L’atelier “l’Image Écrite » est un lieu qui relie image et mots. Un lieu où les images prennent vie en peinture à l’huile sur des toiles en lin et susurrent à l’oreille de l’artiste peintre Géraldine des mots, des textes, des poèmes.Le nom de l’image écrite est apparu au fil de l’eau lors d’un voyage d’une année sur un bateau. Ce nom est arrivé comme une conviction, comme une intuition forte. Une peinture, un tableau est comme une image qui raconte, qui parle et qui s’écrit. La peinture est comme une écriture imagée.L’atelier situé à Hochstatt, proche de Mulhouse, est récemment installé en 2021. Il se trouve au rez-de-chaussée du lieu de vie de l’artiste et de sa famille. Un lieu proche de la nature (permaculture, animaux, travail du bois), sans cesse en renouvellement, évolution et transformation. L’artiste goûte et savoure, jour après jour, cet environnement en mouvement et peut s’en inspirer, apprendre et ainsi créer.
alphabet : i
Maxime Ivanez
Originaire du quartier de Gerland à Lyon, Maxime Ivanez commence à dessiner pour ne pas s’ennuyer, jusqu’à ses 15 ans où il fait connaissance avec le graffiti. S’en suivent une dizaine d’années de peintures et de fresques , le conduisant naturellement vers une école de peintre muraliste, la première en France, située à Oullins (69) . Son univers est inspiré de la forêt de bâtiments plus ou moins vieux que l’on retrouvent dans les quartiers comme st just, le vieux lyon . Les projets s’enchaînent différemment allant de la peinture monumentale, au travail en atelier sur toile, ou encore l’illustration.
Imagora
« Imagora-Photo » est un collectif photo ayant pour objet de regrouper les personnes disposant déjà d’un socle de connaissances en matière de photographie artistique et désireuses de se perfectionner dans leur art, dans un esprit d’amitié et de camaraderie.Le collectif dispose d’un studio au fort Kleber à Wolfisheim, qui permet de travailler ses propres projets, ou de partager des actions communes.
Diana Ianakieva
En parallèle de son métier d’architecte, sa pratique artistique gravite principalement autour de la photographie, de la gravure et de la vidéo. Les principaux thèmes de ses réalisations sont basés sur une recherche et une expérimentation par la gravure qui tentent plus particulièrement d’explorer le vide qui anime la matière, de chercher une tonalité générale pour faire ressortir des matérialités, d’explorer les fonds pour créer une atmosphère et mettre en valeur leur contenu, d’explorer l’empreinte, la trace sans vouloir les définir ou chercher une finalité. Aussi, par la photographie, elle tente de composer des cadrages avec des matières et des végétaux, de capturer des moments de vie des autres, des coins et recoins urbains pour explorer au hasard des histoires et compositions abstraites qui se présentent à nous. Par les vidéos elle essaie d’attraper des moments du quotidien, spontanés et innocents, laissant la perception par leur transformation « libre et ouverte ». Sa pratique artistique est nourrie en grande partie par le processus de création en lui-même, basé sur l’intuition et d’une certaine manière sur l’innocence de la création d’une œuvre, en laissant place à l’inattendu. Par ses travaux artistiques, elle tente d’explorer l’imaginaire pour traiter l’irréel afin de composer des espaces-temps où l’irréel laisse place à la rêverie, à l’errance. Il est ainsi question d’explorer à l’aveugle, en faisant confiance à l’intuition, les contradictions, les accidents et les doutes afin de révéler une autre réalité, la sienne. Gravitant autour du primaire et de l’innocence, sa démarche touche au réapprentissage et renvoie de manière analogique à l’infans, « l’enfant à l’esprit inachevé, sur la collecte systématique et sur le postulat de la possibilité de la découverte émerveillée » .
La spontanéité et l’expression libre sont mises à l’épreuve car il n’y a rien d’immédiat. L’émotion ou l’impulsion sont là quelque part en attente pour devenir lentement, par l’exploration et la transmission, une matière affective. Ces sensations intimes font naître et constituent une histoire particulière, racontée à un moment singulier afin de devenir un récit sous une forme imaginaire et bâtie.
Îlot
L’Îlot à accueilli diverses personnalités et pratiques au cours des dernières années. Aujourd’hui, ce sont 3 artistes-artisanes qui font vivre l’atelier niché au cœur de la Krutenau. Établis, pinceaux, billots, crayons, papiers, limes, aquarelle et plantes vertes cohabitent dans cet espace chaleureux baigné par la chaleur du thé ou du soleil selon la saison.L’atelier ouvre ses portes sur rendez-vous pour des initiations lors desquelles Charlotte et Yvanne partagent leur sensibilité à travers leur pratique de la bijouterie. Valérie de son côté, dessine et peint le vivant avec une attention particulière portée au détail, à la couleur et au trait.Pour l’édition 2023 des Ateliers Ouverts, L’Îlot invite deux artistes dont les œuvres tissent des liens entre les pratiques de chacun. La photographie de Jérôme attire notre regard sur le petit, le fragile, la poésie et la part de rêve qui se cache dans les détails. Pauline réalise des sculptures en papier d’une grande finesse sur le thème du cabinet de curiosités.Cette année l’atelier réunit cinq artistes qui s’expriment à travers des formes et des techniques minutieuses, précises, attentives. Cinq artistes qui se réjouissent d’ouvrir les portes de leurs univers.
IDeE Designers
IDeE est une association à but non lucratif engagée dans la promotion du design.
Elle a pour but de favoriser la démarche design dans les entreprises et de sensibiliser le grand publique à cette discipline.
Elle initie des collaborations entre artisans, industriels et designers sous la forme de groupes de travail afin de valoriser le savoir-faire de ces entreprises.
Attachée aux secteurs en mutations ou en difficultés, elle vise à proposer des innovations portées à titre non exhaustif sur les processus, les transferts de technologies ou sur des réorientations en termes de marchés qui donneront une visibilité nouvelle à l’entreprise.
Nous pensons que le design est un processus qui doit nécessairement passer par l’expérimentation ; que de l’inattendu peut émerger la beauté, la pertinence, le désir.
L’association se développe depuis 2007 et accueille chaque année de nouveaux membres.
Le partage d’expériences et la préservation du patrimoine artisanal et industriel demeurent les deux principaux motifs de son existence.
Notre activité s’articule en trois axes principaux, les workshops, les expositions et l’organisation de conférences.
Les workshops
Depuis 14 ans, les workshops sont la principale activité de l’association. Ils permettent de faire la démonstration du design en entreprise.
La démarche design s’applique à tous les matériaux et toutes les échelles de production : de l’artisanat à l’industrie, du grès au verre en passant par la cire.
Les différentes collaborations engagées au fil des années sont la preuve par le faire que le designer a sa place dans tout type de projet.
De par la dynamique qu’il impulse sur le territoire, il participe à faire perdurer des savoir-faire et des métiers.
Les projets sont à retrouver dans leur intégralité sur notre site :
Les expositions
Les expositions sont pour l’association l’occasion de valoriser les résultats des workshops.
Elles permettent de promouvoir le travail réalisé avec les partenaires et mettent en valeur leurs savoir-faire autant que les compétences des designers.
Dans ces expositions, ce sont l’intérêt de l’élaboration commune des projets ainsi que la richesse des propositions déployées par le groupe qui sont donnés à voir.
Les conférences
Les conférences nous permettent de présenter notre métier de designer et dialoguer autour de la discipline, ses pratiques et ses applications.
Discussions, débats, échanges d’idées et de points de vue entre professionnels et tout un chacun ; elles permettent aux membres d’engager un travail réflexif sur leurs activités, de nourrir leur pensée et mieux se positionner dans une profession en constante évolution. Ces rencontres sont ouvertes à tous, publiques avertis ou curieux !
Florence Ichter-Simon
mon travail Artiste franco-néo-zélandaise, ma pratique artistique est profondément influencée par mes racines et mes voyages ainsi que le monde dans lequel je vis.Issue d’une famille d’industriels textiles alsaciens et de coloristes je collectionne des matériaux : des tissus, patrons de vêtements et autres objets découverts dans les tiroirs familiaux. Lors de mes voyages je glane et trouve des morceaux d’affiches, des articles de journaux, des mots mêlés ou croisés.L’intention est de m’en inspirer et de les introduire dans mon travail selon ma réflexion philosophique et après une sélection minutieuse des mots et de manière plus spontanée avec les couleurs. Mon travail contient des messages personnels liés à l’actualité, à la condition de la femme et au respect de l’environnement.Je travaille sur papier ou bois avec des encres, des pigments naturels, du graphite, de l’acrylique et de l’huile. Ces dernières années je me glisse vers l’abstraction totale avec des aplats de couleurs mêlés à des structures et des traits de pinceaux plus graphiques laissant de moins en moins apparaitre les mots.Je tente de combler le fossé entre l’art et la vie quotidienne comme le faisait Robert Rauschenberg dans les combines et François Dufrêne dans les dessous d’affiches. “Ma pratique artistique est le témoin de la mutation du monde. Elle laisse place à l’esthétique, au questionnement et à une vérité subjective”.Florence Ichter Simon
Ilana Isehayek
Ilana Isehayek débute sa carrière au Canada avant de s’installer en France il y a une vingtaine d’années. Ses origines et son parcours apparaissent dans son travail à travers l’attention soutenue qu’elle porte à la question des racines, du voyage, des cultures d’origine et d’adoption. Une de ses préoccupations majeures est de créer du lien entre le passé et le présent, l’histoire et le vécu, en définissant le rôle du public dans l’œuvre, son regard ou son approche physique du lieu. Travaillant tour à tour la peinture, la sculpture ou l’installation, elle développe un langage très personnel où les motifs de la barque, d’éléments de planisphères en forme de fuseaux et de la toupie sont récurrents. S’y ajoute depuis quelques années une recherche sur la place du corps dans l’architecture qu’elle traite de manière littérale par l’aménagement de sculptures en creux, propres à recevoir des corps. Depuis ses débuts, elle est fidèle au bois qui occupe une place centrale dans son œuvre. Sollicitée à de nombreuses reprises dans le cadre de commandes privées, du 1% artistique ou de commandes publiques, elle travaille sur l’idée de l’écriture d’une partition commune entre un bâtiment et une œuvre d’art commanditée. Barbara Bay
