clément Bedel
Qu’est-ce qu’un tableau sinon un monde en soi sur une toile ? L’univers de Clément Bedel permet au regard de vagabonder librement dans la peinture, d’apercevoir les fragments détachés de la biosphère et les vestiges d’infrastructures dans lesquels la présence et la logique humaine n’existent qu’en tant que silhouettes fantomatiques. Nul objet dominant n’accaparant l’attention, nul récit souverain n’échafaudant quelque concept. Mais s’imaginer y être vraiment libre serait un leurre. Ici, tout comme dans la brève splendeur empoisonnée de la fleur d’agave, ces teintes trempées dans le pastel de bonbons acidulés retiennent par-devers elles leur propre charge toxique. Selon un artifice tentateur semblable à celui à l’œuvre dans le capitalisme prédateur, la beauté éclatante de la fleur fascine, malgré que pour accomplir son épuisante floraison la plante dût engager toute son énergie et mourir une fois son but atteint. Une efflorescence sans récompense.
L’enchevêtrement de zones abstraites et figuratives pousse vers un épanouissement final qui captive et anesthésie le spectateur (le consommateur) dans l’à-venir. Les peintures de Bedel cachent un secret dans la multiplicité des espaces et des textures colorées.
Gardant foi en un après et conscient de cette hybridité toxique, comme des tensions permanentes, c’est en jouant avec le sympoïesis (le faire-avec) que Clé- ment Bedel capture un monde où rien ne va de soi. Il apaise les petits paradoxes et les contradictions de la croissance. Bizarrement et malgré une eau couleur pétrole ne réfléchissant rien, il réussit toutefois à restituer une forme de sérénité et d’optimisme. Le jaune d’œuf du ciel et le rose de la terre viennent apaiser cette tension pour la rendre presque inoffensive.
L’autre côté de la mer n’est ni post-consumériste, ni post-apocalyptique. C’est une
manière pacifiée d’utiliser l’énergie née de la puissance du déclin d’une société plutôt que de la puissance de la nature. Dans cette abolition des perspectives d’un monde qui tend vers un drama- tique épanouissement, Bedel trouve de nouvelles perspectives. Il le fait en articulant des tensions antagoniques et dramatiques plutôt que des plans complémentaires. De tout ceci s’expriment la résilience et la vitalité plutôt que l’entropie.
Maja Ćirić, commissaire indépendante et critique d’art
Elie Bouisson
Diplômé de la Hear Strasbourg Elie Bouisson est un jeune artiste sculpteur, lauréat du Prix Art de la Ville de Strasbourg 2020. En parallèle de son travail sculptural il réalise des projets In Situ comme dans la vitrine du Crac de Montbéliard en janvier 2020. Il a aussi réalisé en duo une oeuvre de 140m2 sur la façade de l’usine des Cafés Sati à Strasbourg.
Les œuvres d’Elie Bouisson résultent de la rencontre de son corps avec la matière, et du dialogue qui naît de cette interaction. La technique s’élabore au fur et à mesure qu’il tente de donner forme à la matière par le geste, dans une démarche purement empirique et sensuelle. Contre l’idée reçue du sculpteur qui contraint la matière à prendre forme, l’artiste avoue son impuissance : c’est de la réaction de la matière à l’énergie du geste que naissent les formes sculptées.
Jean-Baptiste Blocquaux
Peintre et dessinateur autodidacte, le premier intérêt artistique de Jean-Baptiste Blocquaux lui vient du graffiti qui occupera plusieurs années de sa vie.
De l’envie d’entamer un travail plus personnel et de s’employer sur des supports différents il entre en résidence durant deux ans au sein de la friche artistique « la fileuse » à Reims.
Il travaille par thématiques qui donnent lieu à des séries de peintures et de dessins qui murissent jusqu’à l’asséchement naturel du sujet. Ces thèmes peuvent être aussi bien politiques que plus intimes et symboliques. Volontairement à la limite entre l’abstraction et la figuration, ses travaux se penchent sur la dualité de l’intérieur et de l’extérieur et tentent de figurer
l’espace intime de l’être, spirituel et dématérialisé en le traduisant plastiquement en une dimension physique, visible et palpable.
Il vit et travaille en France. (cf www.ateliersmedicis.fr)
Jana Bernartová
Jana Bernartová (*1983), diplômée de la Faculté des arts et de l’architecture de l’Université technique de Liberec, où elle a étudié de 2003 à 2007 au Studio de communication visuelle – médias numériques de Stanislav Zippe. Pendant ses études, elle a également fréquenté le Studio de photographie et d’intersection intermédia de ĽuboStacho à l’Académie des beaux-arts de Bratislava (2006-2007) et le Studio intermédia de VáclavStratil à la Faculté des beaux-arts de l’Université de technologie de Brno (2007-2009). Elle a terminé avec succès le programme d’études doctorales à l’Académie des arts, de l’architecture et du design de Prague, dans le Supermedia Studio de Federico Díaz (2010-2013). Elle vit et travaille à Prague et à Liberec. Elle expose en solo depuis 2007, sa dernière exposition solo était sous la direction curatoriale de VáclavJanoščík à la Galerie régionale de Liberec (Zero One, 2018)
Michel Burkhard
Maître incontesté du collage « Scratch » qui, à sa manière, découle très légèrement du marouflage pour la raison première que chaque œuvre recourt au collage mais très partiellement. Chaque œuvre, en effet, et sur sa surface entière, utilise les découpages scalpés sur journaux et revues constituant en quelque sorte la palette. Le rouleau adhésif pour sa part se mue en véritable pinceau. Alors c’est bien le mot « Scratch » qui, rappelant le bruit de découpe du ruban, caractérise phonétiquement les travaux de Michel. (J-G Samacoïtz)
Lisa Blumen
On décrit mes histoires comme du “rigolo-mélancolique”. Je trouve ça plutôt vrai.
J’essaye de trouver la juste note entre le poids des sentiments et la légèreté de la trivialité.
Pour donner un exemple, c’est comme quand quelqu’un nous raconte une histoire vraiment triste mais que pendant tout le long, il a une feuille de salade coincée entre les dents.
Eugénie Burnier
Diplômée en études de la communication et des médias (Institut Supérieur du Management et du Commerce de Dijon) et en gestion de structures et de projets culturels et artistiques (Université de Haute-Alsace), Eugénie Burnier initie son parcours professionnel au sein du Théâtre Universitaire de Franche-Comté en tant que chargée de communication et relations publiques puis au sein du Théâtre National de Strasbourg en tant qu’assistante de communication et attachée aux relations presse. En parallèle, elle collabore notamment avec avec le Centre Dramatique National de Besançon Franche-Comté dans le cadre de cartes blanches et accompagne des groupes, collectifs et compagnies émergentes dans leur structuration et leur développement.
Résidente de l’atelier Wärma, elle est aujourd’hui responsable pédagogique et administrative d’un théâtre universitaire. Elle entreprend un travail de recherche autour de l’exposition aux risques professionnels et psychosociaux, ainsi que leur prise en charge, pour les artistes du spectacle vivant.