Mon métier de calligraphe pratiqué dans l’art du trait à la plume et au pinceau depuis 2006, m’invite à m’engager chaque jour à travers la transcription d’écritures latines anciennes et contemporaines aux architectures complexes, aux formes et aux courbes, aux pleins et déliés sous tension, aux croisements millimétrés, me poussant à des acrobaties folles du geste posé et dynamique dont l’équilibre fragile ne tient parfois qu’à l’énergie insufflée au trait.
alphabet : m
Myriam Martel
Depuis toujours l’art suscitant des émotions m’intéresse et m’interroge ; ce qui m’a conduit à poursuivre des études de design objet à l’École des Beaux-Arts et Arts Appliqués de Metz (57). Mes origines et ma culture asiatique me montrent l’importance d’ouvrir nos yeux et nos sens ; ressentir ce que l’on voit, touche, goûte et sent… Ce que j’ai approfondi plus tard, notamment avec l’étude du feng shui classique chinois ainsi qu’avec la pratique du qi gong et du taiji quan. Sur les différents supports travaillés, les matériaux naturels et en lien étroit avec notre environnement sont privilégiés. Je puise ainsi mon inspiration dans l’univers végétal. Aujourd’hui mes créations sur acier s’inscrivent dans une démarche où la notion du Temps est centrale, avec des questionnements sur la valeur que nous voulons bien lui porter ou lui donner…sur nos tentatives de l’apprivoiser, de le maîtriser, ou sur des ressentis qui ne peuvent être que très personnels…
Vladimir Mitrev
Sean Silver
Vlad Mitrev’s Time Paintings: Waiting, Painting: Doing Time
The first thing that caught my eye about Vlad Mitrev’s Time Paintings was their audacity. On a purely allusive level, these little blocks of paint offer a striking answer to a basic problem of classical art. Western painting in oils has a long tradition of grappling with a sticky problem: the representation of the fourth dimension in a medium built for two. How is it possible to represent change in a form that makes everything present to the eye, all at once? Because time is essentially a metaphor anyways, various figural solutions have presented themselves. You might think of bearded father time, propped up on a scythe which is meant to remind us of growth and decay. You might think of the meditative heaps of the Dutch Golden Age, the genre pieces and still lifes which show us a clutter of vanities poised just before their decay. Maybe you are reminded of Salvador Dali’s melting clocks, or the fighting Temeraire, being towed to its last berth.
We all know that paint can be made to show time indirectly, as a figure. Mitrev’s bold plan is instead to show us that temporality is essential to the art in the first place, that slow progression is a fact of the art that was there all along. Anyone who has painted even a little bit knows that part of the process is waiting around while paint does what it does. We say that it dries, but really it’s more than this. We might say that it is transforming, irreversibly, from a sticky bulk to a pliable surface, and, like any transformation, in a way that can’t really be forced. Paint dries on its own time, and learning to wait is part of what it means to become a painter. (continuation: www.vladimirmitrev.com)
Nargez Mirnezhad
Je suis née à Mashhad, en Iran, en 1985. Depuis 2018, je vis , étudie et travaille à Strasbourg.
C’est dans la vie quotidienne que je trouve l’inspiration. Mes dessins, peintures, gravures et vidéos y font références d’une manière ou d’une autre. Ce sont des vies empruntes d’une solitude parfois tragique, de désespoir, d’absence d’avenir, que je représente. Ces situations je les puise tant dans la culture occidentale que dans celle orientale. Solitude et désespoir sont universels !
Durant le confinement, reléguée dans l’espace étroit de ma chambre d’étudiante, le lit s’offrait à mon regard presque incessant, lorsqu’il n’était pas mon refuge. Il est devenu, dès lors, le sujet principal de mes toiles. Les draps défaits sculptés par la lumière, sont les arabesques de cette solitude obligée dans une architecture vide. Des nuances subtiles de gris lumineux, des couleurs douces mais froides obtenues par le mélange des bleus glacés avec leur complémentaire orangée, des contrastes, des combinaisons avec de brèves incursions de couleurs parachèvent l’atmosphère.
Le choix de la peinture à l’huile n’est pas anodin, il concourt à mon sens à un style expressif.
Symboles féminins et des allégories s’installent dans mes toiles. En 2011, j’ai réalisé des natures mortes peuplées de chaussures, tant féminines que masculines. Cette collection, fruit de mes émotions, reflétait « La société aux pieds nus », titre de la première de mes expositions personnelles.
Mon histoire de femme marquée par la culture perse reste prégnante.
Léo Maurel
Léo Maurel est luthier inventeur, vit et travaille à Dangolsheim près de Strasbourg depuis 2010. Il invente, fabrique et commercialise de nouveaux instruments, joués par de nombreux musiciens expérimentant dans les domaines du son continu et de l’héritage des musiques électroniques, tels que Erik M, Yann Gourdon, Tarek Atoui, Stephen O’Malley, Oiseau Tempête, Ensemble Recherche, Hanatsu Miroir, etc. Ses dernières recherches gravitent dans l’univers des orgues. En tant que musicien, il joue dans l’ensemble Pancrace sur des orgues d’église et sur l’Organous, orgue poulpe initialement dimensionné pour les besoins du groupe mais qui servira dans bien d’autres projets. De 2012 à 2018, il a été en charge de l’atelier de lutherie modeste du CFMI de Sélestat (Centre de Formation des Musiciens Intervenants). En 2019, il créé l’ARPFIC (Association pour la Recherche et la Promotion d’une Facture Instrumentale peu Commune), afin de constituer un parc d’instruments prototypes, mis à disposition des musiciens et autres utilisateurs.Léo Maurel est luthier inventeur, vit et travaille à Dangolsheim près de Strasbourg depuis 2010. Il invente, fabrique et commercialise de nouveaux instruments, joués par de nombreux musiciens expérimentant dans les domaines du son continu et de l’héritage des musiques électroniques, tels que Erik M, Yann Gourdon, Tarek Atoui, Stephen O’Malley, Oiseau Tempête, Ensemble Recherche, Hanatsu Miroir, etc. Ses dernières recherches gravitent dans l’univers des orgues. En tant que musicien, il joue dans l’ensemble Pancrace sur des orgues d’église et sur l’Organous, orgue poulpe initialement dimensionné pour les besoins du groupe mais qui servira dans bien d’autres projets. De 2012 à 2018, il a été en charge de l’atelier de lutherie modeste du CFMI de Sélestat (Centre de Formation des Musiciens Intervenants). En 2019, il créé l’ARPFIC (Association pour la Recherche et la Promotion d’une Facture Instrumentale peu Commune), afin de constituer un parc d’instruments prototypes, mis à disposition des musiciens et autres utilisateurs.
Anémone Misti
Je crois que l’on dessine sans toujours trop savoir pour quoi ni pour qui. Je pioche dans les mythes et les récits de mon enfance ainsi que dans les époques où je n’existais pas encore. Je vais chercher dans mes troubles pour leur donner une autre manière d’exister. Pour parvenir à ma forme, j’ai eu besoin des oiseaux. Ils m’aident à organiser mes traits précis à outrance, les incisions de mes gravures mais aussi parfois les couleurs de mes peintures.
Léa Munsch
Fascinée par le potentiel de la terre et les savoirs millénaires qui l’entourent, Léa Munsch explore ce matériau avec curiosité et instinct. Elle aime s’inspirer de ce que nous donne la nature. Elle travaille principalement la terre brute, à la recherche des textures, des couleurs et des qualités inhérentes à la matière. Dans son atelier, émerge un langage de formes sans âge, des sculptures à la croisée de l’art et de l’architecture. Tel un travail archéologique qui brouille les lignes du temps, ses sculptures semblent surgir d’un futur ancien. Dans sa pratique, elle cultive l’écoute de l’instinct et s’en nourrit pour donner forme à un monde abstrait, architectural, brut, texturé, naturel.
Léa Munsch
En 2018, Léa Munsch s’est installée au bord d’une rivière, dans une ancienne usine entourée de forêts. Une ancienne usine d’agrafes. Un bâtiment industriel brut avec un grand potentiel de transformation. Léa Munsch a investi l’ancien vestiaire ainsi que le réfectoire des employés pour en faire son lieu de création. Pensé comme un temple, un lieu de création comme lieu de vie. La lumière et les couleurs sont importantes. Grand aplat invoquant le couché de soleil, arche en trompe l’œil et éléments graphiques en référence aux temples antiques égyptiens. C’est aussi un lieu de calme, pour penser, méditer, laisser les idées faire surface accompagnées du son de la nature environnante ; le courant de la rivière, les bateaux de plaisance voguant sur le canal de la Marne au Rhin, le vent dans les arbres.
Michel Gagnol
Atelier de 20 mètres carrés et petite surface d’exposition attenant, situé dans mon appartement (quartier gare à proximité du MAM, du Grafalgar et de la galerie Artcourse.) Espace convivial et lumineux dans lequel je réalise mes créations artistiques et où j’expose régulièrement mes dernières oeuvres.
Motoco
motoco (MOre TO COme) c’est 8500m2 de brique chaude et mate, une ruche avec des artistes et artisans d’art qui y bossent et parfois piquent, sept actionnaires sérieux-mais-pas-que, deux passionnés qui dirigent en équilibristes ubiquistes, des collectivités locales qui protègent, beaucoup d’amour, des torgnoles, de la force brute et surtout une mégatonne d’énergies et de talents rassemblés. motoco est géré par la SAS motoco&co, et compte une dizaine de nationalités (30 % d’étrangers), un incubateur géré par la HEAR (Haute école des Arts du Rhin), des résidents étrangers de passage gérés par La Kunsthalle, un pôle image, un atelier de sérigraphie et un pôle céramique en construction, un studio d’enregistrement et deux grands espaces dédiés à l’événementiel. Laurence Mellinger